"50 lat z KRZAK" - koncert jubileuszowy
Zapraszamy na koncertowe wspomnienie dorobku i brzmienia grupy KRZAK. Zagrają wielkie indywidualności polskiego bluesa, jazzu i rocka. Muzycy, którzy tworzyli historię tego legendarnego zespołu oraz zaproszeni goście:
Anthimos Apostolis - gitara
Jan Gałach - skrzypce
Michał Kielak - harmonijki
Joachim Rzychoń - bas
Jorgos Skolias - śpiew
Krzysztof Ścierański - bas
Andrzej Ryszka - perkusja
Dariusz Ziółek - bas
Leszek Winder – gitara
i inni
KRZAK zawiazał się w 1975 roku w Katowicach. Z zespołem, w różnych okresach działalności, współpracowała grupa znakomitych muzyków, artystów i ludzi sztuki. Na swoim koncie mają współpracę z grupami: Niemen, SBB, Laboratorium, Dżem, TSA, Irek Dudek Blues Band, Republica, Voo Voo, Young Power, Tomasz Stańko, Tadeusz Nalepa, Józef i Jan Skrzek, Tomasz Szukalski, itd. Wszyscy oni swoim talentem i pracą wprowadzili KRZAK na szczyty popularności.
KRZAK w pierwszej połowie lat 80-tych, należał do najpopularniejszych formacji rockowych w Polsce. Ten artystyczny dorobek przetrwał próbę czasu i nadal cieszy się wielkim uznaniem publiczności i krytyków.
KRZAK ma na koncie ponad 20 płyt w tym dwie złote, nagrodę Fryderyka za płytę „4 Basy” oraz liczne inne wyróżnienia.
KRZAK to zdecydowanie zespół koncertowy. Energetyczny program oraz wirtuozerskie umiejętności muzyków powodowały, że koncerty tej grupy zawsze były entuzjastycznie przyjmowane i pozostają dużym wrażeniem dla słuchaczy.
Na parterze układ kawiarniany – stoliki z krzesłami.
Koncert współfinansowy z budżetu miasta Katowice.
Partner Wydarzenia Miasto Katowice.
Anthimos Apostolis - gitara
Jan Gałach - skrzypce
Michał Kielak - harmonijki
Joachim Rzychoń - bas
Jorgos Skolias - śpiew
Krzysztof Ścierański - bas
Andrzej Ryszka - perkusja
Dariusz Ziółek - bas
Leszek Winder – gitara
i inni
KRZAK zawiazał się w 1975 roku w Katowicach. Z zespołem, w różnych okresach działalności, współpracowała grupa znakomitych muzyków, artystów i ludzi sztuki. Na swoim koncie mają współpracę z grupami: Niemen, SBB, Laboratorium, Dżem, TSA, Irek Dudek Blues Band, Republica, Voo Voo, Young Power, Tomasz Stańko, Tadeusz Nalepa, Józef i Jan Skrzek, Tomasz Szukalski, itd. Wszyscy oni swoim talentem i pracą wprowadzili KRZAK na szczyty popularności.
KRZAK w pierwszej połowie lat 80-tych, należał do najpopularniejszych formacji rockowych w Polsce. Ten artystyczny dorobek przetrwał próbę czasu i nadal cieszy się wielkim uznaniem publiczności i krytyków.
KRZAK ma na koncie ponad 20 płyt w tym dwie złote, nagrodę Fryderyka za płytę „4 Basy” oraz liczne inne wyróżnienia.
KRZAK to zdecydowanie zespół koncertowy. Energetyczny program oraz wirtuozerskie umiejętności muzyków powodowały, że koncerty tej grupy zawsze były entuzjastycznie przyjmowane i pozostają dużym wrażeniem dla słuchaczy.
Na parterze układ kawiarniany – stoliki z krzesłami.
Koncert współfinansowy z budżetu miasta Katowice.
Partner Wydarzenia Miasto Katowice.
"Kompleta". Sztuka w Służbie Ducha i Ciała
Cykl SZTUKA W SŁUŻBIE DUCHA I CIAŁA. Pénte (πέντε)
Cykl otwiera, 18 września o godz.19:00 w Kinoteatrze Rialto w Katowicach, film dokumentalny „Kompleta” w reż. Magdaleny Hueckel i Tomasza Śliwińskiego, twórców nominowanej do Oscara "Naszej Klątwy". Światowa premiera "Komplety" odbyła się na festiwalu Millennium Docs Against Gravity.
Zakończenie cyklu 19 listopada w Teatrze Śląskim im. Stanisława Wyspiańskiego w Katowicach seansem teatralnym "W zawieszeniu" w reż. Artiego Grabowskiego.
Organizatorzy chcą przede wszystkim zaprosić kobiety doświadczone onkologicznie do świata sztuki – w domenie arteterapii – poprzez spotkania z filmem, performansem, fotografią, jogą terapeutyczną aby potem zaprosić je oraz ich najbliższych i pozostałych widzów, słuchaczy w obszar muzyki/dźwięku spektaklu oraz spektaklu/seansu teatralnego.
Wierzymy głęboko iż Cykl Sztuka w Służbie Ducha i Ciała Pénte (πέντε) uruchomi w kobietach, widzach, uczestnikach proponowanych wydarzeń, potrzebę otwarcia się na świat, uwrażliwi i przede wszystkim uwolni emocje, pozwoli na wyrażanie siebie, swoich potrzeb i uczuć.
Cykl otrzymał wsparcie z Miasta Katowice na realizację zadań publicznych w dziedzinie kultury – jedna edycja na rok 2025 oraz z Instytutu Grotowskiego we Wrocławiu.
Organizator Cyklu: Fundacja Sztuka dla życia im. Marty Paradeckiej.
Głównymi partnerami imprezy są Miasto Katowice oraz Instytut im. Jerzego Grotowskiego we Wrocławiu.
Zadanie współfinansowane z budżetu Miasta Katowice.
Honorowy patronat nad festiwalem objął Prezydent Miasta Katowice Marcin Krupa.
Patronat Radiowy: Polskie Radio Katowice
Patronat Telewizyjny: TVP 3 Katowice
Partnerzy: Uniwersyteckie Centrum Kliniczne im. prof. K. Gibińskiego Śląskiego Uniwersytetu Medycznego w Katowicach, Górnośląska Fundacja Onkologiczna w Gliwicach, Instytut im. Jerzego Grotowskiego we Wrocławiu, Kinoteatr Rialto w Katowicach, Teatr Śląski im. Stanisława Wyspiańskiego w Katowicach, Śląski Teatr Lalki i Aktora „Ateneum” w Katowicach, Teatr Korez w Katowicach, Fundacja Oko w Oko z Rakiem, Studio Portretowe Joanna Nowicka w Katowicach, Teatr A Part w Katowicach, Galeria Katowice, Związek Polskich Artystów Fotografików Okręg Śląski, Dwutygodnik kulturalny „artPapier”, Fundacja Antropologii Komunikacji „Ingraft”, Gabinet Urody A&A w Katowicach, Fundacja DAR Sztuki z Warszawy, Teatr Rozrywki w Chorzowie, Teatr Zagłębia w Sosnowcu, oraz Monika Wachowicz Studio Ciała i Emocji.
Cały program Cyklu nas stronie w zakładce Sztuka w Służbie Ducha i Ciała, edycja 2025:
https://sztukadlazycia.pl/
Zapraszamy
"KOMPLETA"
Film stanowi emocjonalną podróż – intymny zapis procesu zdrowienia głównej bohaterki, u której w ósmym miesiącu ciąży zdiagnozowano chorobę nowotworową. Eksperymentalna forma łączy elementy surowego dokumentu, osobistego wideodziennika, prac artystycznych samej bohaterki oraz prowadzącej narrację muzyki. Ta wielowarstwowa struktura pozwala widzowi głęboko zanurzyć się w świat wewnętrznych przeżyć i emocji postaci. Nowy film autorów nominowanej do Oscara „Naszej Klątwy” to opowieść o transformującej mocy sztuki, sile jednostki w obliczu kryzysu oraz miłości, która leczy, wspiera i daje nadzieję.
Film powstał w ramach programu Studia Munka “Pierwszy Dokument”.
Nagroda: Sopot (Sopot Film Festival)-Nagroda Spectrum Pomorze
Reżyseria, scenariusz, zdjęcia: Magdalena Hueckel i Tomasz Śliwiński
Muzyka: Stefan Wesołowski
Produkcja: Studio Munka. Stowarzyszenie Filmowców Polskich
W trakcie wieczoru szefowa Fundacji Monika Wachowicz przedstawi program tegorocznej edycji cyklu, a po projekcji zobaczymy na ekranie nagraną rozmowę z twórcami filmu.
Cykl otwiera, 18 września o godz.19:00 w Kinoteatrze Rialto w Katowicach, film dokumentalny „Kompleta” w reż. Magdaleny Hueckel i Tomasza Śliwińskiego, twórców nominowanej do Oscara "Naszej Klątwy". Światowa premiera "Komplety" odbyła się na festiwalu Millennium Docs Against Gravity.
Zakończenie cyklu 19 listopada w Teatrze Śląskim im. Stanisława Wyspiańskiego w Katowicach seansem teatralnym "W zawieszeniu" w reż. Artiego Grabowskiego.
Organizatorzy chcą przede wszystkim zaprosić kobiety doświadczone onkologicznie do świata sztuki – w domenie arteterapii – poprzez spotkania z filmem, performansem, fotografią, jogą terapeutyczną aby potem zaprosić je oraz ich najbliższych i pozostałych widzów, słuchaczy w obszar muzyki/dźwięku spektaklu oraz spektaklu/seansu teatralnego.
Wierzymy głęboko iż Cykl Sztuka w Służbie Ducha i Ciała Pénte (πέντε) uruchomi w kobietach, widzach, uczestnikach proponowanych wydarzeń, potrzebę otwarcia się na świat, uwrażliwi i przede wszystkim uwolni emocje, pozwoli na wyrażanie siebie, swoich potrzeb i uczuć.
Cykl otrzymał wsparcie z Miasta Katowice na realizację zadań publicznych w dziedzinie kultury – jedna edycja na rok 2025 oraz z Instytutu Grotowskiego we Wrocławiu.
Organizator Cyklu: Fundacja Sztuka dla życia im. Marty Paradeckiej.
Głównymi partnerami imprezy są Miasto Katowice oraz Instytut im. Jerzego Grotowskiego we Wrocławiu.
Zadanie współfinansowane z budżetu Miasta Katowice.
Honorowy patronat nad festiwalem objął Prezydent Miasta Katowice Marcin Krupa.
Patronat Radiowy: Polskie Radio Katowice
Patronat Telewizyjny: TVP 3 Katowice
Partnerzy: Uniwersyteckie Centrum Kliniczne im. prof. K. Gibińskiego Śląskiego Uniwersytetu Medycznego w Katowicach, Górnośląska Fundacja Onkologiczna w Gliwicach, Instytut im. Jerzego Grotowskiego we Wrocławiu, Kinoteatr Rialto w Katowicach, Teatr Śląski im. Stanisława Wyspiańskiego w Katowicach, Śląski Teatr Lalki i Aktora „Ateneum” w Katowicach, Teatr Korez w Katowicach, Fundacja Oko w Oko z Rakiem, Studio Portretowe Joanna Nowicka w Katowicach, Teatr A Part w Katowicach, Galeria Katowice, Związek Polskich Artystów Fotografików Okręg Śląski, Dwutygodnik kulturalny „artPapier”, Fundacja Antropologii Komunikacji „Ingraft”, Gabinet Urody A&A w Katowicach, Fundacja DAR Sztuki z Warszawy, Teatr Rozrywki w Chorzowie, Teatr Zagłębia w Sosnowcu, oraz Monika Wachowicz Studio Ciała i Emocji.
Cały program Cyklu nas stronie w zakładce Sztuka w Służbie Ducha i Ciała, edycja 2025:
https://sztukadlazycia.pl/
Zapraszamy
"KOMPLETA"
Film stanowi emocjonalną podróż – intymny zapis procesu zdrowienia głównej bohaterki, u której w ósmym miesiącu ciąży zdiagnozowano chorobę nowotworową. Eksperymentalna forma łączy elementy surowego dokumentu, osobistego wideodziennika, prac artystycznych samej bohaterki oraz prowadzącej narrację muzyki. Ta wielowarstwowa struktura pozwala widzowi głęboko zanurzyć się w świat wewnętrznych przeżyć i emocji postaci. Nowy film autorów nominowanej do Oscara „Naszej Klątwy” to opowieść o transformującej mocy sztuki, sile jednostki w obliczu kryzysu oraz miłości, która leczy, wspiera i daje nadzieję.
Film powstał w ramach programu Studia Munka “Pierwszy Dokument”.
Nagroda: Sopot (Sopot Film Festival)-Nagroda Spectrum Pomorze
Reżyseria, scenariusz, zdjęcia: Magdalena Hueckel i Tomasz Śliwiński
Muzyka: Stefan Wesołowski
Produkcja: Studio Munka. Stowarzyszenie Filmowców Polskich
W trakcie wieczoru szefowa Fundacji Monika Wachowicz przedstawi program tegorocznej edycji cyklu, a po projekcji zobaczymy na ekranie nagraną rozmowę z twórcami filmu.
Amadeusz - PONOWNIE NA WIELKIM EKRANIE
Nowa odrestaurowana wersja 4K.
Wielki geniusz. Szalona zazdrość. Niedościgłe widowisko.
Porywająca historia muzycznego geniusza Mozarta (Tom Hulce) i jego zazdrosnego przeciwnika Salieriego (F. Murray Abraham) to nagrodzony 8 Oscarami wielki spektakl Milosa Formana oraz jeden z najlepszych filmów kostiumowych w historii kina.
W scenerii XVIII-wiecznego Wiednia rozgrywa się pełen pasji, gniewu i uniesień pojedynek między dwoma bohaterami, których dzieli prawie wszystko – poza miłością do pięknej muzyki.
Epickie kino, wybitna ścieżka dźwiękowa, oszałamiająca opera, humor i trzymający w napięciu dramat. „Amadeusz” to widowisko na wszystkie czasy – i widowisko wszech czasów.
Odrestaurowany w 4K film miał swoją repremierę w maju 2024 roku w Hollywood. Akademia Oscarowa przygotowała odnowioną cyfrowo kopię niedostępnej przez blisko ćwierćwiecze i uważanej za najlepszą kinowej wersji filmu.
Doznaj muzyczno-filmowego oświecenia!
Wielki geniusz. Szalona zazdrość. Niedościgłe widowisko.
Porywająca historia muzycznego geniusza Mozarta (Tom Hulce) i jego zazdrosnego przeciwnika Salieriego (F. Murray Abraham) to nagrodzony 8 Oscarami wielki spektakl Milosa Formana oraz jeden z najlepszych filmów kostiumowych w historii kina.
W scenerii XVIII-wiecznego Wiednia rozgrywa się pełen pasji, gniewu i uniesień pojedynek między dwoma bohaterami, których dzieli prawie wszystko – poza miłością do pięknej muzyki.
Epickie kino, wybitna ścieżka dźwiękowa, oszałamiająca opera, humor i trzymający w napięciu dramat. „Amadeusz” to widowisko na wszystkie czasy – i widowisko wszech czasów.
Odrestaurowany w 4K film miał swoją repremierę w maju 2024 roku w Hollywood. Akademia Oscarowa przygotowała odnowioną cyfrowo kopię niedostępnej przez blisko ćwierćwiecze i uważanej za najlepszą kinowej wersji filmu.
Doznaj muzyczno-filmowego oświecenia!
Ars Independent Festival 2025: "Punkt wrzenia" - film + kolacja
Coś dla ducha i ciała, czyli filmowo-kulinarne wydarzenie specjalne festiwalu. W tym roku będzie gorąco. Zobaczymy „Punkt wrzenia” twórców jednej z najlepszych pozycji streamingowych ostatnich lat, czyli serialu „Dojrzewanie”. Rollercoaster emocji na ekranie uzupełni wyjątkowe, inspirowane filmem autorskie menu wegańskie* przygotowane specjalnie dla widzów Arsa przez Katarzynę Rogowską, szefującą kuchni katowickiej restauracji „Amfora”.
Po seansie z Katarzyną Rogowską porozmawia Kaja Szafrańska z kanału YouTube jakbyniepaczec.
Będzie emocjonująco, intensywnie i smacznie.
*alergeny: czosnek, laktoza, gorczyca, gluten, orzechy
Punkt wrzenia | Boiling Point
Jeden wieczór i nierówna walka z czasem. Stephen Graham w roli balansującego na granicy załamania nerwowego szefa kuchni próbującego opanować piętrzące się trudności, zapanować nad załogą i własnymi nerwami oraz zapobiec kulinarnej i wizerunkowej katastrofie. Majstersztyk filmowej narracji w jednym ujęciu.
Po seansie z Katarzyną Rogowską porozmawia Kaja Szafrańska z kanału YouTube jakbyniepaczec.
Będzie emocjonująco, intensywnie i smacznie.
*alergeny: czosnek, laktoza, gorczyca, gluten, orzechy
Punkt wrzenia | Boiling Point
Jeden wieczór i nierówna walka z czasem. Stephen Graham w roli balansującego na granicy załamania nerwowego szefa kuchni próbującego opanować piętrzące się trudności, zapanować nad załogą i własnymi nerwami oraz zapobiec kulinarnej i wizerunkowej katastrofie. Majstersztyk filmowej narracji w jednym ujęciu.
Ars Independent Festival 2025: Czarownica: Bajka ludowa z Nowej Anglii
Wstęp do filmu: Sara Nowicka
XVII wiek. Wykluczona ze społeczności rodzina purytańskich osadników zamieszkuje na otoczonym lasem odludziu. Wkrótce ich wiara i wzajemne zaufanie zostaną wystawione na najcięższą próbę. Nagrodzony na Sundance debiut fabularny Eggersa to kunsztownie zrealizowane, hipnotyzujące poetyckim naturalizmem kino grozy: ubrana w historyczny kostium niepokojąca opowieść o wchodzeniu w dorosłość w cieniu religijnych obsesji.
_______________________________
ROBERT EGGERS. RETRO|per|SPEKTYWA
Amerykański wizjoner stylowej grozy, bez kompleksów składający hołd europejskim klasykom kina. Rozmiłowany w przeszłości esteta, który nie boi się balansować na granicy filmowej przesady i dobrego smaku. Nigdy jednak nie wypada z formy ani nie traci twórczej dyscypliny; z niezwykłym wyczuciem obrazu i dźwięku buduje klimat filmowej opowieści.
Bada granice szaleństwa i samotności. Szuka utraconych więzi z naturą w ich najbardziej pierwotnych przejawach. Zagląda w oczy zającom i mewom, podąża za czarnym kozłem w głąb ciemnego lasu. Zamienia ludzi w dzikie psy, topi zdrowe zmysły w rozszalałych falach oceanu.
Snując upiorne bajki i przywołując mity, opowiada w istocie historie na wskroś współczesne: dramaty rodzin we wnętrzach, szekspirowskie tragedie, przypowieści o inicjacji i dorastaniu. Jego filmowe sny budzą lęki przed tym, co w nas ukryte. Miesza dobro ze złem. Rozgrzebuje nasiąkniętą krwią ziemię i wyciąga na powierzchnię to, co chcielibyśmy zasypać, zakopać i zapomnieć. W przeszłości szuka prawdy, w historii – uniwersalnego sensu. Światło go oślepia, w mroku znajduje ukojenie.
Zestaw trzech pierwszych pełnometrażowych fabuł Roberta Eggersa uzupełnimy seansem specjalnym „Wilczycy” – polskiego horroru łączącego amerykańskiego twórcę z... Górnym Śląskiem.
Kurator: Instytucja Filmowa Silesia Film
XVII wiek. Wykluczona ze społeczności rodzina purytańskich osadników zamieszkuje na otoczonym lasem odludziu. Wkrótce ich wiara i wzajemne zaufanie zostaną wystawione na najcięższą próbę. Nagrodzony na Sundance debiut fabularny Eggersa to kunsztownie zrealizowane, hipnotyzujące poetyckim naturalizmem kino grozy: ubrana w historyczny kostium niepokojąca opowieść o wchodzeniu w dorosłość w cieniu religijnych obsesji.
_______________________________
ROBERT EGGERS. RETRO|per|SPEKTYWA
Amerykański wizjoner stylowej grozy, bez kompleksów składający hołd europejskim klasykom kina. Rozmiłowany w przeszłości esteta, który nie boi się balansować na granicy filmowej przesady i dobrego smaku. Nigdy jednak nie wypada z formy ani nie traci twórczej dyscypliny; z niezwykłym wyczuciem obrazu i dźwięku buduje klimat filmowej opowieści.
Bada granice szaleństwa i samotności. Szuka utraconych więzi z naturą w ich najbardziej pierwotnych przejawach. Zagląda w oczy zającom i mewom, podąża za czarnym kozłem w głąb ciemnego lasu. Zamienia ludzi w dzikie psy, topi zdrowe zmysły w rozszalałych falach oceanu.
Snując upiorne bajki i przywołując mity, opowiada w istocie historie na wskroś współczesne: dramaty rodzin we wnętrzach, szekspirowskie tragedie, przypowieści o inicjacji i dorastaniu. Jego filmowe sny budzą lęki przed tym, co w nas ukryte. Miesza dobro ze złem. Rozgrzebuje nasiąkniętą krwią ziemię i wyciąga na powierzchnię to, co chcielibyśmy zasypać, zakopać i zapomnieć. W przeszłości szuka prawdy, w historii – uniwersalnego sensu. Światło go oślepia, w mroku znajduje ukojenie.
Zestaw trzech pierwszych pełnometrażowych fabuł Roberta Eggersa uzupełnimy seansem specjalnym „Wilczycy” – polskiego horroru łączącego amerykańskiego twórcę z... Górnym Śląskiem.
Kurator: Instytucja Filmowa Silesia Film
Ars Independent Festival 2025: Gala otwarcia + "Człowiek do wszystkiego"
Jeden z najbardziej oryginalnych duetów twórczych rodzimej sceny artystycznej - Anka i Wilhelm Sasnalowie - po 11 latach wraca na Arsa! W 2014 roku ich „Huba” zdobyła tytuł Czarnego Konia Filmu. Tegoroczną edycję festiwalu otworzy ich najnowsza produkcja: prezentowany m.in w nowojorskim muzeum MOMA i na festiwalu w Rotterdamie „Człowiek do wszystkiego” z Piotrem Trojanem, Andrzejem Konopką i Agnieszką Żulewską, z muzyką The Advisory Circle czy The Smiths.
Adaptacja powieści szwajcarskiego modernisty Roberta Walsera to z pozoru klasyczna, osadzona w historycznym kostiumie opowieść o Josephie - „everymanie”, który zostaje asystentem aspirującego wynalazcy Carla Toblera. W interpretacji Anki i Wilhelma Sasnalów film pulsuje od ukrytych znaczeń, subtelnego, absurdalnego humoru i intrygujących rozwiązań audiowizualnych, świetnie balansując między spójnością treści a oryginalnością formy, jak zawsze zaskakując świeżym spojrzeniem.
Otwarcie poprowadzi Szymon Paszek z Impro Silesia, a rozmowę po filmie z Anką Sasnal i Wilhelmem Sasnalem - Mateusz Demski.
Adaptacja powieści szwajcarskiego modernisty Roberta Walsera to z pozoru klasyczna, osadzona w historycznym kostiumie opowieść o Josephie - „everymanie”, który zostaje asystentem aspirującego wynalazcy Carla Toblera. W interpretacji Anki i Wilhelma Sasnalów film pulsuje od ukrytych znaczeń, subtelnego, absurdalnego humoru i intrygujących rozwiązań audiowizualnych, świetnie balansując między spójnością treści a oryginalnością formy, jak zawsze zaskakując świeżym spojrzeniem.
Otwarcie poprowadzi Szymon Paszek z Impro Silesia, a rozmowę po filmie z Anką Sasnal i Wilhelmem Sasnalem - Mateusz Demski.
Ars Independent Festival 2025: Gala zamknięcia + "Błysk diamentu śmierci"
Festiwal kończymy w wielkim stylu. Zjawiskowa Bom Belle wręczy statuetki zwycięzcom konkursów Czarnego Konia Filmu, Animacji, Wideoklipu oraz Gier Wideo, a potem zaprosimy na wyjątkowy film – ucztę dla kinofilskiego oka i ducha. Pokażemy – przed oficjalną polską premierą kinową – hit tegorocznych Nowych Horyzontów i Octopus Film Festival.
Wspaniały! Jak Tarantino wyprowadzający na spacer psa andaluzyjskiego. Dla takich filmów wynaleziono kino. Formalny majstersztyk płynący wartko po meandrach surrealizmu (René Magritte lubi to!), feministyczne kino krwawej zemsty i retro hołd dla Jamesa Bonda, komiksu i włoskiego kina gatunkowego lat 70. w jednym. Kalejdoskop emocji. Moc kinofilskich zachwytów, a nawet cichego wzruszenia w ciemnej sali kinowej. Pozycja obowiązkowa dla wszystkich, którzy kochają kino – stare czy nowe; popularne, artystyczne i niezależne.
Wspaniały! Jak Tarantino wyprowadzający na spacer psa andaluzyjskiego. Dla takich filmów wynaleziono kino. Formalny majstersztyk płynący wartko po meandrach surrealizmu (René Magritte lubi to!), feministyczne kino krwawej zemsty i retro hołd dla Jamesa Bonda, komiksu i włoskiego kina gatunkowego lat 70. w jednym. Kalejdoskop emocji. Moc kinofilskich zachwytów, a nawet cichego wzruszenia w ciemnej sali kinowej. Pozycja obowiązkowa dla wszystkich, którzy kochają kino – stare czy nowe; popularne, artystyczne i niezależne.
Ars Independent Festival 2025: Konkurs Czarny Koń Wideoklipu - Set 1
W tegorocznej odsłonie konkursu zabieramy Was podróż przez nieoczywisty krajobraz ruchomych obrazów. To wielki miks gatunków i estetyk – od wizualnych eksperymentów po narracyjne dekonstrukcje. Nie interesują nas bezpieczne wybory. Wybieramy klipy awangardowe, śmiałe i przewrotne, które testują nowe kierunki rozkwitu teledyskowych form. Konkurs jest polem zderzeń – tradycji z nowoczesnością, awangardy z codziennością, abstrakcji z popkulturowymi odpryskami.
Kurator: Michał Banko
Komisja selekcyjna: Patryk Chromik, Martyna Poważa, Agata Polak
Czwartkowy Set 1 moderuje Paweł Trzepizur.
Kurator: Michał Banko
Komisja selekcyjna: Patryk Chromik, Martyna Poważa, Agata Polak
Czwartkowy Set 1 moderuje Paweł Trzepizur.
Ars Independent Festival 2025: Konkurs Czarny Koń Wideoklipu - Set 2
W tegorocznej odsłonie konkursu zabieramy Was podróż przez nieoczywisty krajobraz ruchomych obrazów. To wielki miks gatunków i estetyk – od wizualnych eksperymentów po narracyjne dekonstrukcje. Nie interesują nas bezpieczne wybory. Wybieramy klipy awangardowe, śmiałe i przewrotne, które testują nowe kierunki rozkwitu teledyskowych form. Konkurs jest polem zderzeń – tradycji z nowoczesnością, awangardy z codziennością, abstrakcji z popkulturowymi odpryskami.
Kurator: Michał Banko
Komisja selekcyjna: Patryk Chromik, Martyna Poważa, Agata Polak
Sobotni Set 2 - Q&A z osobami autorskimi prowadzi Michał Banko.
Kurator: Michał Banko
Komisja selekcyjna: Patryk Chromik, Martyna Poważa, Agata Polak
Sobotni Set 2 - Q&A z osobami autorskimi prowadzi Michał Banko.
Ars Independent Festival 2025: Krótkie filmy eksperymentalne
Widziałem rzeczy, w które byście nie uwierzyli
W tegorocznej sekcji krótkich filmów eksperymentalnych zachęcamy do poszerzenia pola widzenia i otworzenia się na to, co niewyobrażalne. Osią tego doświadczenia będą trzy filmowe opowieści. Rosińska, Szpaczyński i Banasińska zanurzają się w to, co odległe, niedostępne i wewnętrzne. W swoich filmach przenikają powłoki ziemi, gliny i błota, wspomnień, fantazji i legend. Wpadają w pułapki, gubią ślady, błądzą w ciemności, aby w końcu dokonać spektakularnego odkrycia.
Jaskinia w Diablej Górze (2016), reż. Mikołaj Szpaczyński | Before the mouth of time (2024), reż. Zuzanna Banasińska | Z ziemią w buzi (2020), reż. Ewelina Rosińska
Kurator: Dominik Ritszel
W tegorocznej sekcji krótkich filmów eksperymentalnych zachęcamy do poszerzenia pola widzenia i otworzenia się na to, co niewyobrażalne. Osią tego doświadczenia będą trzy filmowe opowieści. Rosińska, Szpaczyński i Banasińska zanurzają się w to, co odległe, niedostępne i wewnętrzne. W swoich filmach przenikają powłoki ziemi, gliny i błota, wspomnień, fantazji i legend. Wpadają w pułapki, gubią ślady, błądzą w ciemności, aby w końcu dokonać spektakularnego odkrycia.
Jaskinia w Diablej Górze (2016), reż. Mikołaj Szpaczyński | Before the mouth of time (2024), reż. Zuzanna Banasińska | Z ziemią w buzi (2020), reż. Ewelina Rosińska
Kurator: Dominik Ritszel
Ars Independent Festival 2025: Lighthouse
Wstęp do filmu: Sara Nowicka
Wyspa u wybrzeży XIX-wiecznej Nowej Anglii. Dwóch, zdanych na siebie latarników pogrąża się w samotności i szaleństwie. Jeden z najbardziej gęstych, intensywnych i niepokojących filmów ostatnich lat. Rozpięte między onirycznym slow cinema w kluczu Szwedzkiej Szkoły a surrealistyczną psychodelą „Sieci popołudnia” Mai Deren wizualne arcydzieło z mnóstwem intertekstualnych odniesień – od mitologii po historię kina.
_______________________________
ROBERT EGGERS. RETRO|per|SPEKTYWA
Amerykański wizjoner stylowej grozy, bez kompleksów składający hołd europejskim klasykom kina. Rozmiłowany w przeszłości esteta, który nie boi się balansować na granicy filmowej przesady i dobrego smaku. Nigdy jednak nie wypada z formy ani nie traci twórczej dyscypliny; z niezwykłym wyczuciem obrazu i dźwięku buduje klimat filmowej opowieści.
Bada granice szaleństwa i samotności. Szuka utraconych więzi z naturą w ich najbardziej pierwotnych przejawach. Zagląda w oczy zającom i mewom, podąża za czarnym kozłem w głąb ciemnego lasu. Zamienia ludzi w dzikie psy, topi zdrowe zmysły w rozszalałych falach oceanu.
Snując upiorne bajki i przywołując mity, opowiada w istocie historie na wskroś współczesne: dramaty rodzin we wnętrzach, szekspirowskie tragedie, przypowieści o inicjacji i dorastaniu. Jego filmowe sny budzą lęki przed tym, co w nas ukryte. Miesza dobro ze złem. Rozgrzebuje nasiąkniętą krwią ziemię i wyciąga na powierzchnię to, co chcielibyśmy zasypać, zakopać i zapomnieć. W przeszłości szuka prawdy, w historii – uniwersalnego sensu. Światło go oślepia, w mroku znajduje ukojenie.
Zestaw trzech pierwszych pełnometrażowych fabuł Roberta Eggersa uzupełnimy seansem specjalnym „Wilczycy” – polskiego horroru łączącego amerykańskiego twórcę z... Górnym Śląskiem.
Kurator: Instytucja Filmowa Silesia Film
Wyspa u wybrzeży XIX-wiecznej Nowej Anglii. Dwóch, zdanych na siebie latarników pogrąża się w samotności i szaleństwie. Jeden z najbardziej gęstych, intensywnych i niepokojących filmów ostatnich lat. Rozpięte między onirycznym slow cinema w kluczu Szwedzkiej Szkoły a surrealistyczną psychodelą „Sieci popołudnia” Mai Deren wizualne arcydzieło z mnóstwem intertekstualnych odniesień – od mitologii po historię kina.
_______________________________
ROBERT EGGERS. RETRO|per|SPEKTYWA
Amerykański wizjoner stylowej grozy, bez kompleksów składający hołd europejskim klasykom kina. Rozmiłowany w przeszłości esteta, który nie boi się balansować na granicy filmowej przesady i dobrego smaku. Nigdy jednak nie wypada z formy ani nie traci twórczej dyscypliny; z niezwykłym wyczuciem obrazu i dźwięku buduje klimat filmowej opowieści.
Bada granice szaleństwa i samotności. Szuka utraconych więzi z naturą w ich najbardziej pierwotnych przejawach. Zagląda w oczy zającom i mewom, podąża za czarnym kozłem w głąb ciemnego lasu. Zamienia ludzi w dzikie psy, topi zdrowe zmysły w rozszalałych falach oceanu.
Snując upiorne bajki i przywołując mity, opowiada w istocie historie na wskroś współczesne: dramaty rodzin we wnętrzach, szekspirowskie tragedie, przypowieści o inicjacji i dorastaniu. Jego filmowe sny budzą lęki przed tym, co w nas ukryte. Miesza dobro ze złem. Rozgrzebuje nasiąkniętą krwią ziemię i wyciąga na powierzchnię to, co chcielibyśmy zasypać, zakopać i zapomnieć. W przeszłości szuka prawdy, w historii – uniwersalnego sensu. Światło go oślepia, w mroku znajduje ukojenie.
Zestaw trzech pierwszych pełnometrażowych fabuł Roberta Eggersa uzupełnimy seansem specjalnym „Wilczycy” – polskiego horroru łączącego amerykańskiego twórcę z... Górnym Śląskiem.
Kurator: Instytucja Filmowa Silesia Film
Ars Independent Festival 2025: Wiking
Wstęp do filmu: Sara Nowicka
Książę Wikingów szukający zemsty za zabójstwo ojca musi zmierzyć się z własnym przeznaczeniem. Spektakularna, pełna magicznych wizji i pulsująca pierwotnym rytmem dzikiej – również ludzkiej – natury przypowieść o świecie, w którym dobro i zło nie są kwestią wyboru, a konieczności. Eggers, choć odchodzi tu od poetyki kina grozy, zachowuje kluczowe dla swojej twórczości tematy, symbolikę i estetyczną dyscyplinę.
_______________________________
ROBERT EGGERS. RETRO|per|SPEKTYWA
Amerykański wizjoner stylowej grozy, bez kompleksów składający hołd europejskim klasykom kina. Rozmiłowany w przeszłości esteta, który nie boi się balansować na granicy filmowej przesady i dobrego smaku. Nigdy jednak nie wypada z formy ani nie traci twórczej dyscypliny; z niezwykłym wyczuciem obrazu i dźwięku buduje klimat filmowej opowieści.
Bada granice szaleństwa i samotności. Szuka utraconych więzi z naturą w ich najbardziej pierwotnych przejawach. Zagląda w oczy zającom i mewom, podąża za czarnym kozłem w głąb ciemnego lasu. Zamienia ludzi w dzikie psy, topi zdrowe zmysły w rozszalałych falach oceanu.
Snując upiorne bajki i przywołując mity, opowiada w istocie historie na wskroś współczesne: dramaty rodzin we wnętrzach, szekspirowskie tragedie, przypowieści o inicjacji i dorastaniu. Jego filmowe sny budzą lęki przed tym, co w nas ukryte. Miesza dobro ze złem. Rozgrzebuje nasiąkniętą krwią ziemię i wyciąga na powierzchnię to, co chcielibyśmy zasypać, zakopać i zapomnieć. W przeszłości szuka prawdy, w historii – uniwersalnego sensu. Światło go oślepia, w mroku znajduje ukojenie.
Zestaw trzech pierwszych pełnometrażowych fabuł Roberta Eggersa uzupełnimy seansem specjalnym „Wilczycy” – polskiego horroru łączącego amerykańskiego twórcę z... Górnym Śląskiem.
Kurator: Instytucja Filmowa Silesia Film
Książę Wikingów szukający zemsty za zabójstwo ojca musi zmierzyć się z własnym przeznaczeniem. Spektakularna, pełna magicznych wizji i pulsująca pierwotnym rytmem dzikiej – również ludzkiej – natury przypowieść o świecie, w którym dobro i zło nie są kwestią wyboru, a konieczności. Eggers, choć odchodzi tu od poetyki kina grozy, zachowuje kluczowe dla swojej twórczości tematy, symbolikę i estetyczną dyscyplinę.
_______________________________
ROBERT EGGERS. RETRO|per|SPEKTYWA
Amerykański wizjoner stylowej grozy, bez kompleksów składający hołd europejskim klasykom kina. Rozmiłowany w przeszłości esteta, który nie boi się balansować na granicy filmowej przesady i dobrego smaku. Nigdy jednak nie wypada z formy ani nie traci twórczej dyscypliny; z niezwykłym wyczuciem obrazu i dźwięku buduje klimat filmowej opowieści.
Bada granice szaleństwa i samotności. Szuka utraconych więzi z naturą w ich najbardziej pierwotnych przejawach. Zagląda w oczy zającom i mewom, podąża za czarnym kozłem w głąb ciemnego lasu. Zamienia ludzi w dzikie psy, topi zdrowe zmysły w rozszalałych falach oceanu.
Snując upiorne bajki i przywołując mity, opowiada w istocie historie na wskroś współczesne: dramaty rodzin we wnętrzach, szekspirowskie tragedie, przypowieści o inicjacji i dorastaniu. Jego filmowe sny budzą lęki przed tym, co w nas ukryte. Miesza dobro ze złem. Rozgrzebuje nasiąkniętą krwią ziemię i wyciąga na powierzchnię to, co chcielibyśmy zasypać, zakopać i zapomnieć. W przeszłości szuka prawdy, w historii – uniwersalnego sensu. Światło go oślepia, w mroku znajduje ukojenie.
Zestaw trzech pierwszych pełnometrażowych fabuł Roberta Eggersa uzupełnimy seansem specjalnym „Wilczycy” – polskiego horroru łączącego amerykańskiego twórcę z... Górnym Śląskiem.
Kurator: Instytucja Filmowa Silesia Film
Ars Independent Festival 2025: Wilczyca
Wstęp do filmu: Sara Nowicka
Co łączy śląskie Hollywood i amerykańskiego wizjonera współczesnego kina grozy? Historia powstańca prześladowanego przez upiora zmarłej żony. Zrealizowany w Zespole Filmowym „Silesia” gotycki horror to nie tylko jedna z najbardziej kultowych produkcji polskiego kina, ale też ważna filmowa inspiracja Eggersa, wymieniana przez niego obok „Lokis”, wczesnych filmów Andrzeja Żuławskiego, twórczości Murnaua, Langa i Bergmana.
_______________________________
ROBERT EGGERS. RETRO|per|SPEKTYWA
Amerykański wizjoner stylowej grozy, bez kompleksów składający hołd europejskim klasykom kina. Rozmiłowany w przeszłości esteta, który nie boi się balansować na granicy filmowej przesady i dobrego smaku. Nigdy jednak nie wypada z formy ani nie traci twórczej dyscypliny; z niezwykłym wyczuciem obrazu i dźwięku buduje klimat filmowej opowieści.
Bada granice szaleństwa i samotności. Szuka utraconych więzi z naturą w ich najbardziej pierwotnych przejawach. Zagląda w oczy zającom i mewom, podąża za czarnym kozłem w głąb ciemnego lasu. Zamienia ludzi w dzikie psy, topi zdrowe zmysły w rozszalałych falach oceanu.
Snując upiorne bajki i przywołując mity, opowiada w istocie historie na wskroś współczesne: dramaty rodzin we wnętrzach, szekspirowskie tragedie, przypowieści o inicjacji i dorastaniu. Jego filmowe sny budzą lęki przed tym, co w nas ukryte. Miesza dobro ze złem. Rozgrzebuje nasiąkniętą krwią ziemię i wyciąga na powierzchnię to, co chcielibyśmy zasypać, zakopać i zapomnieć. W przeszłości szuka prawdy, w historii – uniwersalnego sensu. Światło go oślepia, w mroku znajduje ukojenie.
Zestaw trzech pierwszych pełnometrażowych fabuł Roberta Eggersa uzupełnimy seansem specjalnym „Wilczycy” – polskiego horroru łączącego amerykańskiego twórcę z... Górnym Śląskiem.
Kurator: Instytucja Filmowa Silesia Film
Co łączy śląskie Hollywood i amerykańskiego wizjonera współczesnego kina grozy? Historia powstańca prześladowanego przez upiora zmarłej żony. Zrealizowany w Zespole Filmowym „Silesia” gotycki horror to nie tylko jedna z najbardziej kultowych produkcji polskiego kina, ale też ważna filmowa inspiracja Eggersa, wymieniana przez niego obok „Lokis”, wczesnych filmów Andrzeja Żuławskiego, twórczości Murnaua, Langa i Bergmana.
_______________________________
ROBERT EGGERS. RETRO|per|SPEKTYWA
Amerykański wizjoner stylowej grozy, bez kompleksów składający hołd europejskim klasykom kina. Rozmiłowany w przeszłości esteta, który nie boi się balansować na granicy filmowej przesady i dobrego smaku. Nigdy jednak nie wypada z formy ani nie traci twórczej dyscypliny; z niezwykłym wyczuciem obrazu i dźwięku buduje klimat filmowej opowieści.
Bada granice szaleństwa i samotności. Szuka utraconych więzi z naturą w ich najbardziej pierwotnych przejawach. Zagląda w oczy zającom i mewom, podąża za czarnym kozłem w głąb ciemnego lasu. Zamienia ludzi w dzikie psy, topi zdrowe zmysły w rozszalałych falach oceanu.
Snując upiorne bajki i przywołując mity, opowiada w istocie historie na wskroś współczesne: dramaty rodzin we wnętrzach, szekspirowskie tragedie, przypowieści o inicjacji i dorastaniu. Jego filmowe sny budzą lęki przed tym, co w nas ukryte. Miesza dobro ze złem. Rozgrzebuje nasiąkniętą krwią ziemię i wyciąga na powierzchnię to, co chcielibyśmy zasypać, zakopać i zapomnieć. W przeszłości szuka prawdy, w historii – uniwersalnego sensu. Światło go oślepia, w mroku znajduje ukojenie.
Zestaw trzech pierwszych pełnometrażowych fabuł Roberta Eggersa uzupełnimy seansem specjalnym „Wilczycy” – polskiego horroru łączącego amerykańskiego twórcę z... Górnym Śląskiem.
Kurator: Instytucja Filmowa Silesia Film
Blues jest kobietą
"Blues jest kobietą" to cztery dni celebracji kobiecego talentu na polskiej scenie bluesowej. To świętowanie głosów, które od lat zachwycają publiczność, budując swoje solowe kariery, a na ten jeden wyjątkowy wieczór połączą siły, celebrując kobiecy wymiar bluesa i wszystkie jego odcienie – od intymnego, akustycznego szeptu po potężny, elektryczny krzyk.
Paulina Gołębiowska, Magda Magic Piskorczyk, Joanna Knitter, Joanna Kaniewska, Amiya, Agnieszka Łapka – każda z tych wyjątkowych wokalistek niesie w sobie inną historię i inny odcień bluesa. Razem stworzą niepowtarzalną mozaikę dźwięków, która pokaże pełne spektrum kobiecego głosu w bluesie. Na scenie towarzyszyć im będą mistrzowie instrumentów – Miłosz i Marcin Szulkowscy, Janusz Brzeziński oraz szef muzyczny przedsięwzięcia, Bartek Szopiński. Ci panowie to czołówka najlepszych muzyków polskiej sceny bluesowej i na pewno stworzą elektryzującą oprawę muzyczną!
Projekt "Blues jest kobietą" to jednak znacznie więcej niż finałowy koncert w katowickim Kinoteatrze Rialto! To też poprzedzająca go seria bezpłatnych wydarzeń towarzyszących, które odbywać się będą w klimatycznych wnętrzach klubogalerii Kato Blues Faces.
Dołącz do nas na warsztaty wokalne i taneczne, które pomogą odkryć Twoje poczucie rytmu i przeżywać muzykę całym ciałem! Nauczymy Cię jak poczuć groove bluesa, r'n'b, soulu i funku, a potem zatańczymy razem podczas potańcówki, gdzie teoria zmieni się w czystą radość. Będzie też wyjątkowa transmisja na żywo audycji radiowej "Kobiety mają głos", która co tydzień gości na falach Radia eM, a tym razem stanie się wspólnym doświadczeniem z udziałem gości i publiczności. Zadbamy też o inspirujące rozmowy – zapraszamy na prelekcje o kobiecym miejscu w muzyce i sztuce oraz praktyczne porady dotyczące budowania własnej marki w przestrzeni online.
Projekt ten wieńczy rok obchodów jubileuszu, w którym świętujemy ćwierćwiecze istnienia Kwartalnika Twój Blues – jedynego w Polsce pisma, które od 25 lat opowiada historię tej muzyki. Najwyższy czas opowiedzieć też głośniej kobiecy rozdział tej opowieści!
więcej informacji: https://www.delta.art.pl/bluesjestkobieta
----------------
Agnieszka Łapka
Artystka totalna – wokalistka o ponad trójoktawowej skali i rzadkiej barwie głosu, malarka, graficzka, autorka tekstów. Absolwentka malarstwa ASP w Katowicach, laureatka prestiżowych konkursów plastycznych. Muzycznie debiutowała w awangardowym projekcie “Ości” (2004), by od 2007 roku stać się głosem legendarnej Śląskiej Grupy Bluesowej. Jej dyskografia to mieszanka eksperymentów i tradycji – od płyty “Januaries” w trio Łapka-Rzepa-Głuch przez projekty solowe po duże składy z grupą Oscillate. Technikę wokalną szlifowała pod okiem Martyny Kalus z zespołu Camerata Silesia oraz podczas zajęć z Agnieszką Rusinowską z Fundacji Eviva l’arte. Agnieszka udowadnia, że sztuka nie zna granic – jej głos można było usłyszeć na Rawie Blues, Bohema Jazz Festival czy ceremonii otwarcia międzynarodowej konferencji INPUT w Warszawie.
AMIYA
Bluesowa Wokalistka Roku 2024, która każdym występem podnosi temperaturę sali o kilka stopni. Jej głos hipnotyzuje, a sceniczna prezencja przywołuje ducha Kaliny Jędrusik. Amiya to prawdziwy klejnot polskiej sceny – jej fuzja roots bluesa, soulu, rocka i funku to muzyczna eksplozja, która porwała publiczność na europejskich festiwalach. Występuje zarówno z własnym zespołem, jak i z grupą Mystery Train Michała Kielaka, udowadniając, że potrafi czarować zarówno w pełnych elektrycznych aranżacjach, jak i intymnych akustycznych odsłonach. To artystka, która nie gra koncertów – ona tworzy muzyczne doświadczenia!
Joanna Kaniewska
Wokalistka i autorka tekstów, współzałożycielka zespołu Around The Blues, z którym związana jest nieprzerwanie od ponad 20 lat i z którym zarejestrowała trzy albumy długogrające. Mocno zakorzeniona w śląskim środowisku bluesowym, regularnie występuje na najważniejszych festiwalach i imprezach regionu: Bluestracje, Front Porch Blues czyli… Lauba Pełno Bluesa, Szlak Śląskiego Bluesa, Śląskie Brzmienie czy Koncert Świąteczny czyli Jan Galach i Przyjaciele. Była pierwszą wokalistką Silesian Hammond Group, od kilku lat jest częstym gościem Śląskiej Grupy Bluesowej, a obecnie współtworzy też brzmienie zespołu Jan Galach & Friends, z którym nagrała płytę “Dreamer”. Od wielu lat króluje w czołówce wokalistek bluesowych w ankiecie czytelników kwartalnika Twój Blues. Jak sama mówi, szuka muzyki z dużą dawką melodii, groove’u i uczucia – i dokładnie taką muzykę tworzy.
Joanna Knitter
Charyzmatyczna wokalistka i wykładowczyni Akademii Muzycznej w Gdańsku, która uczy młodych adeptów tajników śpiewu jazzowego i interpretacji. Jej muzyczna podróż to 18 wydanych krążków i setki koncertów od Rawy Blues po Blues Alive w Czechach. Razem z Przemkiem Dyakowskim tworzy swingowy zespół “Take it easy” (sześć albumów), a w autorskim projekcie “Blues & Folk Connection” odkrywa głębsze odcienie bluesa (cztery płyty). Jako solistka Filharmonii Kameralnej w Sopocie nagrała płyty dla Universal Music Polska. Joanna to artystka, która potrafi równie przekonująco zaśpiewać intymną balladę, jak i porwać publiczność energetycznym bluesowym krzykiem.
Magda MAGIC Piskorczyk
Zjawisko polskiej sceny bluesowej – wielokrotnie nagradzana wokalistka i multiinstrumentalistka, trzykrotnie nominowana do Fryderyka. Jej charakterystyczny, niski “czarny” głos dwukrotnie zachwycił jury International Blues Challenge w Memphis. Dziewięciokrotna bluesowa wokalistka roku! We Francji nazwano ją “czarnym głosem w białym kostiumie”. Magda to prawdziwa kobieta orkiestra – śpiewa, gra na gitarach i instrumentach perkusyjnych, komponuje i aranżuje. Wydała siedem płyt, na których gościli m.in. Michał Urbaniak i Billy Gibson. Od 2011 roku dzieli się swoją pasją prowadząc autorskie warsztaty. Jej gwiazda błyszczy m.in w białostockiej Alei Gwiazd Polskiego Bluesa. Obecnie żongluje trzema muzycznymi projektami, udowadniając, że energia bluesa nie zna granic.
Paulina Gołębiowska
Wokalistka o niezwykłej wrażliwości, pianistka, autorka tekstów i muzyki. Absolwentka dwóch prestiżowych uczelni – Akademii Muzycznej w Katowicach (wokalistyka jazzowa) oraz Akademii Muzycznej w Poznaniu (fortepian klasyczny). Od 2013 roku wykładowczyni wokalistyki jazzowej na Uniwersytecie Zielonogórskim, w 2023 roku obroniła doktorat w dziedzinie sztuk muzycznych. Szeroka publiczność pokochała ją jako półfinalistkę 12. edycji “The Voice of Poland”. Jej głos zachwyca w każdym gatunku – od intymnego jazzu przez duszny soul po energetyczny rock. Na scenie dzieliła przestrzeń z legendami: Urszulą Dudziak, Henrykiem Miśkiewiczem, Jennifer Batten czy Jackiem Krzaklewskim. Właśnie promuje swój debiutancki album singlami “Strzał”, “Bestia” i “Mniej więcej”, które zapowiadają artystkę gotową podbić polską scenę.
Projekt finansowany przez Unię Europejską NextGenerationEU w ramach programu “KPO dla kultury”
Partner projektu: Miasto Katowice
Patroni honorowi: Prezydent Miasta Katowice Marcin Krupa oraz Posłanka na Sejm RP Monika Rosa
Patroni medialni: Kwartalnik Twój Blues oraz Radio eM Katowice 107’6 fm
Paulina Gołębiowska, Magda Magic Piskorczyk, Joanna Knitter, Joanna Kaniewska, Amiya, Agnieszka Łapka – każda z tych wyjątkowych wokalistek niesie w sobie inną historię i inny odcień bluesa. Razem stworzą niepowtarzalną mozaikę dźwięków, która pokaże pełne spektrum kobiecego głosu w bluesie. Na scenie towarzyszyć im będą mistrzowie instrumentów – Miłosz i Marcin Szulkowscy, Janusz Brzeziński oraz szef muzyczny przedsięwzięcia, Bartek Szopiński. Ci panowie to czołówka najlepszych muzyków polskiej sceny bluesowej i na pewno stworzą elektryzującą oprawę muzyczną!
Projekt "Blues jest kobietą" to jednak znacznie więcej niż finałowy koncert w katowickim Kinoteatrze Rialto! To też poprzedzająca go seria bezpłatnych wydarzeń towarzyszących, które odbywać się będą w klimatycznych wnętrzach klubogalerii Kato Blues Faces.
Dołącz do nas na warsztaty wokalne i taneczne, które pomogą odkryć Twoje poczucie rytmu i przeżywać muzykę całym ciałem! Nauczymy Cię jak poczuć groove bluesa, r'n'b, soulu i funku, a potem zatańczymy razem podczas potańcówki, gdzie teoria zmieni się w czystą radość. Będzie też wyjątkowa transmisja na żywo audycji radiowej "Kobiety mają głos", która co tydzień gości na falach Radia eM, a tym razem stanie się wspólnym doświadczeniem z udziałem gości i publiczności. Zadbamy też o inspirujące rozmowy – zapraszamy na prelekcje o kobiecym miejscu w muzyce i sztuce oraz praktyczne porady dotyczące budowania własnej marki w przestrzeni online.
Projekt ten wieńczy rok obchodów jubileuszu, w którym świętujemy ćwierćwiecze istnienia Kwartalnika Twój Blues – jedynego w Polsce pisma, które od 25 lat opowiada historię tej muzyki. Najwyższy czas opowiedzieć też głośniej kobiecy rozdział tej opowieści!
więcej informacji: https://www.delta.art.pl/bluesjestkobieta
----------------
Agnieszka Łapka
Artystka totalna – wokalistka o ponad trójoktawowej skali i rzadkiej barwie głosu, malarka, graficzka, autorka tekstów. Absolwentka malarstwa ASP w Katowicach, laureatka prestiżowych konkursów plastycznych. Muzycznie debiutowała w awangardowym projekcie “Ości” (2004), by od 2007 roku stać się głosem legendarnej Śląskiej Grupy Bluesowej. Jej dyskografia to mieszanka eksperymentów i tradycji – od płyty “Januaries” w trio Łapka-Rzepa-Głuch przez projekty solowe po duże składy z grupą Oscillate. Technikę wokalną szlifowała pod okiem Martyny Kalus z zespołu Camerata Silesia oraz podczas zajęć z Agnieszką Rusinowską z Fundacji Eviva l’arte. Agnieszka udowadnia, że sztuka nie zna granic – jej głos można było usłyszeć na Rawie Blues, Bohema Jazz Festival czy ceremonii otwarcia międzynarodowej konferencji INPUT w Warszawie.
AMIYA
Bluesowa Wokalistka Roku 2024, która każdym występem podnosi temperaturę sali o kilka stopni. Jej głos hipnotyzuje, a sceniczna prezencja przywołuje ducha Kaliny Jędrusik. Amiya to prawdziwy klejnot polskiej sceny – jej fuzja roots bluesa, soulu, rocka i funku to muzyczna eksplozja, która porwała publiczność na europejskich festiwalach. Występuje zarówno z własnym zespołem, jak i z grupą Mystery Train Michała Kielaka, udowadniając, że potrafi czarować zarówno w pełnych elektrycznych aranżacjach, jak i intymnych akustycznych odsłonach. To artystka, która nie gra koncertów – ona tworzy muzyczne doświadczenia!
Joanna Kaniewska
Wokalistka i autorka tekstów, współzałożycielka zespołu Around The Blues, z którym związana jest nieprzerwanie od ponad 20 lat i z którym zarejestrowała trzy albumy długogrające. Mocno zakorzeniona w śląskim środowisku bluesowym, regularnie występuje na najważniejszych festiwalach i imprezach regionu: Bluestracje, Front Porch Blues czyli… Lauba Pełno Bluesa, Szlak Śląskiego Bluesa, Śląskie Brzmienie czy Koncert Świąteczny czyli Jan Galach i Przyjaciele. Była pierwszą wokalistką Silesian Hammond Group, od kilku lat jest częstym gościem Śląskiej Grupy Bluesowej, a obecnie współtworzy też brzmienie zespołu Jan Galach & Friends, z którym nagrała płytę “Dreamer”. Od wielu lat króluje w czołówce wokalistek bluesowych w ankiecie czytelników kwartalnika Twój Blues. Jak sama mówi, szuka muzyki z dużą dawką melodii, groove’u i uczucia – i dokładnie taką muzykę tworzy.
Joanna Knitter
Charyzmatyczna wokalistka i wykładowczyni Akademii Muzycznej w Gdańsku, która uczy młodych adeptów tajników śpiewu jazzowego i interpretacji. Jej muzyczna podróż to 18 wydanych krążków i setki koncertów od Rawy Blues po Blues Alive w Czechach. Razem z Przemkiem Dyakowskim tworzy swingowy zespół “Take it easy” (sześć albumów), a w autorskim projekcie “Blues & Folk Connection” odkrywa głębsze odcienie bluesa (cztery płyty). Jako solistka Filharmonii Kameralnej w Sopocie nagrała płyty dla Universal Music Polska. Joanna to artystka, która potrafi równie przekonująco zaśpiewać intymną balladę, jak i porwać publiczność energetycznym bluesowym krzykiem.
Magda MAGIC Piskorczyk
Zjawisko polskiej sceny bluesowej – wielokrotnie nagradzana wokalistka i multiinstrumentalistka, trzykrotnie nominowana do Fryderyka. Jej charakterystyczny, niski “czarny” głos dwukrotnie zachwycił jury International Blues Challenge w Memphis. Dziewięciokrotna bluesowa wokalistka roku! We Francji nazwano ją “czarnym głosem w białym kostiumie”. Magda to prawdziwa kobieta orkiestra – śpiewa, gra na gitarach i instrumentach perkusyjnych, komponuje i aranżuje. Wydała siedem płyt, na których gościli m.in. Michał Urbaniak i Billy Gibson. Od 2011 roku dzieli się swoją pasją prowadząc autorskie warsztaty. Jej gwiazda błyszczy m.in w białostockiej Alei Gwiazd Polskiego Bluesa. Obecnie żongluje trzema muzycznymi projektami, udowadniając, że energia bluesa nie zna granic.
Paulina Gołębiowska
Wokalistka o niezwykłej wrażliwości, pianistka, autorka tekstów i muzyki. Absolwentka dwóch prestiżowych uczelni – Akademii Muzycznej w Katowicach (wokalistyka jazzowa) oraz Akademii Muzycznej w Poznaniu (fortepian klasyczny). Od 2013 roku wykładowczyni wokalistyki jazzowej na Uniwersytecie Zielonogórskim, w 2023 roku obroniła doktorat w dziedzinie sztuk muzycznych. Szeroka publiczność pokochała ją jako półfinalistkę 12. edycji “The Voice of Poland”. Jej głos zachwyca w każdym gatunku – od intymnego jazzu przez duszny soul po energetyczny rock. Na scenie dzieliła przestrzeń z legendami: Urszulą Dudziak, Henrykiem Miśkiewiczem, Jennifer Batten czy Jackiem Krzaklewskim. Właśnie promuje swój debiutancki album singlami “Strzał”, “Bestia” i “Mniej więcej”, które zapowiadają artystkę gotową podbić polską scenę.
Projekt finansowany przez Unię Europejską NextGenerationEU w ramach programu “KPO dla kultury”
Partner projektu: Miasto Katowice
Patroni honorowi: Prezydent Miasta Katowice Marcin Krupa oraz Posłanka na Sejm RP Monika Rosa
Patroni medialni: Kwartalnik Twój Blues oraz Radio eM Katowice 107’6 fm
Cinema Paradiso - PONOWNIE NA WIELKIM EKRANIE
Przed seansem 19.09. prelekcja prof. Tadeusza Miczki.
„Cinema Paradiso” pozostaje do dziś najpiękniejszym „listem miłosnym do kina”.
Ceniony reżyser filmowy Salvatore Di Vita (Jacques Perrin) pewnej nocy odbiera telefon. Wiadomość, którą usłyszy, zapoczątkuje lawinę nostalgicznych wspomnień, których łącznikiem będzie kino. To właśnie tam po II wojnie światowej mały Totò (Salvatore Cascio) bezpamiętnie zakochał się w magii „ruchomych obrazów”. Chłopczyk pragnie tylko jednego: zaprzyjaźnić się z kinooperatorem Alfredo (Philippe Noiret). Zadanie to będzie jednak trudniejsze niż mu się wydaje.
Tytułowe „Cinema Paradiso”– jego niesamowita i równie osobliwa widownia oraz bogaty repertuar – staną się tłem dla niezapomnianych przygód dorastającego na sycylijskiej prowincji bohatera, jego pierwszej „wielkiej miłości”, aż do czasu wyjazdu z rodzinnego miasteczka.
Ta ponadczasowa opowieść o przyjaźni, marzeniach, dorastaniu i wielkiej fascynacji X Muzą porwała serca widzów na całym świecie.
„Cinema Paradiso” pozostaje do dziś najpiękniejszym „listem miłosnym do kina”.
Ceniony reżyser filmowy Salvatore Di Vita (Jacques Perrin) pewnej nocy odbiera telefon. Wiadomość, którą usłyszy, zapoczątkuje lawinę nostalgicznych wspomnień, których łącznikiem będzie kino. To właśnie tam po II wojnie światowej mały Totò (Salvatore Cascio) bezpamiętnie zakochał się w magii „ruchomych obrazów”. Chłopczyk pragnie tylko jednego: zaprzyjaźnić się z kinooperatorem Alfredo (Philippe Noiret). Zadanie to będzie jednak trudniejsze niż mu się wydaje.
Tytułowe „Cinema Paradiso”– jego niesamowita i równie osobliwa widownia oraz bogaty repertuar – staną się tłem dla niezapomnianych przygód dorastającego na sycylijskiej prowincji bohatera, jego pierwszej „wielkiej miłości”, aż do czasu wyjazdu z rodzinnego miasteczka.
Ta ponadczasowa opowieść o przyjaźni, marzeniach, dorastaniu i wielkiej fascynacji X Muzą porwała serca widzów na całym świecie.
dezydery - "Może Za Dużo Myślę Tour"
Dezydery to pasjonat i samouk, który metodą prób i błędów wypracował unikalny styl, rozpoznawalny od pierwszego przesłuchania. Do tej pory "wydawał się" sam, a jego utwory jak Cisza w Lesie!, Myśli czy Kiedy? Gdzie? Jak?, osiągnęły milionowe odtworzenia na YouTube oraz w serwisach streamingowych. Na początku 2025 związał się z wytwórnią Kayax, a jego debiutancka płyta ukaże się jeszcze w tym roku.
Dezydery - słuchając jego twórczości pomyślisz: mam tak samo. Wokalista, kompozytor, producent, a przede wszystkim przenikliwy i wrażliwy tekściarz, który z prozy życia tworzy wciągające opowieści. Jak sam przyznaje zaczął pisać piosenki, bo terapia była za droga. Popowe melodie łączy z elektroniką i hiphop’owymi brzmieniami, nadając im poetycko-łobuzerski sznyt. Jako nastolatek z dużym powodzeniem prowadził kanał na YouTube. Pod pseudonimami Masterczułek, Czułek, Dezy przez lata tworzył vlogi o tematyce gamingowo-lifestyle’owej, gromadząc wokół siebie ponad milionową społeczność. Kilka lat temu postanowił jednak zaryzykować stawiając na muzykę, a ludzie, którzy go obserwowali zostali z nim i towarzyszą mu w muzycznej drodze.
Na parterze tylko miejsca stojące.
Tej jesieni dezydery ruszy także w klubową trasę po Polsce i będzie go można usłyszeć na żywo w sześciu miastach:
15.11.2025 - Poczta Główna, Kraków
16.11.2025 - Kinoteatr Rialto, Katowice
17.11.2025 - Łącznik, Wrocław
23.11.2025 - Niebo, Warszawa
24.11.2025 - Pawilon, Poznań
25.11.2025 - Drizzly Grizzly, Gdańsk
Oficjalne kanały sprzedaży wejściówek to fource.pl, eBilet.pl oraz Ticketmaster.
UWAGA! Dokładną czasówkę podamy w tygodniu, w którym odbędzie się wydarzenie.
Dezydery - słuchając jego twórczości pomyślisz: mam tak samo. Wokalista, kompozytor, producent, a przede wszystkim przenikliwy i wrażliwy tekściarz, który z prozy życia tworzy wciągające opowieści. Jak sam przyznaje zaczął pisać piosenki, bo terapia była za droga. Popowe melodie łączy z elektroniką i hiphop’owymi brzmieniami, nadając im poetycko-łobuzerski sznyt. Jako nastolatek z dużym powodzeniem prowadził kanał na YouTube. Pod pseudonimami Masterczułek, Czułek, Dezy przez lata tworzył vlogi o tematyce gamingowo-lifestyle’owej, gromadząc wokół siebie ponad milionową społeczność. Kilka lat temu postanowił jednak zaryzykować stawiając na muzykę, a ludzie, którzy go obserwowali zostali z nim i towarzyszą mu w muzycznej drodze.
Na parterze tylko miejsca stojące.
Tej jesieni dezydery ruszy także w klubową trasę po Polsce i będzie go można usłyszeć na żywo w sześciu miastach:
15.11.2025 - Poczta Główna, Kraków
16.11.2025 - Kinoteatr Rialto, Katowice
17.11.2025 - Łącznik, Wrocław
23.11.2025 - Niebo, Warszawa
24.11.2025 - Pawilon, Poznań
25.11.2025 - Drizzly Grizzly, Gdańsk
Oficjalne kanały sprzedaży wejściówek to fource.pl, eBilet.pl oraz Ticketmaster.
UWAGA! Dokładną czasówkę podamy w tygodniu, w którym odbędzie się wydarzenie.
Diamenty
„Diamenty” to barwna, poruszająca opowieść o kobietach, ich marzeniach, sile i tajemnicach.
Lata 70., Rzym, pracownia krawiecka prowadzona przez dwie siostry, w której powstają niezwykle piękne i dopracowane kostiumy filmowe. To tu, między śmiechem a łzami, poznajemy namiętności, tęsknoty i lęki głównych bohaterek oraz ich współpracownic podzielających tę samą pasję do szycia.
Włoski klimat, kolory, humor nadają lekkości głębokiej i mocnej opowieści o emocjach. Ten film to utkana ze wspomnień podróż, która pozwala poczuć siłę, wrażliwość i piękno ukryte w codziennych losach kobiet. To kino, które przypomina, że każda z nas jest ważna – niezależnie od tego, czy jest na scenie, czy za kulisami.
Ferzan Özpetek, jeden z najbardziej wrażliwych reżyserów współczesnego kina, powraca z filmem pełnym czułości i pasji. Zbiera wokół siebie swoje ulubione aktorki (w tym Kasię Smutniak), oddając im hołd poprzez autentyczne, pełne życia role, tworząc historię, w której przenikają się rywalizacja i siostrzeństwo, pasja i pustka, śmiech i wzruszenie.
„Diamenty” podbiły serca ponad 2 milionów widzów we Włoszech.
Lata 70., Rzym, pracownia krawiecka prowadzona przez dwie siostry, w której powstają niezwykle piękne i dopracowane kostiumy filmowe. To tu, między śmiechem a łzami, poznajemy namiętności, tęsknoty i lęki głównych bohaterek oraz ich współpracownic podzielających tę samą pasję do szycia.
Włoski klimat, kolory, humor nadają lekkości głębokiej i mocnej opowieści o emocjach. Ten film to utkana ze wspomnień podróż, która pozwala poczuć siłę, wrażliwość i piękno ukryte w codziennych losach kobiet. To kino, które przypomina, że każda z nas jest ważna – niezależnie od tego, czy jest na scenie, czy za kulisami.
Ferzan Özpetek, jeden z najbardziej wrażliwych reżyserów współczesnego kina, powraca z filmem pełnym czułości i pasji. Zbiera wokół siebie swoje ulubione aktorki (w tym Kasię Smutniak), oddając im hołd poprzez autentyczne, pełne życia role, tworząc historię, w której przenikają się rywalizacja i siostrzeństwo, pasja i pustka, śmiech i wzruszenie.
„Diamenty” podbiły serca ponad 2 milionów widzów we Włoszech.
Filmowy Klub Seniora - Diamenty
„Diamenty” to barwna, poruszająca opowieść o kobietach, ich marzeniach, sile i tajemnicach.
Lata 70., Rzym, pracownia krawiecka prowadzona przez dwie siostry, w której powstają niezwykle piękne i dopracowane kostiumy filmowe. To tu, między śmiechem a łzami, poznajemy namiętności, tęsknoty i lęki głównych bohaterek oraz ich współpracownic podzielających tę samą pasję do szycia.
Włoski klimat, kolory, humor nadają lekkości głębokiej i mocnej opowieści o emocjach. Ten film to utkana ze wspomnień podróż, która pozwala poczuć siłę, wrażliwość i piękno ukryte w codziennych losach kobiet. To kino, które przypomina, że każda z nas jest ważna – niezależnie od tego, czy jest na scenie, czy za kulisami.
Ferzan Özpetek, jeden z najbardziej wrażliwych reżyserów współczesnego kina, powraca z filmem pełnym czułości i pasji. Zbiera wokół siebie swoje ulubione aktorki (w tym Kasię Smutniak), oddając im hołd poprzez autentyczne, pełne życia role, tworząc historię, w której przenikają się rywalizacja i siostrzeństwo, pasja i pustka, śmiech i wzruszenie.
„Diamenty” podbiły serca ponad 2 milionów widzów we Włoszech.
Lata 70., Rzym, pracownia krawiecka prowadzona przez dwie siostry, w której powstają niezwykle piękne i dopracowane kostiumy filmowe. To tu, między śmiechem a łzami, poznajemy namiętności, tęsknoty i lęki głównych bohaterek oraz ich współpracownic podzielających tę samą pasję do szycia.
Włoski klimat, kolory, humor nadają lekkości głębokiej i mocnej opowieści o emocjach. Ten film to utkana ze wspomnień podróż, która pozwala poczuć siłę, wrażliwość i piękno ukryte w codziennych losach kobiet. To kino, które przypomina, że każda z nas jest ważna – niezależnie od tego, czy jest na scenie, czy za kulisami.
Ferzan Özpetek, jeden z najbardziej wrażliwych reżyserów współczesnego kina, powraca z filmem pełnym czułości i pasji. Zbiera wokół siebie swoje ulubione aktorki (w tym Kasię Smutniak), oddając im hołd poprzez autentyczne, pełne życia role, tworząc historię, w której przenikają się rywalizacja i siostrzeństwo, pasja i pustka, śmiech i wzruszenie.
„Diamenty” podbiły serca ponad 2 milionów widzów we Włoszech.
Follemente. W tym szaleństwie jest metoda
Najnowszy film Paolo Genovese (Dobrze się kłamie w miłym towarzystwie) to nietypowa komedia romantyczna. W rolach głównych zagrały gwiazdy włoskiego kina: Pilar Fogliati, Edoardo Leo, Emanuela Fanelli, Maria Chiara Giannetta, Claudia Pandolfi, Vittoria Puccini, Marco Giallini, Maurizio Lastrico, Rocco Papaleo oraz Claudio Santamaria.
Kto tak naprawdę mieszka w naszej głowie? Osoba szalona, racjonalna, impulsywna, rozważna? A może w naszym umyśle panuje niezły tłok? Genovese opisuje historię pierwszej randki Lary i Piera, zaglądając głęboko w myśli swoich bohaterów. Ukazuje lęki, niepewności i pragnienia. Odkrywa tajemnicze mechanizmy, które odpowiadają za nasze działania. Różne osobowości mają swój głos i swoje racje. Dyskutują, kłócą się, wzruszają, a każda z nich chce, aby to właśnie jej decyzja była ostateczna. A co w sytuacji, gdy żadna z nich nie ma racji?
Kto tak naprawdę mieszka w naszej głowie? Osoba szalona, racjonalna, impulsywna, rozważna? A może w naszym umyśle panuje niezły tłok? Genovese opisuje historię pierwszej randki Lary i Piera, zaglądając głęboko w myśli swoich bohaterów. Ukazuje lęki, niepewności i pragnienia. Odkrywa tajemnicze mechanizmy, które odpowiadają za nasze działania. Różne osobowości mają swój głos i swoje racje. Dyskutują, kłócą się, wzruszają, a każda z nich chce, aby to właśnie jej decyzja była ostateczna. A co w sytuacji, gdy żadna z nich nie ma racji?
HAS. KRONIKI WYOBRAŹNI - Nieciekawa historia
Retrospektywa filmów Wojciecha Hasa
Przed seansem prelekcja Macieja Gila
Bohater w dojrzałym wieku (Gustaw Holoubek) zakochuje się w młodej, pięknej kobiecie (Hanna Mikuć), której nie jest obojętny, ale waha się czy skorzystać z oferty losu. Jest żonaty, ma córkę na wydaniu, powinien zainteresować się bliżej jej kandydatem na męża (Janusz Gajos). Ulec zauroczeniu czy pozostać wiernym mężem – oto jest pytanie. Postawił je Antoni Czechow pisząc opowiadanie, które zekranizował Wojciech Has.
Przed seansem prelekcja Macieja Gila
Bohater w dojrzałym wieku (Gustaw Holoubek) zakochuje się w młodej, pięknej kobiecie (Hanna Mikuć), której nie jest obojętny, ale waha się czy skorzystać z oferty losu. Jest żonaty, ma córkę na wydaniu, powinien zainteresować się bliżej jej kandydatem na męża (Janusz Gajos). Ulec zauroczeniu czy pozostać wiernym mężem – oto jest pytanie. Postawił je Antoni Czechow pisząc opowiadanie, które zekranizował Wojciech Has.
HAS. KRONIKI WYOBRAŹNI - Rękopis znaleziony w Saragossie
Retrospektywa filmów Wojciecha Hasa
Przed seansem prelekcja Macieja Kędziory
Jeden z najbardziej niezwykłych polskich filmów kostiumowych. Przedziwne perypetie Alfonsa van Wordena podczas jego podróży do Madrytu, gdzie ma objąć służbę w gwardii walońskiej, są okazją do opowiadania – przez spotykane przez niego postaci – kolejnych intrygujących historii. Bohater kilkakrotnie w zagadkowy sposób powraca do punktu wyjścia – tajemniczej karczmy i jej upiornego otoczenia, by ponownie wyruszać w znane mu czasy i przestrzenie, jednak za każdym razem wypełnione innymi postaciami i widziane z innej perspektywy.
Jest to adaptacja XIX-wiecznej powieści Jana Nepomucena Potockiego, dzieła o losach równie skomplikowanych, co opowiedziana w nim historia, opublikowanym ponad 140 lat po śmierci autora. Jest jednym z najciekawszych przykładów narracji szkatułkowej, w której jedna historia prowadzi do drugiej, a z kolei ta do kolejnych, a wszystkie razem tworzą pełen obraz fabuły. Film Hasa został wyróżniony na zagranicznych festiwalach i zdobył uznanie w wielu krajach. Podobnie, jak jego literacki pierwowzór, przez dziesięciolecia krążył po świecie w różnych skróconych wersjach, aż w 1997 roku, z inicjatywy Martina Scorsese i Francisa Forda Coppoli, zrekonstruowano jego pełną wersję i zaprezentowano ją zachodniej publiczności.
Przed seansem prelekcja Macieja Kędziory
Jeden z najbardziej niezwykłych polskich filmów kostiumowych. Przedziwne perypetie Alfonsa van Wordena podczas jego podróży do Madrytu, gdzie ma objąć służbę w gwardii walońskiej, są okazją do opowiadania – przez spotykane przez niego postaci – kolejnych intrygujących historii. Bohater kilkakrotnie w zagadkowy sposób powraca do punktu wyjścia – tajemniczej karczmy i jej upiornego otoczenia, by ponownie wyruszać w znane mu czasy i przestrzenie, jednak za każdym razem wypełnione innymi postaciami i widziane z innej perspektywy.
Jest to adaptacja XIX-wiecznej powieści Jana Nepomucena Potockiego, dzieła o losach równie skomplikowanych, co opowiedziana w nim historia, opublikowanym ponad 140 lat po śmierci autora. Jest jednym z najciekawszych przykładów narracji szkatułkowej, w której jedna historia prowadzi do drugiej, a z kolei ta do kolejnych, a wszystkie razem tworzą pełen obraz fabuły. Film Hasa został wyróżniony na zagranicznych festiwalach i zdobył uznanie w wielu krajach. Podobnie, jak jego literacki pierwowzór, przez dziesięciolecia krążył po świecie w różnych skróconych wersjach, aż w 1997 roku, z inicjatywy Martina Scorsese i Francisa Forda Coppoli, zrekonstruowano jego pełną wersję i zaprezentowano ją zachodniej publiczności.
KOK - Być kochaną - pokaz przedpremierowy
„Być kochaną” – nowy film producentów „Najgorszego człowieka na świecie” – przewrotnie przypomina, że najważniejsza z miłości to ta, którą obdarzamy siebie samych. Czerpiąc z własnych doświadczeń, debiutująca w pełnym metrażu Lilja Ingolfsdottir stworzyła wielowymiarową opowieść o kobiecie, która po porażce pierwszego związku ma odwagę dać sobie drugą szansę. Wyróżniony aż pięcioma nagrodami na festiwalu w Karlowych Warach oraz niekwestionowany zwycięzca norweskiego odpowiednika Oscarów, „Być kochaną” urzeka empatią i szczerością w stawianiu pytań o miłość, bliskość i samoakceptację.
Maria (Helga Guren) wchodzi w kolejną relację z nadzieją na nowy początek. Wystarczy jedno spojrzenie i czuje się, jakby znała Sigmunda (Oddgeir Thune) całe życie, a namiętny romans szybko przeradza się w poważny związek. Historia w „Być kochaną” zaczyna się tam, gdzie kończy się większość love stories. Codzienność w patchworkowej rodzinie szybko ujawnia niespełnione ambicje, niewyrażone uczucia i sprzeczne potrzeby, które kumulują się w emocjonalną bombę – a ta pewnego wieczoru wybucha.
W „Być kochaną” przejrzy się wiele kobiet, które starają się pogodzić bycie partnerką i matką, bez rezygnowania z siebie. Empatyczny, ale stawiający na szczerość, pełen gniewu i łez, a jednak terapeutyczny film Norweżki proponuje głęboką refleksję nad tym, kim jesteśmy w relacjach i z czego rezygnujemy, próbując sprostać cudzym oczekiwaniom. „Być kochaną” pozwala jednak uwierzyć w kolejną szansę, widząc w kryzysie początek pięknej, nowej relacji: ze sobą.
Maria (Helga Guren) wchodzi w kolejną relację z nadzieją na nowy początek. Wystarczy jedno spojrzenie i czuje się, jakby znała Sigmunda (Oddgeir Thune) całe życie, a namiętny romans szybko przeradza się w poważny związek. Historia w „Być kochaną” zaczyna się tam, gdzie kończy się większość love stories. Codzienność w patchworkowej rodzinie szybko ujawnia niespełnione ambicje, niewyrażone uczucia i sprzeczne potrzeby, które kumulują się w emocjonalną bombę – a ta pewnego wieczoru wybucha.
W „Być kochaną” przejrzy się wiele kobiet, które starają się pogodzić bycie partnerką i matką, bez rezygnowania z siebie. Empatyczny, ale stawiający na szczerość, pełen gniewu i łez, a jednak terapeutyczny film Norweżki proponuje głęboką refleksję nad tym, kim jesteśmy w relacjach i z czego rezygnujemy, próbując sprostać cudzym oczekiwaniom. „Być kochaną” pozwala jednak uwierzyć w kolejną szansę, widząc w kryzysie początek pięknej, nowej relacji: ze sobą.
KOK - Sorry, Baby
Agnes (reżyserka Eva Victor), młoda wykładowczyni literatury, wrażliwa i dowcipna, próbuje powrócić do równowagi psychicznej po szokującej zdradzie ze strony osoby, której ufała. Wsparcie znajduje w przyjaciółce Lydie (Naomi Ackie) oraz w nieśmiałym sąsiedzie Gavinie (Lucas Hedges).
„Sorry, Baby” to zaskakująco zabawna opowieść o tym, jak żyć, gdy grunt usuwa ci się spod nóg i jak sobie radzić z pamięcią złych wydarzeń.
„Sorry, Baby” to zaskakująco zabawna opowieść o tym, jak żyć, gdy grunt usuwa ci się spod nóg i jak sobie radzić z pamięcią złych wydarzeń.
Koncert na ekranie - David Gilmour Live at the Circus Maximus
FILM W ORYGINALNEJ WERSJI JĘZYKOWEJ Z ANGIELSKIMI NAPISAMI.
"David Gilmour Live at the Circus Maximus" to zapis koncertu jaki legendarny gitarzysta Pink Floyd dał w 2024 roku w rzymskim Circus Maximus. Koncert był częścią tournée promującego płytę "Luck and Strange".
Film został zrealizowany przez wieloletniego współpracownika Gilmoura – Gavina Eldera. W scenerii ruin starożytnego Rzymu widzowie będą mogli usłyszeć zarówno klasyczne utwory Pink Floyd takie jak: "Sorrow", "High Hopes", "Breathe", "Time", "Wish You Were Here" i "Comfortably Numb" jak i utwory solowe Davida Gilmoura, w tym poruszające wykonanie "Between Two Points" z udziałem Romany Gilmour.
Na trasę "Luck and Strange" złożyły się dwadzieścia trzy koncerty w pięciu miastach, które natychmiast zostały wyprzedane.
"David Gilmour Live at the Circus Maximus" to zapis koncertu jaki legendarny gitarzysta Pink Floyd dał w 2024 roku w rzymskim Circus Maximus. Koncert był częścią tournée promującego płytę "Luck and Strange".
Film został zrealizowany przez wieloletniego współpracownika Gilmoura – Gavina Eldera. W scenerii ruin starożytnego Rzymu widzowie będą mogli usłyszeć zarówno klasyczne utwory Pink Floyd takie jak: "Sorrow", "High Hopes", "Breathe", "Time", "Wish You Were Here" i "Comfortably Numb" jak i utwory solowe Davida Gilmoura, w tym poruszające wykonanie "Between Two Points" z udziałem Romany Gilmour.
Na trasę "Luck and Strange" złożyły się dwadzieścia trzy koncerty w pięciu miastach, które natychmiast zostały wyprzedane.
Koncert na ekranie - Depeche Mode: M
"Depeche Mode: M" to kinowa podróż do serca relacji między meksykańską kulturą a śmiercią, wzbogacona niezapomnianymi występami Depeche Mode podczas ich trasy koncertowej Memento Mori w 2023 roku.
Film ten – stworzony i wyreżyserowany przez meksykańskiego reżysera i laureata wielu nagród Fernando Frías – zgłębia trzy wyprzedane co do miejsca koncerty zespołu w stolicy Meksyku, w których udział wzięło ponad 200 000 fanów. Materiały koncertowe łączą się z pełnymi interpretacji dodatkami i archiwalnymi treściami.
"Depeche Mode: M" oddaje cześć globalnemu wpływowi zespołu, jednocześnie analizując głębokie więzi pomiędzy muzyką, śmiertelnością i meksykańską tradycją – to punkt, w którym cierpienie, pamięć, radość i taniec łączą się ze sobą, tworząc coś wyjątkowo i pięknie ludzkiego.
Film ten – stworzony i wyreżyserowany przez meksykańskiego reżysera i laureata wielu nagród Fernando Frías – zgłębia trzy wyprzedane co do miejsca koncerty zespołu w stolicy Meksyku, w których udział wzięło ponad 200 000 fanów. Materiały koncertowe łączą się z pełnymi interpretacji dodatkami i archiwalnymi treściami.
"Depeche Mode: M" oddaje cześć globalnemu wpływowi zespołu, jednocześnie analizując głębokie więzi pomiędzy muzyką, śmiertelnością i meksykańską tradycją – to punkt, w którym cierpienie, pamięć, radość i taniec łączą się ze sobą, tworząc coś wyjątkowo i pięknie ludzkiego.
Lekcje Filmowe - Jajo węża
Abel Rosenberg to bezrobotny amerykański akrobata cyrkowy mieszkający w Berlinie w czasach Republiki Weimarskiej. Kiedy jego brat popełnia samobójstwo, Abel szuka schronienia w mieszkaniu starego znajomego, profesora. Zdesperowany, by związać koniec z końcem w ogarniętym wojną mieście, podejmuje pracę w klinice. Tam odkrywa przerażającą prawdę kryjącą się za upiornie dobroczynną pracą profesora. To „ Inny Bergman” z silnym przekazem polityczno- społecznym i co okazuje się także ważne, zrealizowany poza Szwecją.
---------------------------
LEKCJE FILMOWE
czyli obrazy wyjątkowe
Istnieje szalona teoria, że odbiór dzieła sztuki powinien trwać tyle czasu, ile autor poświęcił na jego tworzenie. W ramach Lekcji Filmowych nie porywamy się na takie przedsięwzięcie, ale proponujemy rzetelny namysł nad obrazami, które zasługują na
szczególną uwagę. Ze względu na ich rangę artystyczną, kulturowy kontekst, osobę twórcy, bądź uniwersalny wymiar. Sztuka filmowa, z natury efemeryczna, krucha, podległa modom, kaprysom rynku i ekonomii, posiada jednak wyjątkowy kapitał. Jest nim fenomen odbioru kina, fenomen filmowej publiczności – „kino jest sztuką
masową, ale odbiorca jest zawsze jednostkowy”. Reakcje odbiorcze, miłość, bądź nuda, niezrozumienie, bądź kultowy odbiór – to zmienne kulturowe. Proponując uczestnictwo w Lekcjach Filmowych stawiamy Państwa w pozycji najwyższej instancji (od której zależy dalszy żywot dzieł) - twarzą w twarz z Obrazami Wyjątkowymi.
Do świata filmowych arcydzieł przed każdym seansem wprowadzą Państwa autorzy cyklu - filmoznawcy: dr Anita Skwara i Mariusz Ciszewski.
---------------------------
LEKCJE FILMOWE
czyli obrazy wyjątkowe
Istnieje szalona teoria, że odbiór dzieła sztuki powinien trwać tyle czasu, ile autor poświęcił na jego tworzenie. W ramach Lekcji Filmowych nie porywamy się na takie przedsięwzięcie, ale proponujemy rzetelny namysł nad obrazami, które zasługują na
szczególną uwagę. Ze względu na ich rangę artystyczną, kulturowy kontekst, osobę twórcy, bądź uniwersalny wymiar. Sztuka filmowa, z natury efemeryczna, krucha, podległa modom, kaprysom rynku i ekonomii, posiada jednak wyjątkowy kapitał. Jest nim fenomen odbioru kina, fenomen filmowej publiczności – „kino jest sztuką
masową, ale odbiorca jest zawsze jednostkowy”. Reakcje odbiorcze, miłość, bądź nuda, niezrozumienie, bądź kultowy odbiór – to zmienne kulturowe. Proponując uczestnictwo w Lekcjach Filmowych stawiamy Państwa w pozycji najwyższej instancji (od której zależy dalszy żywot dzieł) - twarzą w twarz z Obrazami Wyjątkowymi.
Do świata filmowych arcydzieł przed każdym seansem wprowadzą Państwa autorzy cyklu - filmoznawcy: dr Anita Skwara i Mariusz Ciszewski.
Lekcje Filmowe - Na samym dnie
Swingujący Londyn końca lat sześćdziesiątych. Nastoletni Mike rozpoczyna swoją pierwszą pracę w miejskiej łaźni, w której poznaje starszą o kilka lat Susan. Zauroczony kobietą chłopak zaczyna zabiegać o jej względy. Poddając się całkowicie urokowi Susan, nie dostrzega prowadzonej przez nią gry.
To drugi anglojęzyczny i trzeci zrealizowany za granicą film w dorobku Jerzego Skolimowskiego. Dzieło polskiego reżysera zyskało uznanie krytyki, a dziś w wielu kręgach uznawane jest za film kultowy.
---------------------------
LEKCJE FILMOWE
czyli obrazy wyjątkowe
Istnieje szalona teoria, że odbiór dzieła sztuki powinien trwać tyle czasu, ile autor poświęcił na jego tworzenie. W ramach Lekcji Filmowych nie porywamy się na takie przedsięwzięcie, ale proponujemy rzetelny namysł nad obrazami, które zasługują na
szczególną uwagę. Ze względu na ich rangę artystyczną, kulturowy kontekst, osobę twórcy, bądź uniwersalny wymiar. Sztuka filmowa, z natury efemeryczna, krucha, podległa modom, kaprysom rynku i ekonomii, posiada jednak wyjątkowy kapitał. Jest nim fenomen odbioru kina, fenomen filmowej publiczności – „kino jest sztuką
masową, ale odbiorca jest zawsze jednostkowy”. Reakcje odbiorcze, miłość, bądź nuda, niezrozumienie, bądź kultowy odbiór – to zmienne kulturowe. Proponując uczestnictwo w Lekcjach Filmowych stawiamy Państwa w pozycji najwyższej instancji (od której zależy dalszy żywot dzieł) - twarzą w twarz z Obrazami Wyjątkowymi.
Do świata filmowych arcydzieł przed każdym seansem wprowadzą Państwa autorzy cyklu - filmoznawcy: dr Anita Skwara i Mariusz Ciszewski.
To drugi anglojęzyczny i trzeci zrealizowany za granicą film w dorobku Jerzego Skolimowskiego. Dzieło polskiego reżysera zyskało uznanie krytyki, a dziś w wielu kręgach uznawane jest za film kultowy.
---------------------------
LEKCJE FILMOWE
czyli obrazy wyjątkowe
Istnieje szalona teoria, że odbiór dzieła sztuki powinien trwać tyle czasu, ile autor poświęcił na jego tworzenie. W ramach Lekcji Filmowych nie porywamy się na takie przedsięwzięcie, ale proponujemy rzetelny namysł nad obrazami, które zasługują na
szczególną uwagę. Ze względu na ich rangę artystyczną, kulturowy kontekst, osobę twórcy, bądź uniwersalny wymiar. Sztuka filmowa, z natury efemeryczna, krucha, podległa modom, kaprysom rynku i ekonomii, posiada jednak wyjątkowy kapitał. Jest nim fenomen odbioru kina, fenomen filmowej publiczności – „kino jest sztuką
masową, ale odbiorca jest zawsze jednostkowy”. Reakcje odbiorcze, miłość, bądź nuda, niezrozumienie, bądź kultowy odbiór – to zmienne kulturowe. Proponując uczestnictwo w Lekcjach Filmowych stawiamy Państwa w pozycji najwyższej instancji (od której zależy dalszy żywot dzieł) - twarzą w twarz z Obrazami Wyjątkowymi.
Do świata filmowych arcydzieł przed każdym seansem wprowadzą Państwa autorzy cyklu - filmoznawcy: dr Anita Skwara i Mariusz Ciszewski.
Lekcje Filmowe - Rzym
Monumentalny i niecodzienny hołd Federico Felliniego dla jego ukochanego Rzymu.
Ten spektakularny obraz Wiecznego Miasta, rozpoczyna się sceną, w której Fellini jako młody chłopak mieszka na włoskiej wsi. W szkole poznaje bogatą historię starożytnego Rzymu, a następnie, jako młody mężczyzna, poznaje jego codzienność. Przybywa do tego dziwnego, nowego miasta w momencie wybuchu II wojny światowej. Poprzez serię krótkich, pełnych satyry i błyskotliwych scen, filmowiec pokazuje niezwykłość Rzymu od czasów młodości reżysera aż do czasów współczesnych kiedy ten kultowy film powstaje. To nie jest Rzym pocztówkowy i nie jest to podróż zorganizowaną wycieczką. To wielka filmowa podróż ufundowana nam przez maga kina.
---------------------------
LEKCJE FILMOWE
czyli obrazy wyjątkowe
Istnieje szalona teoria, że odbiór dzieła sztuki powinien trwać tyle czasu, ile autor poświęcił na jego tworzenie. W ramach Lekcji Filmowych nie porywamy się na takie przedsięwzięcie, ale proponujemy rzetelny namysł nad obrazami, które zasługują na
szczególną uwagę. Ze względu na ich rangę artystyczną, kulturowy kontekst, osobę twórcy, bądź uniwersalny wymiar. Sztuka filmowa, z natury efemeryczna, krucha, podległa modom, kaprysom rynku i ekonomii, posiada jednak wyjątkowy kapitał. Jest nim fenomen odbioru kina, fenomen filmowej publiczności – „kino jest sztuką
masową, ale odbiorca jest zawsze jednostkowy”. Reakcje odbiorcze, miłość, bądź nuda, niezrozumienie, bądź kultowy odbiór – to zmienne kulturowe. Proponując uczestnictwo w Lekcjach Filmowych stawiamy Państwa w pozycji najwyższej instancji (od której zależy dalszy żywot dzieł) - twarzą w twarz z Obrazami Wyjątkowymi.
Do świata filmowych arcydzieł przed każdym seansem wprowadzą Państwa autorzy cyklu - filmoznawcy: dr Anita Skwara i Mariusz Ciszewski.
Ten spektakularny obraz Wiecznego Miasta, rozpoczyna się sceną, w której Fellini jako młody chłopak mieszka na włoskiej wsi. W szkole poznaje bogatą historię starożytnego Rzymu, a następnie, jako młody mężczyzna, poznaje jego codzienność. Przybywa do tego dziwnego, nowego miasta w momencie wybuchu II wojny światowej. Poprzez serię krótkich, pełnych satyry i błyskotliwych scen, filmowiec pokazuje niezwykłość Rzymu od czasów młodości reżysera aż do czasów współczesnych kiedy ten kultowy film powstaje. To nie jest Rzym pocztówkowy i nie jest to podróż zorganizowaną wycieczką. To wielka filmowa podróż ufundowana nam przez maga kina.
---------------------------
LEKCJE FILMOWE
czyli obrazy wyjątkowe
Istnieje szalona teoria, że odbiór dzieła sztuki powinien trwać tyle czasu, ile autor poświęcił na jego tworzenie. W ramach Lekcji Filmowych nie porywamy się na takie przedsięwzięcie, ale proponujemy rzetelny namysł nad obrazami, które zasługują na
szczególną uwagę. Ze względu na ich rangę artystyczną, kulturowy kontekst, osobę twórcy, bądź uniwersalny wymiar. Sztuka filmowa, z natury efemeryczna, krucha, podległa modom, kaprysom rynku i ekonomii, posiada jednak wyjątkowy kapitał. Jest nim fenomen odbioru kina, fenomen filmowej publiczności – „kino jest sztuką
masową, ale odbiorca jest zawsze jednostkowy”. Reakcje odbiorcze, miłość, bądź nuda, niezrozumienie, bądź kultowy odbiór – to zmienne kulturowe. Proponując uczestnictwo w Lekcjach Filmowych stawiamy Państwa w pozycji najwyższej instancji (od której zależy dalszy żywot dzieł) - twarzą w twarz z Obrazami Wyjątkowymi.
Do świata filmowych arcydzieł przed każdym seansem wprowadzą Państwa autorzy cyklu - filmoznawcy: dr Anita Skwara i Mariusz Ciszewski.
Lekcje Filmowe - Stokrotki
Jednym z najważniejszych osiągnięć czechosłowackiej Nowej Fali jest ten nietuzinkowy, groteskowy moralitet. Surrealistyczna, niepodobna do innych opowieść o parze młodych kobiet, które postanawiają być tak zepsute, jak otaczający je świat. Zjadliwa wypowiedź o konformizmie, drobnomieszczańskiej ograniczoności i granicach beztroski ma w rezultacie ponadczasowy charakter. Dla bohaterek, bunt jest jedynym sposobem na zaistnienie w męskim świecie. Ich wywrotowe zachowanie nie tworzy żadnych realnych wartości, nawiązują przelotne relacje i chowają się za pozami.
Partner projekcji CZESKIE CENTRUM WARSZAWA.
---------------------------
LEKCJE FILMOWE
czyli obrazy wyjątkowe
Istnieje szalona teoria, że odbiór dzieła sztuki powinien trwać tyle czasu, ile autor poświęcił na jego tworzenie. W ramach Lekcji Filmowych nie porywamy się na takie przedsięwzięcie, ale proponujemy rzetelny namysł nad obrazami, które zasługują na
szczególną uwagę. Ze względu na ich rangę artystyczną, kulturowy kontekst, osobę twórcy, bądź uniwersalny wymiar. Sztuka filmowa, z natury efemeryczna, krucha, podległa modom, kaprysom rynku i ekonomii, posiada jednak wyjątkowy kapitał. Jest nim fenomen odbioru kina, fenomen filmowej publiczności – „kino jest sztuką
masową, ale odbiorca jest zawsze jednostkowy”. Reakcje odbiorcze, miłość, bądź nuda, niezrozumienie, bądź kultowy odbiór – to zmienne kulturowe. Proponując uczestnictwo w Lekcjach Filmowych stawiamy Państwa w pozycji najwyższej instancji (od której zależy dalszy żywot dzieł) - twarzą w twarz z Obrazami Wyjątkowymi.
Do świata filmowych arcydzieł przed każdym seansem wprowadzą Państwa autorzy cyklu - filmoznawcy: dr Anita Skwara i Mariusz Ciszewski.
Partner projekcji CZESKIE CENTRUM WARSZAWA.
---------------------------
LEKCJE FILMOWE
czyli obrazy wyjątkowe
Istnieje szalona teoria, że odbiór dzieła sztuki powinien trwać tyle czasu, ile autor poświęcił na jego tworzenie. W ramach Lekcji Filmowych nie porywamy się na takie przedsięwzięcie, ale proponujemy rzetelny namysł nad obrazami, które zasługują na
szczególną uwagę. Ze względu na ich rangę artystyczną, kulturowy kontekst, osobę twórcy, bądź uniwersalny wymiar. Sztuka filmowa, z natury efemeryczna, krucha, podległa modom, kaprysom rynku i ekonomii, posiada jednak wyjątkowy kapitał. Jest nim fenomen odbioru kina, fenomen filmowej publiczności – „kino jest sztuką
masową, ale odbiorca jest zawsze jednostkowy”. Reakcje odbiorcze, miłość, bądź nuda, niezrozumienie, bądź kultowy odbiór – to zmienne kulturowe. Proponując uczestnictwo w Lekcjach Filmowych stawiamy Państwa w pozycji najwyższej instancji (od której zależy dalszy żywot dzieł) - twarzą w twarz z Obrazami Wyjątkowymi.
Do świata filmowych arcydzieł przed każdym seansem wprowadzą Państwa autorzy cyklu - filmoznawcy: dr Anita Skwara i Mariusz Ciszewski.
Lot nad kukułczym gniazdem - PONOWNIE NA WIELKIM EKRANIE
Powrót nagrodzonego 5 Oscarami® arcydzieła Miloša Formana z okazji 50. rocznicy premiery
Są buntownicy. I jest McMurphy.
Rok 1963, Oregon. Do szpitala psychiatrycznego trafia Randle McMurphy (Jack Nicholson): cwaniak, nonkonformista i charyzmatyczny mąciwoda, który udaje chorobę psychiczną, by uniknąć więzienia. Wkrótce okazuje się, że instytucja pod nadzorem lodowatej siostry Ratched (Louise Fletcher) może być jeszcze bardziej opresyjna. Wraz z grupą przestraszonych pacjentów, McMurphy dokonuje w szpitalu cichej rewolucji.
Adaptacja słynnej powieści Kena Keseya to gorący krzyk sprzeciwu, porywające studium charakterów oraz genialna historia buntu, który jest nam potrzebny jak powietrze. Zdobywca 5 Oscarów – za najlepszy film, reżyserię, scenariusz i dla dwojga odtwórców głównych ról – „Lot nad kukułczym gniazdem” to jedno z arcydzieł amerykańskiego lat 70.: dekady, w której społeczny gniew rozpalał twórczą wyobraźnię najlepszych amerykańskich reżyserów. Dzięki oszałamiającemu sukcesowi „Lotu…” Miloš Forman, przybysz z Europy Wschodniej, trafił na hollywoodzki szczyt. Pozostał na nim do końca swojej kariery.
Zobaczcie Jacka Nicholsona w jego najlepszej roli i odwiedźcie pacjentów, którzy rzucają wyzwanie bezwzględnemu systemowi.
Są buntownicy. I jest McMurphy.
Rok 1963, Oregon. Do szpitala psychiatrycznego trafia Randle McMurphy (Jack Nicholson): cwaniak, nonkonformista i charyzmatyczny mąciwoda, który udaje chorobę psychiczną, by uniknąć więzienia. Wkrótce okazuje się, że instytucja pod nadzorem lodowatej siostry Ratched (Louise Fletcher) może być jeszcze bardziej opresyjna. Wraz z grupą przestraszonych pacjentów, McMurphy dokonuje w szpitalu cichej rewolucji.
Adaptacja słynnej powieści Kena Keseya to gorący krzyk sprzeciwu, porywające studium charakterów oraz genialna historia buntu, który jest nam potrzebny jak powietrze. Zdobywca 5 Oscarów – za najlepszy film, reżyserię, scenariusz i dla dwojga odtwórców głównych ról – „Lot nad kukułczym gniazdem” to jedno z arcydzieł amerykańskiego lat 70.: dekady, w której społeczny gniew rozpalał twórczą wyobraźnię najlepszych amerykańskich reżyserów. Dzięki oszałamiającemu sukcesowi „Lotu…” Miloš Forman, przybysz z Europy Wschodniej, trafił na hollywoodzki szczyt. Pozostał na nim do końca swojej kariery.
Zobaczcie Jacka Nicholsona w jego najlepszej roli i odwiedźcie pacjentów, którzy rzucają wyzwanie bezwzględnemu systemowi.
Marta Król - "L-O-V-E akustycznie"
Zapraszamy na akustyczny koncert znakomitej wokalistki jazzowej obdarzonej wyjątkową barwa głosu, której towarzyszyć będą wybitni muzycy: Paweł Tomaszewski - instrumenty klawiszowe i Michał Kapczuk - kontrabas, gitara basowa.
O miłości akustycznie jest muzyczną podróżą, ukazującą wielobarwne i piękne w swej różnorodności miłosne opowieści. To wyjątkowa okazja do posłuchania kompozycji, które dla publiczności są przywołaniem wielu wspomnień i emocji. Projekt zawiera niezapomniane melodie z ubiegłego stulecia oscylujące wokół standardów jazzu, soulu oraz wyrafinowanego popu, wypełnione poruszającymi, głębokimi tekstami. Wokalistka sięga także po kilka autorskich miłosnych tytułów, zarówno anglojęzycznych jak i w języku ojczystym.
Wśród utworów wybrzmiewają między innymi: What The World Needs Now Is Love, The First Time Ever I saw Your Face, If You Love Somebody Set Them Free, Samba przed rozstaniem.
Szlachetne brzmienie przepełnione pięknymi detalami oraz improwizacją gwarantuje grono obecnych tutaj znamienitych i czołowych instrumentalistów w kraju.
Na parterze układ kawiarniany - stoliki z krzesłami.
O miłości akustycznie jest muzyczną podróżą, ukazującą wielobarwne i piękne w swej różnorodności miłosne opowieści. To wyjątkowa okazja do posłuchania kompozycji, które dla publiczności są przywołaniem wielu wspomnień i emocji. Projekt zawiera niezapomniane melodie z ubiegłego stulecia oscylujące wokół standardów jazzu, soulu oraz wyrafinowanego popu, wypełnione poruszającymi, głębokimi tekstami. Wokalistka sięga także po kilka autorskich miłosnych tytułów, zarówno anglojęzycznych jak i w języku ojczystym.
Wśród utworów wybrzmiewają między innymi: What The World Needs Now Is Love, The First Time Ever I saw Your Face, If You Love Somebody Set Them Free, Samba przed rozstaniem.
Szlachetne brzmienie przepełnione pięknymi detalami oraz improwizacją gwarantuje grono obecnych tutaj znamienitych i czołowych instrumentalistów w kraju.
Na parterze układ kawiarniany - stoliki z krzesłami.
One to One: John i Yoko
Film zaskoczy i zachwyci nawet największych fanów Johna Lennona i Yoko Ono. Skupia się na ważnym okresie przemian w ich życiu, gdy w latach 1971–1972 przez 18 miesięcy mieszkali w Nowym Jorku.
Wykorzystano tu prywatne archiwa filmowe, zdjęciowe i muzyczne artystów oraz ich przyjaciół. John i Yoko żyli w mieszkaniu w Greenwich Village, które na potrzeby tej opowieści zostało w pełni zrekonstruowane. Film łączy archiwa z nieznanymi wcześniej, nagranymi przez FBI, rozmowami telefonicznymi pary twórców, aby pokazać, w jaki sposób wykorzystywali status gwiazd i otoczyli się ekipą kolorowych nowicjuszy: od Allena Ginsberga po Jerry’ego Rubina. Najdziwniejszym z nich okazał się aktywista AJ Weberman, któremu powierzono misję przeszukania koszy na śmieci Boba Dylana, aby udowodnić, że piosenkarz stał się „multimilionerem hipokrytą”.
Tytuł filmu nawiązuje do koncertu charytatywnego Lennona, który odbył się w Madison Square Garden z zespołem Plastic Ono Elephant’s Memory Band 30 sierpnia 1972 roku. Oryginalne nagranie wideo koncertu na taśmie 16 mm zostało w pełni zremasterowane.
Wykorzystano tu prywatne archiwa filmowe, zdjęciowe i muzyczne artystów oraz ich przyjaciół. John i Yoko żyli w mieszkaniu w Greenwich Village, które na potrzeby tej opowieści zostało w pełni zrekonstruowane. Film łączy archiwa z nieznanymi wcześniej, nagranymi przez FBI, rozmowami telefonicznymi pary twórców, aby pokazać, w jaki sposób wykorzystywali status gwiazd i otoczyli się ekipą kolorowych nowicjuszy: od Allena Ginsberga po Jerry’ego Rubina. Najdziwniejszym z nich okazał się aktywista AJ Weberman, któremu powierzono misję przeszukania koszy na śmieci Boba Dylana, aby udowodnić, że piosenkarz stał się „multimilionerem hipokrytą”.
Tytuł filmu nawiązuje do koncertu charytatywnego Lennona, który odbył się w Madison Square Garden z zespołem Plastic Ono Elephant’s Memory Band 30 sierpnia 1972 roku. Oryginalne nagranie wideo koncertu na taśmie 16 mm zostało w pełni zremasterowane.
Państwo Rose
Życie Ivy (Olivia Colman) i Theo (Benedict Cumberbatch) na pierwszy rzut oka wydaje się być spełnionym snem: zawodowe sukcesy, udane małżeństwo, cudowne dzieci. Jednak gdy kariera Theo zaczyna gwałtownie podupadać, a zawodowe ambicje Ivy rozkwitają, między małżonkami wybucha zaciekła rywalizacja podszyta skrywanymi od dawna pretensjami.
"Państwo Rose" to nowoczesna reinterpretacja filmu z 1989 roku pt. "Wojna państwa Rose", opartego na powieści Warrena Adlera.
"Państwo Rose" to nowoczesna reinterpretacja filmu z 1989 roku pt. "Wojna państwa Rose", opartego na powieści Warrena Adlera.
Piknik pod Wiszącą Skałą - PONOWNIE NA WIELKIM EKRANIE
Gdzie kończy się czas, zaczyna się tajemnica.
„Piknik pod Wiszącą Skałą” to jeden z najbardziej zmysłowych i hipnotyzujących filmów w historii kina. Raz obejrzany, pozostaje w pamięci na zawsze. Peter Weir – twórca „Truman Show” i „Stowarzyszenia Umarłych Poetów” – tworzy kino gęstej atmosfery i niepokoju. „Piknik pod Wiszącą Skałą” to zresztą duchowy przodek „Przekleństw niewinności” Sofii Coppoli i dzieł Davida Lyncha, w którym odbija się echo nienazwanych pragnień, zagubienia i czegoś, co wymyka się prostej logice.
Rok 1900. W dzień świętego Walentego grupa uczennic z elitarnej wiktoriańskiej szkoły z internatem wyrusza pod opieką nauczycielek na wycieczkę do Wiszącej Skały, wulkanicznej formacji położonej w sercu australijskiego buszu. Tam, pod rozedrganym od upału niebem, wydarza się coś niewyjaśnionego – czas się rozmywa, przestrzeń ulega zakrzywieniu, a natura zaczyna oddziaływać na ciała i umysły młodych kobiet. Czy to pradawny rytuał? Zbiorowa halucynacja? A może, jak pisał Edgar Allan Poe: „To, co widzimy i czym się zdajemy, jest snem, który w innym śnie snujemy”? Jedno jest pewne: od tej pory nic już nie będzie takie samo.
Jest coś w „Pikniku pod Wiszącą Skałą”, co nie daje spokoju. Co sprawia, że wraca się do tego filmu, jak do przerwanego snu. Niepokojący, zmysłowy, obsesyjny – kultowy film Petera Weira z 1975 roku to opowieść o niewinności i jej utracie, o młodości stłumionej przez konwenans, o kobiecej cielesności i sile tego, co nieświadome. Miłośnicy stylu coquette, vintage’owych wnętrz, koronkowych sukienek, suszonych kwiatów i subtelnej grozy znajdą tu swoje estetyczne niebo i piekło zarazem. A wygrywany na fletni Pana i organach muzyczny motyw przewodni wprowadzi widzów w hipnotyczny trans.
W 50. rocznicę premiery „Piknik pod Wiszącą Skałą” powraca na ekrany kin w mistrzowsko odrestaurowanej kopii 4K, przygotowanej pod okiem samego Petera Weira i autora zdjęć Russella Boyda. To niezwykła szansa, by nadrobić seans tej ponadczasowej klasyki lub na nowo ją odczytać.
„Piknik pod Wiszącą Skałą” to jeden z najbardziej zmysłowych i hipnotyzujących filmów w historii kina. Raz obejrzany, pozostaje w pamięci na zawsze. Peter Weir – twórca „Truman Show” i „Stowarzyszenia Umarłych Poetów” – tworzy kino gęstej atmosfery i niepokoju. „Piknik pod Wiszącą Skałą” to zresztą duchowy przodek „Przekleństw niewinności” Sofii Coppoli i dzieł Davida Lyncha, w którym odbija się echo nienazwanych pragnień, zagubienia i czegoś, co wymyka się prostej logice.
Rok 1900. W dzień świętego Walentego grupa uczennic z elitarnej wiktoriańskiej szkoły z internatem wyrusza pod opieką nauczycielek na wycieczkę do Wiszącej Skały, wulkanicznej formacji położonej w sercu australijskiego buszu. Tam, pod rozedrganym od upału niebem, wydarza się coś niewyjaśnionego – czas się rozmywa, przestrzeń ulega zakrzywieniu, a natura zaczyna oddziaływać na ciała i umysły młodych kobiet. Czy to pradawny rytuał? Zbiorowa halucynacja? A może, jak pisał Edgar Allan Poe: „To, co widzimy i czym się zdajemy, jest snem, który w innym śnie snujemy”? Jedno jest pewne: od tej pory nic już nie będzie takie samo.
Jest coś w „Pikniku pod Wiszącą Skałą”, co nie daje spokoju. Co sprawia, że wraca się do tego filmu, jak do przerwanego snu. Niepokojący, zmysłowy, obsesyjny – kultowy film Petera Weira z 1975 roku to opowieść o niewinności i jej utracie, o młodości stłumionej przez konwenans, o kobiecej cielesności i sile tego, co nieświadome. Miłośnicy stylu coquette, vintage’owych wnętrz, koronkowych sukienek, suszonych kwiatów i subtelnej grozy znajdą tu swoje estetyczne niebo i piekło zarazem. A wygrywany na fletni Pana i organach muzyczny motyw przewodni wprowadzi widzów w hipnotyczny trans.
W 50. rocznicę premiery „Piknik pod Wiszącą Skałą” powraca na ekrany kin w mistrzowsko odrestaurowanej kopii 4K, przygotowanej pod okiem samego Petera Weira i autora zdjęć Russella Boyda. To niezwykła szansa, by nadrobić seans tej ponadczasowej klasyki lub na nowo ją odczytać.
Pożegnanie z Robertem Redfordem - Gentleman z rewolwerem
Przed seansem prelekcja Sary Nowickiej poświęcona Robertowi Redfordowi.
Robert Redford skradnie wam serca!
Historia najbardziej czarującego złodzieja w historii, który nawet rabując banki, nigdy nie zapominał o byciu prawdziwym gentlemanem.
To wydarzyło się mniej więcej naprawdę. Forrest Tucker wiódł bardzo uporządkowane życie. W równie bezczelny, co sympatyczny sposób rabował banki, a kiedy czasem powinęła mu się noga i trafiał za kratki, uciekał z więzienia tylko po to, by dokonywać kolejnych napadów. Dopiero gdy spotkał na swej drodze wyjątkową kobietę, znalazł powód, by się ustatkować i schować swój rewolwer gdzieś na dno szuflady. Jednak mając siedemdziesiątkę na karku trudno jest zrezygnować ze starych przyzwyczajeń. Kiedy nadarzy się okazja, by zrobić ostatni skok, Tucker będzie musiał odłożyć planowanie emerytury na później.
Robert Redford skradnie wam serca!
Historia najbardziej czarującego złodzieja w historii, który nawet rabując banki, nigdy nie zapominał o byciu prawdziwym gentlemanem.
To wydarzyło się mniej więcej naprawdę. Forrest Tucker wiódł bardzo uporządkowane życie. W równie bezczelny, co sympatyczny sposób rabował banki, a kiedy czasem powinęła mu się noga i trafiał za kratki, uciekał z więzienia tylko po to, by dokonywać kolejnych napadów. Dopiero gdy spotkał na swej drodze wyjątkową kobietę, znalazł powód, by się ustatkować i schować swój rewolwer gdzieś na dno szuflady. Jednak mając siedemdziesiątkę na karku trudno jest zrezygnować ze starych przyzwyczajeń. Kiedy nadarzy się okazja, by zrobić ostatni skok, Tucker będzie musiał odłożyć planowanie emerytury na później.
Rialto DOCumentalnie - Najgłupsza płyta świata
Spotkanie z Tymonem Tymańskim, po seansie, poprowadzi Piotr Metz.
Jak w latach 90 kształtowała się polska scena muzyczna. Dlaczego zespół Kury okazał się fenomenem? Czym jest wolność artystyczna. Na Festiwalu Millenium Docs Against Gravity po raz pierwszy będzie można zobaczyć film dokumentalny o kultowym albumie "P.O.L.O.V.I.R.U.S."
Film dokumentalny "Najgłupsza płyta świata" opowiada historię powstania jednego z najbardziej intrygujących i przełomowych albumów polskiej muzyki alternatywnej – "P.O.L.O.V.I.R.U.S." zespołu Kury. Wydany w 1998 roku album, stworzony przez muzyków skupionych wokół Tymona Tymańskiego, był satyrycznym podsumowaniem polskich lat 90. i do dziś pozostaje jedną z najważniejszych pozycji w historii polskiej muzyki niezależnej.
Film zanurza widzów w burzliwej rzeczywistości transformacji ustrojowej, ukazując zarówno społeczno-polityczne tło tamtych czasów, jak i ekscentryczny świat artystycznej bohemy Trójmiasta. "Najgłupsza płyta świata" przybliża nie tylko sam proces powstawania albumu, ale także kontekst kształtowania się sceny muzycznej w tym jednym z najbardziej aktywnych miejsc w Polsce. W filmie znajdą się rozmowy z twórcami płyty, artystami, dziennikarzami i osobami związanymi ze środowiskiem yassowym, które opowiedzą o wyjątkowym fermencie twórczym lat 90.
"Najgłupsza płyta świata" to również opowieść o polskiej scenie muzycznej w czasach rodzącego się kapitalizmu – o starciu idei artystycznej wolności z realiami komercji, wpływie dużych wytwórni i niezależnego rynku oraz zmieniających się relacjach między mainstreamem a undergroundem. Film podejmie także tematy społeczne, które znalazły swoje odzwierciedlenie na płycie „P.O.L.O.V.I.R.U.S.” – od relacji społeczeństwa z Kościołem, przez fenomen disco polo, po kwestie polityczne i obyczajowe lat 90.
Historia nie kończy się jednak w 1998 roku – film przenosi widzów także do 2023 roku, kiedy to zespół Kury, po 25 latach od premiery albumu, spotkał się ponownie, by przygotować jubileuszowy koncert na festiwalu Inside Seaside. Te wyjątkowe wydarzenia, a także późniejsze koncerty w 2024 roku, pokazują nieustającą siłę oddziaływania „P.O.L.O.V.I.R.U.S.” na kolejne pokolenia słuchaczy. To właśnie wtedy muzycy, którzy 25 lat wcześniej nagrali przełomową płytę, spotykają się ponownie na scenie i stają po raz kolejny przed pytaniem: czym jest sukces i wolność artystyczna?
“Absurdalna jazda bez trzymanki do jądra ciemności lat 90.”
Culture.pl
„Ten film to nie tylko historia P.O.L.O.V.I.R.U.S.A., ale i czasów pełnych kombinacji, ustawiania się do nowego i desperackiej próby zachowania przy tym wszystkim wolności.”
Sylwia Chutnik
"To film o ludziach, którzy po upadku komuny marzyli, by być polskim Frankiem Zappą i którym, w atmosferze popkulturowej anarchii, telewizyjnego chaosu, mafijnych porachunków oraz jazzowych eksperymentów, udało się stworzyć artystyczną legendę."
Interia
---------------------------------------------
Tymon Tymański jest jednym z najbardziej rozpoznawalnych polskich artystów alternatywnych.
Tymański, lider Kur i Miłości, Tymon & The Transistors i Mu - songwriter, wokalista, multi-instrumentalista, prozaik aktor i reżyser filmowy - od wielu lat pracuje nad scenicznym aktem solowym, który przyjął formę i improwizowanego standupu, okraszonegowszechstronnym muzycznym recitalem.
Tymański to niestrudzony i arcyciekawy narrator, dysponujący sporym dystansem do własnej osoby. Ten istotny walor powoduje, że publiczność wybacza mu najbardziej niewybredne i
dosadne żarty z siebie tudzież innych celebrytów. Niekiedy przekraczając granice dobrego smaku, Tymański pozostaje mówcą cywilizowanym i empatycznym, nigdy nie manifestując braku szacunku czy pogardy do drugiego człowieka.
Jego słowne improwizacje nie stronią od pikantnych szczegółów, bezkompromisowych komentarzy socjopolitycznych, rubasznych żartów obyczajowych tudzież religijno-filozoficznych dywagacji, mając charakter eksperymentalny i poszukujący, niekiedy podszyty doskonałym wyczuciem ducha absurdu oraz groteski, kiedy indziej uderzając w refleksyjne i głębokie tony.
Muzyczną ilustracją zabawnego monologu artysty są jego piosenki z kultowych albumów P.O.L.O.V.I.R.U.S.; grupy Kury, Wesele; i Polskie gówno; formacji Tymon & The Transistors oraz jego solowego albumu pt. "Paszkwile".
Jak w latach 90 kształtowała się polska scena muzyczna. Dlaczego zespół Kury okazał się fenomenem? Czym jest wolność artystyczna. Na Festiwalu Millenium Docs Against Gravity po raz pierwszy będzie można zobaczyć film dokumentalny o kultowym albumie "P.O.L.O.V.I.R.U.S."
Film dokumentalny "Najgłupsza płyta świata" opowiada historię powstania jednego z najbardziej intrygujących i przełomowych albumów polskiej muzyki alternatywnej – "P.O.L.O.V.I.R.U.S." zespołu Kury. Wydany w 1998 roku album, stworzony przez muzyków skupionych wokół Tymona Tymańskiego, był satyrycznym podsumowaniem polskich lat 90. i do dziś pozostaje jedną z najważniejszych pozycji w historii polskiej muzyki niezależnej.
Film zanurza widzów w burzliwej rzeczywistości transformacji ustrojowej, ukazując zarówno społeczno-polityczne tło tamtych czasów, jak i ekscentryczny świat artystycznej bohemy Trójmiasta. "Najgłupsza płyta świata" przybliża nie tylko sam proces powstawania albumu, ale także kontekst kształtowania się sceny muzycznej w tym jednym z najbardziej aktywnych miejsc w Polsce. W filmie znajdą się rozmowy z twórcami płyty, artystami, dziennikarzami i osobami związanymi ze środowiskiem yassowym, które opowiedzą o wyjątkowym fermencie twórczym lat 90.
"Najgłupsza płyta świata" to również opowieść o polskiej scenie muzycznej w czasach rodzącego się kapitalizmu – o starciu idei artystycznej wolności z realiami komercji, wpływie dużych wytwórni i niezależnego rynku oraz zmieniających się relacjach między mainstreamem a undergroundem. Film podejmie także tematy społeczne, które znalazły swoje odzwierciedlenie na płycie „P.O.L.O.V.I.R.U.S.” – od relacji społeczeństwa z Kościołem, przez fenomen disco polo, po kwestie polityczne i obyczajowe lat 90.
Historia nie kończy się jednak w 1998 roku – film przenosi widzów także do 2023 roku, kiedy to zespół Kury, po 25 latach od premiery albumu, spotkał się ponownie, by przygotować jubileuszowy koncert na festiwalu Inside Seaside. Te wyjątkowe wydarzenia, a także późniejsze koncerty w 2024 roku, pokazują nieustającą siłę oddziaływania „P.O.L.O.V.I.R.U.S.” na kolejne pokolenia słuchaczy. To właśnie wtedy muzycy, którzy 25 lat wcześniej nagrali przełomową płytę, spotykają się ponownie na scenie i stają po raz kolejny przed pytaniem: czym jest sukces i wolność artystyczna?
“Absurdalna jazda bez trzymanki do jądra ciemności lat 90.”
Culture.pl
„Ten film to nie tylko historia P.O.L.O.V.I.R.U.S.A., ale i czasów pełnych kombinacji, ustawiania się do nowego i desperackiej próby zachowania przy tym wszystkim wolności.”
Sylwia Chutnik
"To film o ludziach, którzy po upadku komuny marzyli, by być polskim Frankiem Zappą i którym, w atmosferze popkulturowej anarchii, telewizyjnego chaosu, mafijnych porachunków oraz jazzowych eksperymentów, udało się stworzyć artystyczną legendę."
Interia
---------------------------------------------
Tymon Tymański jest jednym z najbardziej rozpoznawalnych polskich artystów alternatywnych.
Tymański, lider Kur i Miłości, Tymon & The Transistors i Mu - songwriter, wokalista, multi-instrumentalista, prozaik aktor i reżyser filmowy - od wielu lat pracuje nad scenicznym aktem solowym, który przyjął formę i improwizowanego standupu, okraszonegowszechstronnym muzycznym recitalem.
Tymański to niestrudzony i arcyciekawy narrator, dysponujący sporym dystansem do własnej osoby. Ten istotny walor powoduje, że publiczność wybacza mu najbardziej niewybredne i
dosadne żarty z siebie tudzież innych celebrytów. Niekiedy przekraczając granice dobrego smaku, Tymański pozostaje mówcą cywilizowanym i empatycznym, nigdy nie manifestując braku szacunku czy pogardy do drugiego człowieka.
Jego słowne improwizacje nie stronią od pikantnych szczegółów, bezkompromisowych komentarzy socjopolitycznych, rubasznych żartów obyczajowych tudzież religijno-filozoficznych dywagacji, mając charakter eksperymentalny i poszukujący, niekiedy podszyty doskonałym wyczuciem ducha absurdu oraz groteski, kiedy indziej uderzając w refleksyjne i głębokie tony.
Muzyczną ilustracją zabawnego monologu artysty są jego piosenki z kultowych albumów P.O.L.O.V.I.R.U.S.; grupy Kury, Wesele; i Polskie gówno; formacji Tymon & The Transistors oraz jego solowego albumu pt. "Paszkwile".
Rialto DOCumentalnie - Więcej niż muzeum
Po seansie rozmowę z Ryszardem Nakoniecznym poprowadzi Aleksandra Grabowska.
Film pokazuje budowę ikonicznego Muzeum Muncha w Oslo, które zmieniło oblicze norweskiej stolicy.
W 2008 roku Oslo ogłosiło duży międzynarodowy konkurs na budowę nowego Muzeum Muncha. Wbrew wszelkim oczekiwaniom wygrała go mała hiszpańska pracownia o nazwie Estudio Herreros, która jako jedyna zaproponowała niestandardowe rozwiązanie – wieżowiec. Film opowiada historię ryzykownego projektu, który trwał ponad dwanaście lat, zredefiniował pojęcie współczesnego muzeum i był kluczowym elementem wielkiej transformacji architektonicznej i urbanistycznej stolicy Norwegii. Stawia przy tym wiele pytań, w tym o to, jak powinny wyglądać muzea przyszłości oraz miasta, w których wszyscy będziemy chcieli mieszkać. Swoje koncepcje na ten temat przestawiają nie tylko architekci Muzeum Muncha, Juan Herreros i Jens Richter oraz jego dyrektor Tone Hansen, ale także dyrektorka Opery w Oslo Jenny B. Osuldsen oraz Einar Hagem i Marius Mowe – architekci Biblioteki Deichmana.
Film pokazuje budowę ikonicznego Muzeum Muncha w Oslo, które zmieniło oblicze norweskiej stolicy.
W 2008 roku Oslo ogłosiło duży międzynarodowy konkurs na budowę nowego Muzeum Muncha. Wbrew wszelkim oczekiwaniom wygrała go mała hiszpańska pracownia o nazwie Estudio Herreros, która jako jedyna zaproponowała niestandardowe rozwiązanie – wieżowiec. Film opowiada historię ryzykownego projektu, który trwał ponad dwanaście lat, zredefiniował pojęcie współczesnego muzeum i był kluczowym elementem wielkiej transformacji architektonicznej i urbanistycznej stolicy Norwegii. Stawia przy tym wiele pytań, w tym o to, jak powinny wyglądać muzea przyszłości oraz miasta, w których wszyscy będziemy chcieli mieszkać. Swoje koncepcje na ten temat przestawiają nie tylko architekci Muzeum Muncha, Juan Herreros i Jens Richter oraz jego dyrektor Tone Hansen, ale także dyrektorka Opery w Oslo Jenny B. Osuldsen oraz Einar Hagem i Marius Mowe – architekci Biblioteki Deichmana.
Sirat
Najbardziej wystrzałowy film tegorocznego festiwalu w Cannes, gdzie zasłużenie otrzymał Nagrodę Jury.
Ojciec (świetny Sergi López) rozpaczliwie szuka córki na nielegalnych, pustynnych imprezach rave’owych w Maroku. Po kilku dniach tułaczki trafia na bandę kolorowych outsiderów i wraz z nimi zmierza tuż pod granicę z Mauretanią, gdzie sytuacja wymyka się spod kontroli…
Sirât to odjazdowe połączenie survivalowego thrillera spod znaku "Ceny strachu" czy "Mad Maxa" z krytyczną perspektywą "Zabriskie Point" Antonioniego. Fenomenalnie nakręcony film autora pamiętnej "Siły ognia" Olivera Laxe trzyma w napięciu, zachwyca elektryzującą ścieżką dźwiękową Kangdinga Raya i nie daje o sobie zapomnieć. To film-przygoda, którego rewersem jest zaskakująca refleksja o współczesnym eskapizmie – polityka dopadnie nas zawsze i wszędzie, a otaczająca nas rzeczywistość to istne pole minowe (dosłownie).
/Marcin Pieńkowski/
Ojciec (świetny Sergi López) rozpaczliwie szuka córki na nielegalnych, pustynnych imprezach rave’owych w Maroku. Po kilku dniach tułaczki trafia na bandę kolorowych outsiderów i wraz z nimi zmierza tuż pod granicę z Mauretanią, gdzie sytuacja wymyka się spod kontroli…
Sirât to odjazdowe połączenie survivalowego thrillera spod znaku "Ceny strachu" czy "Mad Maxa" z krytyczną perspektywą "Zabriskie Point" Antonioniego. Fenomenalnie nakręcony film autora pamiętnej "Siły ognia" Olivera Laxe trzyma w napięciu, zachwyca elektryzującą ścieżką dźwiękową Kangdinga Raya i nie daje o sobie zapomnieć. To film-przygoda, którego rewersem jest zaskakująca refleksja o współczesnym eskapizmie – polityka dopadnie nas zawsze i wszędzie, a otaczająca nas rzeczywistość to istne pole minowe (dosłownie).
/Marcin Pieńkowski/
Świat Czeka – Dorota Rasińska-Samoćko – "Korony Górskich Wyzwań"
Dorota Rasińska-Samoćko - pierwsza Polka w dwóch koronach.
Zdobycie wszystkich najwyższych szczytów Świata i kontynentów to wyczyn, którego nie dokonała żadna dziewczyna z naszego kraju.
Powiedzieć o Dorocie, że jest himalaistką to za mało. Pasjonatka podróży, żywioł, połączenie błyskotliwości i poczucia humoru. Event z taką osobą musi się udać bo mało kto potrafi tak trzymać w napięciu jak Ona. To prawdziwy film w akcji.
Jej opowieści działają lepiej niż kawa a widzowie nie chcą wyjść ze spotkań z Dorotą, która jest przykładem, że można swoje cele realizować na własnych zasadach i w dowolnym momencie życia.
W latach 2021 - 2025 Dorota zrealizowała ambitny projekt "Podwójna Korona", czyli zdobycie Korony Himalajów i Karakorum oraz Korony Ziemi. W zaledwie 3 miesiące 2022 roku weszła na 7 ośmiotysięczników bez teamów i sponsorów.
Dorota Rasińska-Samoćko jest DOPIERO 5 kobietą na świecie, która zdobyła Koronę Himalajów i Karakorum.
Rozmowę poprowadzi:
Alina Markiewicz - dziennikarka, niespokojny duch i koneserka podróży Od najmłodszych lat jej pasją były góry.
Zrealizowała kilka reportaży w Himalajach i poprowadziła niezliczoną ilość spotkań oraz rozmów z himalaistami. Zakochana w Dolomitach i Jurze Krakowsko-Częstochowskiej. Od niedawna pilotka śmigłowca R44, chętnie podziwiająca świat z góry.
Organizacja:
Anka Szostak-Gliklich - globtroterka, założycielka i prezeska Klubu Podróżnika „Świat Czeka”. Propaguje odpowiedzialny, zrównoważony styl podróżowania i aktywności sportowej. Uwielbia bikepackingi, trekkingi i nurkowanie.
Zdobycie wszystkich najwyższych szczytów Świata i kontynentów to wyczyn, którego nie dokonała żadna dziewczyna z naszego kraju.
Powiedzieć o Dorocie, że jest himalaistką to za mało. Pasjonatka podróży, żywioł, połączenie błyskotliwości i poczucia humoru. Event z taką osobą musi się udać bo mało kto potrafi tak trzymać w napięciu jak Ona. To prawdziwy film w akcji.
Jej opowieści działają lepiej niż kawa a widzowie nie chcą wyjść ze spotkań z Dorotą, która jest przykładem, że można swoje cele realizować na własnych zasadach i w dowolnym momencie życia.
W latach 2021 - 2025 Dorota zrealizowała ambitny projekt "Podwójna Korona", czyli zdobycie Korony Himalajów i Karakorum oraz Korony Ziemi. W zaledwie 3 miesiące 2022 roku weszła na 7 ośmiotysięczników bez teamów i sponsorów.
Dorota Rasińska-Samoćko jest DOPIERO 5 kobietą na świecie, która zdobyła Koronę Himalajów i Karakorum.
Rozmowę poprowadzi:
Alina Markiewicz - dziennikarka, niespokojny duch i koneserka podróży Od najmłodszych lat jej pasją były góry.
Zrealizowała kilka reportaży w Himalajach i poprowadziła niezliczoną ilość spotkań oraz rozmów z himalaistami. Zakochana w Dolomitach i Jurze Krakowsko-Częstochowskiej. Od niedawna pilotka śmigłowca R44, chętnie podziwiająca świat z góry.
Organizacja:
Anka Szostak-Gliklich - globtroterka, założycielka i prezeska Klubu Podróżnika „Świat Czeka”. Propaguje odpowiedzialny, zrównoważony styl podróżowania i aktywności sportowej. Uwielbia bikepackingi, trekkingi i nurkowanie.
Świat Czeka – Ryszard Pawłowski - "Zawsze w górach"
Jak wygląda życie gdy twoim drugim domem jest namiot w górach a zamiast budzika budzi Cię słońce wschodzące nad Himalajami?
Najlepiej opowie o tym człowiek, który od ponad pół wieku chodzi po najwyższych szczytach świata i nie zamierza schodzić w doliny na dłuższy czas.
Znany himalaista, przewodnik, uczestnik legendarnych wypraw, zdobywca 11 ośmiotysięczników i pięciokrotny zdobywca Mount Everestu.
Pierwszy z dwójki Polaków z Koroną Wulkanów Ziemi!
Człowiek z sercem do gór i nieskończonym zapasem energii. W jego historii znajdziecie wszystko: od ekstremalnych przygód, których nie miał prawa przeżyć, przez szczere i zabawne historie z gór wysokich, po refleksje o tym po co to wszystko.
Przyjdźcie posłuchać o miejscach gdzie powietrze jest rzadsze, widoki nieziemskie a przyjaźnie bywają szorstkie. To będzie wieczór pełen zdjęć, anegdot i inspiracji, po których jeszcze tej nocy spakujecie plecak i ruszycie.
Rozmowę poprowadzi:
Alina Markiewicz - dziennikarka, niespokojny duch i koneserka podróży Od najmłodszych lat jej pasją były góry.
Zrealizowała kilka reportaży w Himalajach i poprowadziła niezliczoną ilość spotkań oraz rozmów z himalaistami. Zakochana w Dolomitach i Jurze Krakowsko-Częstochowskiej. Od niedawna pilotka śmigłowca R44, chętnie podziwiająca świat z góry.
Organizacja:
Anka Szostak-Gliklich - globtroterka, założycielka i prezeska Klubu Podróżnika „Świat Czeka”. Propaguje odpowiedzialny, zrównoważony styl podróżowania i aktywności sportowej. Uwielbia bikepackingi, trekkingi i nurkowanie.
Spotkania Świat Czeka to ciekawe tematy, prelekcje, możliwość rozmowy z bohaterami na żywo. Gościliśmy już Martynę Wojciechowską, Krzysztofa Wielickiego, Krzysztofa Hołowczyca, Piotra Hercoga i Sebastiana Kawę oraz Ewę Wachowicz i Klaudię Cierniak-Kożuch a w najbliższym czasie porozmawiamy o sukcesach Doroty Rasińskiej – Samoćko.
Zapraszamy na spotkanie
Alina Markiewicz i Anna Szostak-Gliklich
Najlepiej opowie o tym człowiek, który od ponad pół wieku chodzi po najwyższych szczytach świata i nie zamierza schodzić w doliny na dłuższy czas.
Znany himalaista, przewodnik, uczestnik legendarnych wypraw, zdobywca 11 ośmiotysięczników i pięciokrotny zdobywca Mount Everestu.
Pierwszy z dwójki Polaków z Koroną Wulkanów Ziemi!
Człowiek z sercem do gór i nieskończonym zapasem energii. W jego historii znajdziecie wszystko: od ekstremalnych przygód, których nie miał prawa przeżyć, przez szczere i zabawne historie z gór wysokich, po refleksje o tym po co to wszystko.
Przyjdźcie posłuchać o miejscach gdzie powietrze jest rzadsze, widoki nieziemskie a przyjaźnie bywają szorstkie. To będzie wieczór pełen zdjęć, anegdot i inspiracji, po których jeszcze tej nocy spakujecie plecak i ruszycie.
Rozmowę poprowadzi:
Alina Markiewicz - dziennikarka, niespokojny duch i koneserka podróży Od najmłodszych lat jej pasją były góry.
Zrealizowała kilka reportaży w Himalajach i poprowadziła niezliczoną ilość spotkań oraz rozmów z himalaistami. Zakochana w Dolomitach i Jurze Krakowsko-Częstochowskiej. Od niedawna pilotka śmigłowca R44, chętnie podziwiająca świat z góry.
Organizacja:
Anka Szostak-Gliklich - globtroterka, założycielka i prezeska Klubu Podróżnika „Świat Czeka”. Propaguje odpowiedzialny, zrównoważony styl podróżowania i aktywności sportowej. Uwielbia bikepackingi, trekkingi i nurkowanie.
Spotkania Świat Czeka to ciekawe tematy, prelekcje, możliwość rozmowy z bohaterami na żywo. Gościliśmy już Martynę Wojciechowską, Krzysztofa Wielickiego, Krzysztofa Hołowczyca, Piotra Hercoga i Sebastiana Kawę oraz Ewę Wachowicz i Klaudię Cierniak-Kożuch a w najbliższym czasie porozmawiamy o sukcesach Doroty Rasińskiej – Samoćko.
Zapraszamy na spotkanie
Alina Markiewicz i Anna Szostak-Gliklich
The Watch plays Genesis - "Tales from 1970-1976”
Wybierz się w krótką podróż od TRESPASS …do WIND & WUTHERING.
The Watch powraca jesienią 2025 roku, prezentując intensywną podróż do świata wczesnego Genesis i show zawierające utwory z albumów TRESPASS, NURSERY CRYME, FOXTROT, SELLING ENGLAND BY THE POUND, THE LAMB LIES DOWN ON BROADWAY, A TRICK OF THE TAIL oraz WIND & WUTHERING. Dramatyczny głos wokalisty The Watch, najbliższy Peterowi Gabrielowi, oraz wszechstronna doskonałość instrumentalna zespołu, pozwolą doświadczyć niezwykłych muzycznych wrażeń wczesnego Genesis przypominając ich pionierską grę.
Steve Hackett (gitarzysta Genesis): The Watch to zespół bardzo utalentowanych ludzi i polecam ich.
Paul Whitehead (grafik Genesis): Zespół, który najbardziej przypomina mi magię Genesis”.
UK Prog Newslatter: Wyjątkowe są tutaj wokale, bardzo
podobne do tych młodego Petera Gabriela.
To wystarczające rekomendacje, żeby wybrać się na koncerty The Watch. Europejska trasa The Watch obejmie również Polskę. Po bardzo udanej trasie w 2025 roku, zapraszamy na kolejne koncerty włoskiego zespołu.
Na parterze układ rzędowy.
Art Muza i Klub Kuźnia zapraszają na koncerty THE WATCH PLAYS GENESIS,, Tales from 1970-1976”:
04.05.2026 – LUBLIN, Klub Muzyczny CSK
05.05.2026 – KRAKÓW, Kwadrat
06.05.2026 – KATOWICE, Kinoteatr Rialto
07.05.2026 – WARSZAWA, Hybrydy
08.05.2026 – POZNAŃ, 2progi
09.05.2026 – BYDGOSZCZ, Kuźnia
10.05.2026 – GDAŃSK, Parlament
Otwarcie drzwi: 19:00, koncert: 20:00.
Bilety: 169 zł (przedsprzedaż), 189 zł (w dniu koncertu).
Pozostałe punkty sprzedaży biletów: Ticketmaster, Eventim, eBilet, Rock Serwis, KupBilecik.
The Watch powraca jesienią 2025 roku, prezentując intensywną podróż do świata wczesnego Genesis i show zawierające utwory z albumów TRESPASS, NURSERY CRYME, FOXTROT, SELLING ENGLAND BY THE POUND, THE LAMB LIES DOWN ON BROADWAY, A TRICK OF THE TAIL oraz WIND & WUTHERING. Dramatyczny głos wokalisty The Watch, najbliższy Peterowi Gabrielowi, oraz wszechstronna doskonałość instrumentalna zespołu, pozwolą doświadczyć niezwykłych muzycznych wrażeń wczesnego Genesis przypominając ich pionierską grę.
Steve Hackett (gitarzysta Genesis): The Watch to zespół bardzo utalentowanych ludzi i polecam ich.
Paul Whitehead (grafik Genesis): Zespół, który najbardziej przypomina mi magię Genesis”.
UK Prog Newslatter: Wyjątkowe są tutaj wokale, bardzo
podobne do tych młodego Petera Gabriela.
To wystarczające rekomendacje, żeby wybrać się na koncerty The Watch. Europejska trasa The Watch obejmie również Polskę. Po bardzo udanej trasie w 2025 roku, zapraszamy na kolejne koncerty włoskiego zespołu.
Na parterze układ rzędowy.
Art Muza i Klub Kuźnia zapraszają na koncerty THE WATCH PLAYS GENESIS,, Tales from 1970-1976”:
04.05.2026 – LUBLIN, Klub Muzyczny CSK
05.05.2026 – KRAKÓW, Kwadrat
06.05.2026 – KATOWICE, Kinoteatr Rialto
07.05.2026 – WARSZAWA, Hybrydy
08.05.2026 – POZNAŃ, 2progi
09.05.2026 – BYDGOSZCZ, Kuźnia
10.05.2026 – GDAŃSK, Parlament
Otwarcie drzwi: 19:00, koncert: 20:00.
Bilety: 169 zł (przedsprzedaż), 189 zł (w dniu koncertu).
Pozostałe punkty sprzedaży biletów: Ticketmaster, Eventim, eBilet, Rock Serwis, KupBilecik.
To tylko jedzenie? - premiera filmu + dyskusja
Na naszej planecie dzikie zwierzęta są już tylko śladem dawnej różnorodności. Dziś 96% ssaków to ludzie i zwierzęta tzw. hodowlane – miliardy istot podporządkowanych przemysłowej produkcji. Ten system pochłania niemal trzy czwarte gruntów rolnych, napędza kryzys klimatyczny i generuje ogromne koszty środowiskowe. Skupienie tak olbrzymich zasobów na hodowli zwierząt prowadzi do nieefektywnego wykorzystania ziemi, pogłębiania nierówności w dostępie do żywności oraz potęguje cierpienie i niesprawiedliwość. W efekcie 700 milionów ludzi na świecie wciąż cierpi głód, a każdego roku zabijanych jest 80 miliardów lądowych zwierząt hodowlanych.
– "To, co stanie się z rolnictwem, jest kluczowe dla naszej przyszłości jako gatunku" – podkreśla Adam Wajrak, przyrodnik i dziennikarz „Gazety Wyborczej”, jeden z bohaterów filmu.
„To tylko jedzenie?”, najnowsza produkcja Green REV Institute – twórców nagradzanej „Katastrofy na talerzu” – pokazuje, że sposób, w jaki produkujemy żywność, może wyglądać inaczej i stawia fundamentalne pytanie: czy jedzenie może być czymś więcej niż posiłkiem?
Bohaterowie i bohaterki filmu przedstawiają różne perspektywy. Dr hab. Mariusz Jaworski wyjaśnia, jak nasze wybory żywieniowe wpływają na zdrowie i psychikę, a Adam Wajrak pokazuje konsekwencje przemysłowej hodowli dla przyrody. Rolnicy ekologiczni, tacy jak Marcin Jeziak czy Patrycja i Edgar z „Chodź na pole”, dzielą się doświadczeniem w uprawie warzyw i prowadzeniu zrównoważonego gospodarstwa. Anna Chęć i Lesława Grabowska przybliżają lokalne inicjatywy społeczne i kulinarne promujące roślinne jedzenie, a Nina Mężyk pokazuje, jak styl życia i dieta mogą wspierać profilaktykę chorób nowotworowych.
Te dziewiętnaście głosów ukazuje, że jedzenie to nie tylko codzienny posiłek – to wybór, który kształtuje nasze relacje z naturą, społecznością i samym sobą. Każdy posiłek może stać się aktem etycznym, świadomym i pełnym szacunku.
– "Wszystko może być rytuałem. Gotowanie także. Nieważne, czy zajmuje 5 minut, 50 czy 5 godzin. Jak długo jemy – to też jest ważne. Jeżeli jesteśmy tu i teraz w tym jedzeniu, jeżeli nie scrollujemy, a skupiamy się na smakach i strukturach, skupiamy się na sobie. To jest miejsce, w którym możemy porozmawiać. Nie da się kłócić przy jedzeniu – przekonuje Klaudia z „Komu hummus?”."
„To tylko jedzenie?” to opowieść o tym, jak nasze codzienne wybory przy stole mogą budować bardziej sprawiedliwy i odpowiedzialny system żywnościowy – dla nas i dla środowiska.
Produkcja: Green REV Institute, 2025
Film powstał przy wsparciu Healthy Food Healthy Planet
Matronat i partnerstwo: Bezpieczna Żywność, Krytyka Polityczna, Radio Nowy Świat, Fundacja Rak’n’Roll, Śląska Opinia, Klub Myśli Ekologicznej
Program:
19:00 – 19:40 – Dyskusja o globalnym systemie żywnościowym, jego konsekwencjach oraz o
sprawiedliwej transformacji (prof. Piotr Skubała, Anna Spurek – Green REV Institute,
Karolina Skórka – BoMiasto)
19:40 – 20:20 – Projekcja filmu „To tylko jedzenie?”
20:20 – 21:00 – Luźne rozmowy przy roślinnym poczęstunku
Poczęstunek zapewnia Heat Katowice
– "To, co stanie się z rolnictwem, jest kluczowe dla naszej przyszłości jako gatunku" – podkreśla Adam Wajrak, przyrodnik i dziennikarz „Gazety Wyborczej”, jeden z bohaterów filmu.
„To tylko jedzenie?”, najnowsza produkcja Green REV Institute – twórców nagradzanej „Katastrofy na talerzu” – pokazuje, że sposób, w jaki produkujemy żywność, może wyglądać inaczej i stawia fundamentalne pytanie: czy jedzenie może być czymś więcej niż posiłkiem?
Bohaterowie i bohaterki filmu przedstawiają różne perspektywy. Dr hab. Mariusz Jaworski wyjaśnia, jak nasze wybory żywieniowe wpływają na zdrowie i psychikę, a Adam Wajrak pokazuje konsekwencje przemysłowej hodowli dla przyrody. Rolnicy ekologiczni, tacy jak Marcin Jeziak czy Patrycja i Edgar z „Chodź na pole”, dzielą się doświadczeniem w uprawie warzyw i prowadzeniu zrównoważonego gospodarstwa. Anna Chęć i Lesława Grabowska przybliżają lokalne inicjatywy społeczne i kulinarne promujące roślinne jedzenie, a Nina Mężyk pokazuje, jak styl życia i dieta mogą wspierać profilaktykę chorób nowotworowych.
Te dziewiętnaście głosów ukazuje, że jedzenie to nie tylko codzienny posiłek – to wybór, który kształtuje nasze relacje z naturą, społecznością i samym sobą. Każdy posiłek może stać się aktem etycznym, świadomym i pełnym szacunku.
– "Wszystko może być rytuałem. Gotowanie także. Nieważne, czy zajmuje 5 minut, 50 czy 5 godzin. Jak długo jemy – to też jest ważne. Jeżeli jesteśmy tu i teraz w tym jedzeniu, jeżeli nie scrollujemy, a skupiamy się na smakach i strukturach, skupiamy się na sobie. To jest miejsce, w którym możemy porozmawiać. Nie da się kłócić przy jedzeniu – przekonuje Klaudia z „Komu hummus?”."
„To tylko jedzenie?” to opowieść o tym, jak nasze codzienne wybory przy stole mogą budować bardziej sprawiedliwy i odpowiedzialny system żywnościowy – dla nas i dla środowiska.
Produkcja: Green REV Institute, 2025
Film powstał przy wsparciu Healthy Food Healthy Planet
Matronat i partnerstwo: Bezpieczna Żywność, Krytyka Polityczna, Radio Nowy Świat, Fundacja Rak’n’Roll, Śląska Opinia, Klub Myśli Ekologicznej
Program:
19:00 – 19:40 – Dyskusja o globalnym systemie żywnościowym, jego konsekwencjach oraz o
sprawiedliwej transformacji (prof. Piotr Skubała, Anna Spurek – Green REV Institute,
Karolina Skórka – BoMiasto)
19:40 – 20:20 – Projekcja filmu „To tylko jedzenie?”
20:20 – 21:00 – Luźne rozmowy przy roślinnym poczęstunku
Poczęstunek zapewnia Heat Katowice
Wielka Sztuka w Kinoteatrze Rialto - Canaletto i sztuka Wenecji
„Zaproszono cię do Pałacu Buckingham” – to zdanie zelektryzuje każdego. – tak o swojej przygodzie z filmem Canaletto i sztuka Wenecji opowiada jego reżyser David Bickerstaff.
Autor wcześniej nie zwiedzał Pałacu Buckingham i Zamku Windsor, choć jest Brytyjczykiem i dzięki pracy nad filmem inspirowanym przekrojową wystawą dzieł Canaletta zgromadzonych w królewskiej galerii stwierdził, że pokazać trzeba nie tylko rysunki i obrazy mistrza, ale i same pałace. Dlatego też w tym dokumencie mieszają się wnętrza londyńskich zamków królewskich i widoki Włoch, a szczególnie Wenecji, w której żył i tworzył Giovanni Antonio Canal (wł. ‘kanał’), znanego lepiej jako Canaletto (wł. ‘kanalik’). Artysta zasłynął przede wszystkim jako „portrecista” swego rodzinnego miasta, ale dzięki śledztwu z kamerą, jakiego dokonał David Bickerstaff okazuje się, że malarz nie odtwarzał wiernie widoków, ale pędzlem pisał własną historię miasta. Wraz z reżyserem przechadzamy się po placach Wenecji od mostu Rialto po Piazza San Marco i Palazzo Ducale do kościoła Santi Giovannie Paolo, by następnie wysłuchać komentarzy dwóch wspaniałych kuratorów londyńskiej wystawy Lucy Whitaker i Rosie Razzall. Wszystko to ma służyć odpowiedzi na pytanie, jakie zawsze stawia sobie reżyser: dlaczego właśnie Canaletto, dlaczego akurat w Wenecji, która wydała tak wielu wybitnych artystów. Co sprawia, że tam rodzą się i dojrzewają tak wyjątkowi twórcy? Polscy widzowie słusznie skojarzą nazwisko artysty z malarzem Bernardo Bellotto, także zwanym Canaletto, który uwieczniał widoki Warszawy za czasów króla Stanisława Augusta. Był to siostrzeniec i uczeń weneckiego artysty.
Autor wcześniej nie zwiedzał Pałacu Buckingham i Zamku Windsor, choć jest Brytyjczykiem i dzięki pracy nad filmem inspirowanym przekrojową wystawą dzieł Canaletta zgromadzonych w królewskiej galerii stwierdził, że pokazać trzeba nie tylko rysunki i obrazy mistrza, ale i same pałace. Dlatego też w tym dokumencie mieszają się wnętrza londyńskich zamków królewskich i widoki Włoch, a szczególnie Wenecji, w której żył i tworzył Giovanni Antonio Canal (wł. ‘kanał’), znanego lepiej jako Canaletto (wł. ‘kanalik’). Artysta zasłynął przede wszystkim jako „portrecista” swego rodzinnego miasta, ale dzięki śledztwu z kamerą, jakiego dokonał David Bickerstaff okazuje się, że malarz nie odtwarzał wiernie widoków, ale pędzlem pisał własną historię miasta. Wraz z reżyserem przechadzamy się po placach Wenecji od mostu Rialto po Piazza San Marco i Palazzo Ducale do kościoła Santi Giovannie Paolo, by następnie wysłuchać komentarzy dwóch wspaniałych kuratorów londyńskiej wystawy Lucy Whitaker i Rosie Razzall. Wszystko to ma służyć odpowiedzi na pytanie, jakie zawsze stawia sobie reżyser: dlaczego właśnie Canaletto, dlaczego akurat w Wenecji, która wydała tak wielu wybitnych artystów. Co sprawia, że tam rodzą się i dojrzewają tak wyjątkowi twórcy? Polscy widzowie słusznie skojarzą nazwisko artysty z malarzem Bernardo Bellotto, także zwanym Canaletto, który uwieczniał widoki Warszawy za czasów króla Stanisława Augusta. Był to siostrzeniec i uczeń weneckiego artysty.
Wielka Sztuka w Kinoteatrze Rialto - Caravaggio: na tropie arcydzieła
„Caravaggio: Na tropie arcydzieła” to trzymający w napięciu dokumentalny thriller o sztuce, obsesji i pościgu za arcydziełem. W centrum jego akcji znajduje się historia o cudownie odnalezionym dziele Caravaggia „Ecce Homo”.
W kwietniu 2021 roku dom aukcyjny Ansorena w Madrycie wystawił obraz zatytułowany „Ecce Homo” z ceną wywoławczą 1500 euro. Autor dzieła pozostawał nieznany – do czasu. W ciągu kilkunastu godzin eksperci z Hiszpanii i Włoch rozpoznali w nim zaginione dzieło Caravaggia, mistrza baroku. Obraz został natychmiast wycofany z aukcji, a eksperci, marszandzi i kolekcjonerzy ruszyli do gry, oferując zawrotne sumy. Jednak wkrótce pojawiły się również głosy kwestionujące autentyczność obrazu i uczciwość rzeczoznawców. Jak poznać prawdę, gdy w grę wchodzą duże pieniądze?
Zrealizowany z napięciem godnym kina sensacyjnego dokument Alvaro Longorii (producent filmu „Wszyscy wiedzą”) odsłania kulisy rynku sztuki, potęgi przypadku i fascynujących losów arcydzieł, które znikają i powracają jak duchy przeszłości. Jednocześnie zapoznaje widza z niezwykłym warsztatem i twórczością Caravaggia. Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), wielki reformator malarstwa europejskiego, jest jedną z najbardziej tajemniczych i fascynujących postaci historii sztuki. Był bezkompromisowy zarówno w podejściu do sztuki, jak i życia. Zerwanie z idealizowaniem formy na rzecz naturalizmu i dramatyzmu, posługiwanie się mocnym światłocieniem, kontrastami barwnymi czy zbliżeniami oburzało zwolenników klasycznego stylu, jednocześnie inspirując młodych artystów z całej Europy. Ogromne zainteresowanie, jakim cieszy się do dziś, wynika nie tylko z jego przełomowej techniki, ale także burzliwego i obfitującego w skandale życia. Skazano go na śmierć za zabójstwo, aresztowano i osadzono w więzieniu za udział w pobiciu, sam też przeżył zamach na swoje życie z rąk nieustalonego sprawcy.
„Caravaggio: Na tropie arcydzieła” to gratka nie tylko dla fanów malarstwa barokowego, osób zainteresowanych kulisami działania rynku sztuki, ale także dla tych, którzy lubią soczyste kryminały o obrazach lub ich podróbkach, jak „Plan prawie doskonały”, „Koneser”, czy „Vinci”. Ten dokument ogląda się jak dobry thriller!
W kwietniu 2021 roku dom aukcyjny Ansorena w Madrycie wystawił obraz zatytułowany „Ecce Homo” z ceną wywoławczą 1500 euro. Autor dzieła pozostawał nieznany – do czasu. W ciągu kilkunastu godzin eksperci z Hiszpanii i Włoch rozpoznali w nim zaginione dzieło Caravaggia, mistrza baroku. Obraz został natychmiast wycofany z aukcji, a eksperci, marszandzi i kolekcjonerzy ruszyli do gry, oferując zawrotne sumy. Jednak wkrótce pojawiły się również głosy kwestionujące autentyczność obrazu i uczciwość rzeczoznawców. Jak poznać prawdę, gdy w grę wchodzą duże pieniądze?
Zrealizowany z napięciem godnym kina sensacyjnego dokument Alvaro Longorii (producent filmu „Wszyscy wiedzą”) odsłania kulisy rynku sztuki, potęgi przypadku i fascynujących losów arcydzieł, które znikają i powracają jak duchy przeszłości. Jednocześnie zapoznaje widza z niezwykłym warsztatem i twórczością Caravaggia. Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), wielki reformator malarstwa europejskiego, jest jedną z najbardziej tajemniczych i fascynujących postaci historii sztuki. Był bezkompromisowy zarówno w podejściu do sztuki, jak i życia. Zerwanie z idealizowaniem formy na rzecz naturalizmu i dramatyzmu, posługiwanie się mocnym światłocieniem, kontrastami barwnymi czy zbliżeniami oburzało zwolenników klasycznego stylu, jednocześnie inspirując młodych artystów z całej Europy. Ogromne zainteresowanie, jakim cieszy się do dziś, wynika nie tylko z jego przełomowej techniki, ale także burzliwego i obfitującego w skandale życia. Skazano go na śmierć za zabójstwo, aresztowano i osadzono w więzieniu za udział w pobiciu, sam też przeżył zamach na swoje życie z rąk nieustalonego sprawcy.
„Caravaggio: Na tropie arcydzieła” to gratka nie tylko dla fanów malarstwa barokowego, osób zainteresowanych kulisami działania rynku sztuki, ale także dla tych, którzy lubią soczyste kryminały o obrazach lub ich podróbkach, jak „Plan prawie doskonały”, „Koneser”, czy „Vinci”. Ten dokument ogląda się jak dobry thriller!
Wielka Sztuka w Kinoteatrze Rialto - Manet. Portrecista życia
Ta głośna wystawa w Royal Academy of Arts była pierwszą w historii tak pełną retrospektywą poświęconą sztuce portretowej Édouarda Maneta. W Londynie zgromadzono z tej okazji prace malarza z muzeów i kolekcji prywatnych z całej Europy, Azji i USA. Portrety Maneta nigdy nie zostały zbadane i zaprezentowane w formie monograficznej wystawy, mimo że stanowią około połowy jego twórczości. Artysta malował wizerunki członków rodziny, przyjaciół, znanych literatów, działaczy politycznych i inne sławy tamtych czasów, portretując tym samym nie tylko zamawiających, ale i ówczesne społeczeństwo. Wystawa składała się z ponad 50 prac; w tym portretów najmożniejszego mecenasa malarza, jego żony Suzanne Leenhoff, luminarzy literatury: Antonina Prousta, Émila Zoli i Stéphane’a Mallarmé. Portretowani często pojawiają się w trakcie wykonywania czynności z życia codziennego, co wskazuje na nowoczesne myślenie Maneta o portrecie pod wpływem fotografii portretowej. Film ukazuje także zakulisowe przygotowania do prezentacji wystawy, które normalnie pozostają niewidoczne dla publiczności, a także ciekawostki z życia Maneta i XIX-wiecznego Paryża.
Wielka Sztuka w Kinoteatrze Rialto - Prawdziwa historia Tamary Łempickiej
Prawdziwa historia Tamary Łempickiej to wizualnie oszałamiający pełnometrażowy film dokumentalny, który śledzi życie i walkę o przetrwanie słynnej malarki poprzez jej pełne mocy dzieła sztuki. Dzięki przełomowym, nigdy wcześniej niepokazywanym filmom z domowego archiwum na taśmie 8 mm oraz nowo odkrytym aktom urodzenia i chrztu, film po raz pierwszy ujawnia jej prawdziwe imię, pochodzenie i tożsamość, zmieniając historię sztuki.
Opowieść obejmuje jej drogę do międzynarodowej sławy w Paryżu lat 20., ucieczkę przed faszyzmem do Stanów Zjednoczonych w 1940 roku oraz jej współczesne odrodzenie na rynku sztuki. Ta niezwykła uchodźczyni wielokrotnie na nowo definiowała siebie w czasie dwóch wojen, ucieleśniając talent, odporność, pasję i nieustanne dążenie do artystycznej wolności pomimo okrucieństw, których doświadczyła. Ta biseksualna, żydowska artystka miała wolę, by być wielką i by być dostrzeganą w świecie, który nie zawsze chciał ją widzieć.
Opowieść obejmuje jej drogę do międzynarodowej sławy w Paryżu lat 20., ucieczkę przed faszyzmem do Stanów Zjednoczonych w 1940 roku oraz jej współczesne odrodzenie na rynku sztuki. Ta niezwykła uchodźczyni wielokrotnie na nowo definiowała siebie w czasie dwóch wojen, ucieleśniając talent, odporność, pasję i nieustanne dążenie do artystycznej wolności pomimo okrucieństw, których doświadczyła. Ta biseksualna, żydowska artystka miała wolę, by być wielką i by być dostrzeganą w świecie, który nie zawsze chciał ją widzieć.
Wielka Sztuka w Kinoteatrze Rialto - Velázquez i jego tajemnica
Diego Velázquez – mistrz pełnego przepychu baroku, który na obrazach nie bał się pustki, osobisty malarz króla, który portretował lud, artysta zajmujący wysokie stanowiska w królewskiej administracji, autor jednych z najbardziej zagadkowych dzieł w historii sztuki. A przede wszystkim prekursor nowoczesnego malarstwa. Jego dzieła budziły zachwyt Édouarda Maneta, Pabla Picassa, Francisa Bacona czy Salvadora Dalego. Ten ostatni z autoportretów idola pożyczył nawet charakterystyczne wąsy, które stały się jego znakiem rozpoznawczym. „Velázquez i jego tajemnica” dowodzi wpływu, jaki Velázquez wywarł na wiele pokoleń twórców, przybliża pełną ukrytych znaczeń twórczość Hiszpana, próbuje zbliżyć się do tajemnicy jego geniuszu.
Prace tego najważniejszego – obok Caravaggia i Goi – europejskiego malarza znajdują się w najwspanialszych światowych kolekcjach. Wraz z twórcami filmu „Velázquez i jego tajemnica” przemierzamy więc sale Musée d'Orsay, Prado, Metropolitan Museum of Art, a kuratorzy, artyści, konserwatorzy, historycy objaśniają fenomen artysty. W centrum tej opowieści znajdują się słynne „Panny dworskie", obraz, który zachwyca niezwykłą perspektywą, kunsztowną kompozycją, fenomenalną techniką i po dziś dzień wymyka się interpretacjom. Wielu wciąż poszukuje tego, co zobaczył Velázquez – tak o zagadkowym arcydziele mówią twórcy filmu.
Ale „Velázquez i jego tajemnica” to nie tylko dzieła i eksperci, ale także wydobyte z telewizyjnych archiwów unikatowe, zaskakujące nagrania, w których o namiętności do Velázqueza opowiadają m.in. Dali, Bacon czy filozof Michel Foucault. Jednym z bohaterów dokumentu jest także Julian Schnabel. I dla każdego z nich Hiszpan pozostawał artystą na wskroś współczesnym.
Prace tego najważniejszego – obok Caravaggia i Goi – europejskiego malarza znajdują się w najwspanialszych światowych kolekcjach. Wraz z twórcami filmu „Velázquez i jego tajemnica” przemierzamy więc sale Musée d'Orsay, Prado, Metropolitan Museum of Art, a kuratorzy, artyści, konserwatorzy, historycy objaśniają fenomen artysty. W centrum tej opowieści znajdują się słynne „Panny dworskie", obraz, który zachwyca niezwykłą perspektywą, kunsztowną kompozycją, fenomenalną techniką i po dziś dzień wymyka się interpretacjom. Wielu wciąż poszukuje tego, co zobaczył Velázquez – tak o zagadkowym arcydziele mówią twórcy filmu.
Ale „Velázquez i jego tajemnica” to nie tylko dzieła i eksperci, ale także wydobyte z telewizyjnych archiwów unikatowe, zaskakujące nagrania, w których o namiętności do Velázqueza opowiadają m.in. Dali, Bacon czy filozof Michel Foucault. Jednym z bohaterów dokumentu jest także Julian Schnabel. I dla każdego z nich Hiszpan pozostawał artystą na wskroś współczesnym.
Wielka Sztuka w Kinoteatrze Rialto - Vermeer i muzyka. Sztuka miłości i odpoczynku
Przypominamy bestsellerowy film z 2013 roku, który dokumentuje wystawę zorganizowaną przez The National Gallery w Londynie. Zaproponowała ona nowe spojrzenie na jednego z najbardziej zaskakujących i ciekawych artystów w historii – Johannesa Vermeera, autora Dziewczyny z perłą. Galeria Narodowa zdecydowała skupić się na relacji Vermeera z muzyką. Jest to jeden z najbardziej popularnych tematów malarstwa niderlandzkiego i wiele mówi – poprzez ukazanych modeli – o ówczesnym społeczeństwie.
Nowe badania, dokonane przy okazji tej wystawy, pokazały, jak zmieniająca się technika malarska i materiały wpływały na dzieła Vermeera. Narrator Tim Marlow wykracza poza ramy samej wystawy, by opowiedzieć historię życia Vermeera i przy okazji omówić szczegółowo wiele innych urzekających dzieł artysty. Dla widzów, których zachwycił film fabularny Dziewczyna z perłą z 2003 roku z udziałem Colina Firtha i Scarlett Johansson, to okazja do pogłębienia swojej fascynacji życiem i twórczością Vermeera.
Nowe badania, dokonane przy okazji tej wystawy, pokazały, jak zmieniająca się technika malarska i materiały wpływały na dzieła Vermeera. Narrator Tim Marlow wykracza poza ramy samej wystawy, by opowiedzieć historię życia Vermeera i przy okazji omówić szczegółowo wiele innych urzekających dzieł artysty. Dla widzów, których zachwycił film fabularny Dziewczyna z perłą z 2003 roku z udziałem Colina Firtha i Scarlett Johansson, to okazja do pogłębienia swojej fascynacji życiem i twórczością Vermeera.