Ana Laíns - nie tylko fado. Koncert muzyki portugalskiej
Ana Laíns – śpiew, adufe
António Santos – pianino
Bruno Chaveiro – gitara portugalska
Carlos Lopes – akordeon
Po siedmiu latach, na zaproszenie Stowarzyszenia Miłośników Portugalii „My Lisbon Story”, do Katowic powraca jedna z najbardziej cenionych ambasadorek portugalskiej kultury muzycznej – Ana Laíns. Artystka wystąpi 14 listopada, aby ponownie zachwycić publiczność swoim niezwykłym głosem, pełnym emocji repertuarem oraz wyjątkową interpretacją portugalskich pieśni.
Dla śląskiej publiczności będzie to szczególne wydarzenie. Pierwszy koncert Any Laíns w Katowicach odbył się 9 listopada 2018 roku i pozostawił po sobie niezapomniane wspomnienia. Teraz, po latach, artystka wraca do miasta, aby ponownie podzielić się swoją muzyczną wrażliwością, łącząc tradycję portugalskiego fado z autorskim stylem i współczesnym brzmieniem.
Koncert będzie okazją do spotkania z muzyką pełną pasji, nostalgii i południowego ciepła. Ana Laíns od lat zdobywa uznanie zarówno w Portugalii, jak i na międzynarodowych scenach, urzekając słuchaczy autentycznością oraz niezwykłą siłą przekazu.
14 listopada Katowice ponownie zabrzmią portugalską duszą. To wieczór, którego nie mogą przegapić miłośnicy muzyki świata, fado oraz wszyscy ci, którzy pragną przeżyć wyjątkową artystyczną podróż.
António Santos – pianino
Bruno Chaveiro – gitara portugalska
Carlos Lopes – akordeon
Po siedmiu latach, na zaproszenie Stowarzyszenia Miłośników Portugalii „My Lisbon Story”, do Katowic powraca jedna z najbardziej cenionych ambasadorek portugalskiej kultury muzycznej – Ana Laíns. Artystka wystąpi 14 listopada, aby ponownie zachwycić publiczność swoim niezwykłym głosem, pełnym emocji repertuarem oraz wyjątkową interpretacją portugalskich pieśni.
Dla śląskiej publiczności będzie to szczególne wydarzenie. Pierwszy koncert Any Laíns w Katowicach odbył się 9 listopada 2018 roku i pozostawił po sobie niezapomniane wspomnienia. Teraz, po latach, artystka wraca do miasta, aby ponownie podzielić się swoją muzyczną wrażliwością, łącząc tradycję portugalskiego fado z autorskim stylem i współczesnym brzmieniem.
Koncert będzie okazją do spotkania z muzyką pełną pasji, nostalgii i południowego ciepła. Ana Laíns od lat zdobywa uznanie zarówno w Portugalii, jak i na międzynarodowych scenach, urzekając słuchaczy autentycznością oraz niezwykłą siłą przekazu.
14 listopada Katowice ponownie zabrzmią portugalską duszą. To wieczór, którego nie mogą przegapić miłośnicy muzyki świata, fado oraz wszyscy ci, którzy pragną przeżyć wyjątkową artystyczną podróż.
Ars Independent Festival 2026: "Mechaniczna pomarańcza" - film + kolacja
Coś dla ducha i ciała, czyli filmowo-kulinarne wydarzenie specjalne festiwalu. W tym roku stawiamy sprawę na ostrzu noża. Zobaczymy kultową „Mechaniczną pomarańczę” Stanley’a Kubricka. Seans uzupełni wyjątkowe, inspirowane filmem autorskie menu wegańskie przygotowane specjalnie dla widzów Arsa przez Miłosza Rybę Kaszowskiego - kucharza, szefa kuchni i restauratora, zafascynowanego kuchnią bezmięsną, współwłaściciela lokalnych konceptów gastronomicznych w Gliwicach, miłośnika punk rocka i piłki nożnej.
Po seansie z kucharzem porozmawia Kaja Szafrańska z kanału YouTube jakbyniepaczec.
Możecie spodziewać się rzeczy dziwnych, soczystych i niekoniecznie zgodnych z dobrymi manierami.
MENU:
Przystawka:
scorzonera / kalafior / kolendra
Danie główne:
red curry / ryż / jackfruit / tofu / pomelo
edamame / gochugaru / ananas
corndog / pszenica / gorczyca / pomidor
kapusta pekinska / ziemniak / kimchi / ciecierzyca
orzech / miso / dynia / shiitake
Deser:
pomarańcza / tofu / pszenica
Alergeny: soja, gluten, gorczyca, sezam, miso, shiitake, orzechy ziemne, dynia
MECHANICZNA POMARAŃCZA | A CLOCKWORK ORANGE
reż. Stanley Kubrick | USA, Wielka Brytania 1971 | 136 min
Przewrotny i wstrząsający dramat science fiction na podstawie powieści Anthony’ego Burgessa o tym samym tytule. Wielka Brytania przyszłości. Grupa chuliganów terroryzuje mieszkańców, dokonując wykroczeń i zbrodni. Kiedy jej lider, rozkochany w Beethovenie Alex, zostaje skazany za zabójstwo, dostaje niecodzienną ofertę eksperymentalnej terapii, która ma uczynić z niego porządnego obywatela brzydzącego się przemocą.
WAŻNE!
Osoby posiadające karnet proszone są o punktualne przybycie na pokazy i wydarzenia. Miejsca w sali są nienumerowane i przydzielane na podstawie kolejności osób przybywających na wydarzenie. W przypadku wyczerpania puli miejsc, karnet nie upoważnia do wstępu na pokaz/wydarzenie. O puli miejsc w każdym miejscu festiwalowym decyduje Współorganizator.
UWAGA! Filmy, animacje, wideoklipy, gry komputerowe prezentowane w ramach festiwalu mogą zawierać treści i obrazy wywołujące dyskomfort (m.in. przemoc, przemoc seksualna, przemoc słowna, nagość). Sekwencje z migotaniem mogą wpłynąć na osoby wrażliwe na światło. Niektóre filmy i wydarzenia zawierają intensywne efekty dźwiękowe.
------------------
ARS INDEPENDENT FESTIVAL
Multimedialny i popkulturowy festiwal filmu, animacji, wideoklipu i gier wideo. Pod banderą Czarnego Konia - symbolu nieoczekiwanego zwycięzcy, nawiązaniu do protofilmowego eksperymentu szalonego Eadwearda Muybridge’a, ironicznym komentarzu wobec złotej fauny nagród filmowych, czy odwołaniu do górniczego dziedzictwa Górnego Śląska.
Tegoroczna odsłona Ars Independent Festival odbędzie się w dniach 2-11 października. Na pokazy filmowe i wydarzenia organizatorzy zapraszają do katowickich kin: Kina Światowid i Kinoteatru Rialto oraz do Piątego Domu i Drzwi Zwanych Koniem. W ramach festiwalu zaplanowano cztery sekcje programowe: film, animacja, gry wideo i teledyski. Ponadto: wydarzenia i sekcje specjalne, koncerty, spotkania i dyskusje z twórcami.
Ars Independent Festival istnieje od 2011 roku, od 2024 organizowany jest wspólnie przez instytucję kultury Katowice Miasto Ogrodów oraz Instytucję Filmową Silesia Film w Katowicach.
www.arsindependent.pl
Po seansie z kucharzem porozmawia Kaja Szafrańska z kanału YouTube jakbyniepaczec.
Możecie spodziewać się rzeczy dziwnych, soczystych i niekoniecznie zgodnych z dobrymi manierami.
MENU:
Przystawka:
scorzonera / kalafior / kolendra
Danie główne:
red curry / ryż / jackfruit / tofu / pomelo
edamame / gochugaru / ananas
corndog / pszenica / gorczyca / pomidor
kapusta pekinska / ziemniak / kimchi / ciecierzyca
orzech / miso / dynia / shiitake
Deser:
pomarańcza / tofu / pszenica
Alergeny: soja, gluten, gorczyca, sezam, miso, shiitake, orzechy ziemne, dynia
MECHANICZNA POMARAŃCZA | A CLOCKWORK ORANGE
reż. Stanley Kubrick | USA, Wielka Brytania 1971 | 136 min
Przewrotny i wstrząsający dramat science fiction na podstawie powieści Anthony’ego Burgessa o tym samym tytule. Wielka Brytania przyszłości. Grupa chuliganów terroryzuje mieszkańców, dokonując wykroczeń i zbrodni. Kiedy jej lider, rozkochany w Beethovenie Alex, zostaje skazany za zabójstwo, dostaje niecodzienną ofertę eksperymentalnej terapii, która ma uczynić z niego porządnego obywatela brzydzącego się przemocą.
WAŻNE!
Osoby posiadające karnet proszone są o punktualne przybycie na pokazy i wydarzenia. Miejsca w sali są nienumerowane i przydzielane na podstawie kolejności osób przybywających na wydarzenie. W przypadku wyczerpania puli miejsc, karnet nie upoważnia do wstępu na pokaz/wydarzenie. O puli miejsc w każdym miejscu festiwalowym decyduje Współorganizator.
UWAGA! Filmy, animacje, wideoklipy, gry komputerowe prezentowane w ramach festiwalu mogą zawierać treści i obrazy wywołujące dyskomfort (m.in. przemoc, przemoc seksualna, przemoc słowna, nagość). Sekwencje z migotaniem mogą wpłynąć na osoby wrażliwe na światło. Niektóre filmy i wydarzenia zawierają intensywne efekty dźwiękowe.
------------------
ARS INDEPENDENT FESTIVAL
Multimedialny i popkulturowy festiwal filmu, animacji, wideoklipu i gier wideo. Pod banderą Czarnego Konia - symbolu nieoczekiwanego zwycięzcy, nawiązaniu do protofilmowego eksperymentu szalonego Eadwearda Muybridge’a, ironicznym komentarzu wobec złotej fauny nagród filmowych, czy odwołaniu do górniczego dziedzictwa Górnego Śląska.
Tegoroczna odsłona Ars Independent Festival odbędzie się w dniach 2-11 października. Na pokazy filmowe i wydarzenia organizatorzy zapraszają do katowickich kin: Kina Światowid i Kinoteatru Rialto oraz do Piątego Domu i Drzwi Zwanych Koniem. W ramach festiwalu zaplanowano cztery sekcje programowe: film, animacja, gry wideo i teledyski. Ponadto: wydarzenia i sekcje specjalne, koncerty, spotkania i dyskusje z twórcami.
Ars Independent Festival istnieje od 2011 roku, od 2024 organizowany jest wspólnie przez instytucję kultury Katowice Miasto Ogrodów oraz Instytucję Filmową Silesia Film w Katowicach.
www.arsindependent.pl
Ars Independent Festival 2026: Gala otwarcia + "Czarna godzina"
Tegoroczną edycję Ars Independent Festival otworzymy pokazem filmu „Czarna godzina" - przewrotnej tragikomedii z musicalowym sznytem w reżyserii Filipa Bojarskiego. Po seansie zapraszamy na rozmowę z reżyserem.
CZARNA GODZINA | DARK HOUR
reż. Filip Bojarski | Polska 2026 | 75 min
Ada i Ewa, zakochane w sobie młode nauczycielki, dowiadują się, że blok, w którym mieszkają, zostanie wyburzony. Nie chcąc wracać pod skrzydła rodziny, mimo braku oszczędności i perspektyw, ruszają na poszukiwania nowego lokum. Stawką jest nie tylko dach nad głową, ale także możliwość wspólnego, niezależnego życia. Ich wędrówka przez miasto zamienia się w pełną absurdów i niespodzianek odyseję, podczas której spotykają innych mieszkańców zmagających się z kryzysem mieszkaniowym. W świecie pełnym niepewności próbują ocalić poczucie humoru – i swoją relację.
Filip Bojarski - urodzony w 1990 roku w Wadowicach. Reżyser i scenarzysta filmów krótkometrażowych oraz teledysków prezentowanych i nagradzanych na polskich i międzynarodowych festiwalach filmowych. Absolwent Reżyserii w Szkole Filmowej w Łodzi, „Czarna godzina” jest jego pełnometrażowym debiutem.
WAŻNE!
Osoby posiadające karnet proszone są o punktualne przybycie na pokazy i wydarzenia. Miejsca w sali są nienumerowane i przydzielane na podstawie kolejności osób przybywających na wydarzenie. W przypadku wyczerpania puli miejsc, karnet nie upoważnia do wstępu na pokaz/wydarzenie. O puli miejsc w każdym miejscu festiwalowym decyduje Współorganizator.
UWAGA! Filmy, animacje, wideoklipy, gry komputerowe prezentowane w ramach festiwalu mogą zawierać treści i obrazy wywołujące dyskomfort (m.in. przemoc, przemoc seksualna, przemoc słowna, nagość). Sekwencje z migotaniem mogą wpłynąć na osoby wrażliwe na światło. Niektóre filmy i wydarzenia zawierają intensywne efekty dźwiękowe.
------------------
ARS INDEPENDENT FESTIVAL
Multimedialny i popkulturowy festiwal filmu, animacji, wideoklipu i gier wideo. Pod banderą Czarnego Konia - symbolu nieoczekiwanego zwycięzcy, nawiązaniu do protofilmowego eksperymentu szalonego Eadwearda Muybridge’a, ironicznym komentarzu wobec złotej fauny nagród filmowych, czy odwołaniu do górniczego dziedzictwa Górnego Śląska.
Tegoroczna odsłona Ars Independent Festival odbędzie się w dniach 2-11 października. Na pokazy filmowe i wydarzenia organizatorzy zapraszają do katowickich kin: Kina Światowid i Kinoteatru Rialto oraz do Piątego Domu i Drzwi Zwanych Koniem. W ramach festiwalu zaplanowano cztery sekcje programowe: film, animacja, gry wideo i teledyski. Ponadto: wydarzenia i sekcje specjalne, koncerty, spotkania i dyskusje z twórcami.
Ars Independent Festival istnieje od 2011 roku, od 2024 organizowany jest wspólnie przez instytucję kultury Katowice Miasto Ogrodów oraz Instytucję Filmową Silesia Film w Katowicach.
www.arsindependent.pl
CZARNA GODZINA | DARK HOUR
reż. Filip Bojarski | Polska 2026 | 75 min
Ada i Ewa, zakochane w sobie młode nauczycielki, dowiadują się, że blok, w którym mieszkają, zostanie wyburzony. Nie chcąc wracać pod skrzydła rodziny, mimo braku oszczędności i perspektyw, ruszają na poszukiwania nowego lokum. Stawką jest nie tylko dach nad głową, ale także możliwość wspólnego, niezależnego życia. Ich wędrówka przez miasto zamienia się w pełną absurdów i niespodzianek odyseję, podczas której spotykają innych mieszkańców zmagających się z kryzysem mieszkaniowym. W świecie pełnym niepewności próbują ocalić poczucie humoru – i swoją relację.
Filip Bojarski - urodzony w 1990 roku w Wadowicach. Reżyser i scenarzysta filmów krótkometrażowych oraz teledysków prezentowanych i nagradzanych na polskich i międzynarodowych festiwalach filmowych. Absolwent Reżyserii w Szkole Filmowej w Łodzi, „Czarna godzina” jest jego pełnometrażowym debiutem.
WAŻNE!
Osoby posiadające karnet proszone są o punktualne przybycie na pokazy i wydarzenia. Miejsca w sali są nienumerowane i przydzielane na podstawie kolejności osób przybywających na wydarzenie. W przypadku wyczerpania puli miejsc, karnet nie upoważnia do wstępu na pokaz/wydarzenie. O puli miejsc w każdym miejscu festiwalowym decyduje Współorganizator.
UWAGA! Filmy, animacje, wideoklipy, gry komputerowe prezentowane w ramach festiwalu mogą zawierać treści i obrazy wywołujące dyskomfort (m.in. przemoc, przemoc seksualna, przemoc słowna, nagość). Sekwencje z migotaniem mogą wpłynąć na osoby wrażliwe na światło. Niektóre filmy i wydarzenia zawierają intensywne efekty dźwiękowe.
------------------
ARS INDEPENDENT FESTIVAL
Multimedialny i popkulturowy festiwal filmu, animacji, wideoklipu i gier wideo. Pod banderą Czarnego Konia - symbolu nieoczekiwanego zwycięzcy, nawiązaniu do protofilmowego eksperymentu szalonego Eadwearda Muybridge’a, ironicznym komentarzu wobec złotej fauny nagród filmowych, czy odwołaniu do górniczego dziedzictwa Górnego Śląska.
Tegoroczna odsłona Ars Independent Festival odbędzie się w dniach 2-11 października. Na pokazy filmowe i wydarzenia organizatorzy zapraszają do katowickich kin: Kina Światowid i Kinoteatru Rialto oraz do Piątego Domu i Drzwi Zwanych Koniem. W ramach festiwalu zaplanowano cztery sekcje programowe: film, animacja, gry wideo i teledyski. Ponadto: wydarzenia i sekcje specjalne, koncerty, spotkania i dyskusje z twórcami.
Ars Independent Festival istnieje od 2011 roku, od 2024 organizowany jest wspólnie przez instytucję kultury Katowice Miasto Ogrodów oraz Instytucję Filmową Silesia Film w Katowicach.
www.arsindependent.pl
Dawno temu w kinie - Ada! To nie wypada!
Ada Dziewanowska to żywiołowa, pełna temperamentu i muzycznego talentu dziewczyna, która za nic ma dobre maniery i spokojne życie ziemiańskiej córki. Zdesperowany ojciec wysyła ją na pensję do Krakowa, licząc, że internat nauczy ją ogłady i dyscypliny.
Ada szybko jednak udowadnia, że nie tak łatwo ją utemperować. Tajne występy w operetce, niespodziewane spotkanie z młodym Fredem Orzelskim, rodzące się uczucie i małżeńskie plany rodziców prowadzą do serii zabawnych perypetii i nieporozumień.
Pełna uroku, humoru i muzyki historia o niesfornej dziewczynie, która postanawia żyć po swojemu – i o miłości, której nie da się zaplanować… nawet jeśli rodzice już dawno to zrobili!
----------------
Szczegóły: Mariusz Ciszewski
e-mail: edukacja@rialto.katowice.pl, tel.: 696 437 474.
Ada szybko jednak udowadnia, że nie tak łatwo ją utemperować. Tajne występy w operetce, niespodziewane spotkanie z młodym Fredem Orzelskim, rodzące się uczucie i małżeńskie plany rodziców prowadzą do serii zabawnych perypetii i nieporozumień.
Pełna uroku, humoru i muzyki historia o niesfornej dziewczynie, która postanawia żyć po swojemu – i o miłości, której nie da się zaplanować… nawet jeśli rodzice już dawno to zrobili!
----------------
Szczegóły: Mariusz Ciszewski
e-mail: edukacja@rialto.katowice.pl, tel.: 696 437 474.
Dawno temu w kinie - Piętro wyżej
Dwa mieszkania, dwóch skłóconych sąsiadów i pomyłka, która wywróci ich świat do góry nogami!
Hipolit Pączek, właściciel warszawskiej kamienicy, od lat toczy wojnę z mieszkającym piętro wyżej Henrykiem – młodym, przystojnym spikerem radiowym. Wszystko zmienia się, gdy do miasta przyjeżdża Lodzia, bratanica Hipolita. Przez przypadek trafia jednak do mieszkania Henryka, który bierze ją za tajemniczą nieznajomą.
Kiedy prawda wychodzi na jaw, Lodzia znika, a oczarowany nią Henryk rusza na gorączkowe poszukiwania. Czy miłość okaże się silniejsza niż sąsiedzka niechęć? I jak długo można ukrywać prawdę, gdy na każdym kroku czekają kolejne zabawne nieporozumienia?
Pełna humoru, wdzięku i romantycznych perypetii komedia z udziałem największych gwiazd przedwojennego kina – Józefa Orwida, Heleny Grossówny i Eugeniusza Bodo. Klasyka, do której chce się wracać!
----------------
Szczegóły: Mariusz Ciszewski
e-mail: edukacja@rialto.katowice.pl, tel.: 696 437 474.
Hipolit Pączek, właściciel warszawskiej kamienicy, od lat toczy wojnę z mieszkającym piętro wyżej Henrykiem – młodym, przystojnym spikerem radiowym. Wszystko zmienia się, gdy do miasta przyjeżdża Lodzia, bratanica Hipolita. Przez przypadek trafia jednak do mieszkania Henryka, który bierze ją za tajemniczą nieznajomą.
Kiedy prawda wychodzi na jaw, Lodzia znika, a oczarowany nią Henryk rusza na gorączkowe poszukiwania. Czy miłość okaże się silniejsza niż sąsiedzka niechęć? I jak długo można ukrywać prawdę, gdy na każdym kroku czekają kolejne zabawne nieporozumienia?
Pełna humoru, wdzięku i romantycznych perypetii komedia z udziałem największych gwiazd przedwojennego kina – Józefa Orwida, Heleny Grossówny i Eugeniusza Bodo. Klasyka, do której chce się wracać!
----------------
Szczegóły: Mariusz Ciszewski
e-mail: edukacja@rialto.katowice.pl, tel.: 696 437 474.
Dawno temu w kinie - Przeminęło z wiatrem
„Przeminęło z wiatrem” to jeden z najbardziej ponadczasowych melodramatów w historii kina – epicka opowieść o miłości, wojnie, stracie i walce o przetrwanie. Ekranizacja bestsellerowej powieści Margaret Mitchell przenosi widzów na amerykańskie Południe ogarnięte wojną secesyjną i przedstawia losy niezapomnianej Scarlett O’Hary, w którą wciela się zachwycająca Vivien Leigh.
Scarlett jest młoda, piękna i przyzwyczajona do życia w dostatku. Jej świat rozpada się jednak wraz z wybuchem wojny. Na dodatek ukochany Ashley Wilkes poślubia inną kobietę, pozostawiając Scarlett ze złamanym sercem. Dziewczyna nie zamierza jednak łatwo się poddać. Z czasem odkrywa w sobie siłę, determinację i bezwzględność, które pozwalają jej przetrwać nawet najtrudniejsze chwile.
Na jej drodze pojawia się Rhett Butler – charyzmatyczny, niezależny i pełen uroku awanturnik, którego brawura i pewność siebie fascynują Scarlett. Ich burzliwa relacja staje się jedną z najbardziej pamiętnych historii miłosnych w dziejach kina.
Wielkie emocje, spektakularna historia i niezapomniane kreacje Vivien Leigh, Clarka Gable’a, Lesliego Howarda i Olivii de Havilland sprawiły, że „Przeminęło z wiatrem” na zawsze zapisało się w historii światowej kinematografii.
Wyjątkowa okazja, aby zobaczyć ten monumentalny klasyk filmowy, nagrodzony ośmioma Oscarami, na dużym ekranie.
Seans z przerwą.
----------------
Szczegóły: Mariusz Ciszewski
e-mail: edukacja@rialto.katowice.pl, tel.: 696 437 474.
Scarlett jest młoda, piękna i przyzwyczajona do życia w dostatku. Jej świat rozpada się jednak wraz z wybuchem wojny. Na dodatek ukochany Ashley Wilkes poślubia inną kobietę, pozostawiając Scarlett ze złamanym sercem. Dziewczyna nie zamierza jednak łatwo się poddać. Z czasem odkrywa w sobie siłę, determinację i bezwzględność, które pozwalają jej przetrwać nawet najtrudniejsze chwile.
Na jej drodze pojawia się Rhett Butler – charyzmatyczny, niezależny i pełen uroku awanturnik, którego brawura i pewność siebie fascynują Scarlett. Ich burzliwa relacja staje się jedną z najbardziej pamiętnych historii miłosnych w dziejach kina.
Wielkie emocje, spektakularna historia i niezapomniane kreacje Vivien Leigh, Clarka Gable’a, Lesliego Howarda i Olivii de Havilland sprawiły, że „Przeminęło z wiatrem” na zawsze zapisało się w historii światowej kinematografii.
Wyjątkowa okazja, aby zobaczyć ten monumentalny klasyk filmowy, nagrodzony ośmioma Oscarami, na dużym ekranie.
Seans z przerwą.
----------------
Szczegóły: Mariusz Ciszewski
e-mail: edukacja@rialto.katowice.pl, tel.: 696 437 474.
Dawno temu w kinie - Szarada
Kryminalna intryga z gwiazdami światowego kina z Audrey Hepburn i Carym Grantem w rolach głównych.
Elegancki Paryż, tajemnicze morderstwo, skradzione miliony i seria zaskakujących zwrotów akcji.
Audrey Hepburn wciela się w kobietę, która po śmierci męża odkrywa, że jego przeszłość skrywa wiele sekretów. Wkrótce na jej drodze pojawia się czarujący i tajemniczy Cary Grant. Komu może zaufać? I gdzie podziała się fortuna, której poszukują bezwzględni przestępcy?
Humor najwyższej próby, sensacja, romans i zwroty akcji podczas jednego seansu kinowego. „Szarada” to stylowy thriller komediowy w najlepszym wydaniu — pełen paryskiego uroku, błyskotliwych dialogów i niezapomnianych scen.
----------------
Szczegóły: Mariusz Ciszewski
e-mail: edukacja@rialto.katowice.pl, tel.: 696 437 474.
Elegancki Paryż, tajemnicze morderstwo, skradzione miliony i seria zaskakujących zwrotów akcji.
Audrey Hepburn wciela się w kobietę, która po śmierci męża odkrywa, że jego przeszłość skrywa wiele sekretów. Wkrótce na jej drodze pojawia się czarujący i tajemniczy Cary Grant. Komu może zaufać? I gdzie podziała się fortuna, której poszukują bezwzględni przestępcy?
Humor najwyższej próby, sensacja, romans i zwroty akcji podczas jednego seansu kinowego. „Szarada” to stylowy thriller komediowy w najlepszym wydaniu — pełen paryskiego uroku, błyskotliwych dialogów i niezapomnianych scen.
----------------
Szczegóły: Mariusz Ciszewski
e-mail: edukacja@rialto.katowice.pl, tel.: 696 437 474.
Dni Kina Niemego - 100 lat temu: SYMFONIA ZMYSŁÓW
Pokaz filmu z taśmy 35 mm!
„Symfonia zmysłów” to pierwsza wspólna produkcja Grety Garbo i Johna Gilberta – film, który uczynił ze szwedzkiej aktorki prawdziwą boginię ekranu i wielką gwiazdę kina niemego. Opowiada historię dwóch przyjaciół, którzy zakochują się w tej samej kobiecie i stają się rywalami gotowymi na wszystko.
Wprowadzenie: Anna Gołkowska – pasjonatka mody retro i wszystkiego, co wiąże się z epoką lat 20.–50. XX wieku. Wielbicielka filmów, książek oraz odkrywania nowych znaczeń i powiązań w kulturze.
BLU/BRY – zespół założony w 2021 roku, który od tego czasu aktywnie występuje na europejskiej scenie muzycznej. Ich twórczość łączy nowoczesny jazz z wpływami muzyki ludowej, a także elementami muzyki klasycznej i elektronicznej. Zespół koncentruje się na autorskich kompozycjach oraz kolektywnym podejściu do brzmienia, co nadaje ich muzyce wyrazisty i spójny charakter.
Kwintet brał udział w licznych konkursach i festiwalach, w tym Enter Enea Festival. Są laureatami Grand Prix na prestiżowych konkursach, takich jak Jazz Juniors, Central European Jazz Showcase, Jazz nad Odrą oraz Bielska Zadymka Jazzowa. W rankingu JazzForum JazzTop 2024 zostali wyróżnieni jako „Nowa Nadzieja Roku”. Regularnie koncertują również w klubach i na festiwalach zarówno w Polsce, jak i za granicą, systematycznie budując swoją pozycję na scenie jazzowej.
Ich debiutancki album Blubry ukazał się w 2023 roku, a na początku 2025 roku wydali kolejny – Ejber, powstały we współpracy z Polskim Radiem. Nagrania zespołu spotkały się z bardzo dobrym przyjęciem zarówno ze strony krytyków, jak i publiczności. W sierpniu 2026 nagrywają nowy album.
Członkowie zespołu mieli okazję studiować w takich instytucjach jak Danish National Academy of Music, Berklee College of Music w Bostonie oraz Rhythmic Music Conservatory w Kopenhadze. Nieustannie rozwijają swój język muzyczny, poszukując nowych inspiracji i kierunków artystycznych.
Zespół tworzą:
Jan Kusz – saksofony
Tomasz Kusz – trąbka
Bartłomiej Mazurek – fortepian
Franciszek Wicke – gitara basowa i kontrabas
Stanisław Banyś – perkusja
„Symfonia zmysłów” to pierwsza wspólna produkcja Grety Garbo i Johna Gilberta – film, który uczynił ze szwedzkiej aktorki prawdziwą boginię ekranu i wielką gwiazdę kina niemego. Opowiada historię dwóch przyjaciół, którzy zakochują się w tej samej kobiecie i stają się rywalami gotowymi na wszystko.
Wprowadzenie: Anna Gołkowska – pasjonatka mody retro i wszystkiego, co wiąże się z epoką lat 20.–50. XX wieku. Wielbicielka filmów, książek oraz odkrywania nowych znaczeń i powiązań w kulturze.
BLU/BRY – zespół założony w 2021 roku, który od tego czasu aktywnie występuje na europejskiej scenie muzycznej. Ich twórczość łączy nowoczesny jazz z wpływami muzyki ludowej, a także elementami muzyki klasycznej i elektronicznej. Zespół koncentruje się na autorskich kompozycjach oraz kolektywnym podejściu do brzmienia, co nadaje ich muzyce wyrazisty i spójny charakter.
Kwintet brał udział w licznych konkursach i festiwalach, w tym Enter Enea Festival. Są laureatami Grand Prix na prestiżowych konkursach, takich jak Jazz Juniors, Central European Jazz Showcase, Jazz nad Odrą oraz Bielska Zadymka Jazzowa. W rankingu JazzForum JazzTop 2024 zostali wyróżnieni jako „Nowa Nadzieja Roku”. Regularnie koncertują również w klubach i na festiwalach zarówno w Polsce, jak i za granicą, systematycznie budując swoją pozycję na scenie jazzowej.
Ich debiutancki album Blubry ukazał się w 2023 roku, a na początku 2025 roku wydali kolejny – Ejber, powstały we współpracy z Polskim Radiem. Nagrania zespołu spotkały się z bardzo dobrym przyjęciem zarówno ze strony krytyków, jak i publiczności. W sierpniu 2026 nagrywają nowy album.
Członkowie zespołu mieli okazję studiować w takich instytucjach jak Danish National Academy of Music, Berklee College of Music w Bostonie oraz Rhythmic Music Conservatory w Kopenhadze. Nieustannie rozwijają swój język muzyczny, poszukując nowych inspiracji i kierunków artystycznych.
Zespół tworzą:
Jan Kusz – saksofony
Tomasz Kusz – trąbka
Bartłomiej Mazurek – fortepian
Franciszek Wicke – gitara basowa i kontrabas
Stanisław Banyś – perkusja
Dni Kina Niemego - Buster Keaton dla dzieci
Muzyka: Tomek Drozdek (instrumenty świata) & Jacek Dzwonowski (skrzypce).
ELEKTRYCZNY DOM | USA | 1922 | 27 min
Wskutek pomyłki podczas ceremonii wręczenia dyplomów Buster zostaje wzięty za inżyniera. Podejmuje się pracy polegającej na zautomatyzowaniu urządzeń domowych w willi dziekana uczelni. Wynalazki szybko jednak buntują się przeciwko swojemu twórcy.
SĄSIEDZI | USA | 1920 | 17 min
Zwariowana komedia z popisami kaskaderskimi. Krótka historia Romea i Julii rozgrywa się w sąsiadujących kamienicach, oddzielonych drewnianym płotem. Rodziny Bustrów i Virginów nienawidzą się nawzajem.
Projekcji będzie towarzyszył pokaz instrumentów świata oraz krótkie warsztaty muzyczne.
Wprowadzenie: Agata Tecl-Szubert – filmoznawczyni, animatorka kultury, edukatorka, kierowniczka Kinoteatru Rialto
ELEKTRYCZNY DOM | USA | 1922 | 27 min
Wskutek pomyłki podczas ceremonii wręczenia dyplomów Buster zostaje wzięty za inżyniera. Podejmuje się pracy polegającej na zautomatyzowaniu urządzeń domowych w willi dziekana uczelni. Wynalazki szybko jednak buntują się przeciwko swojemu twórcy.
SĄSIEDZI | USA | 1920 | 17 min
Zwariowana komedia z popisami kaskaderskimi. Krótka historia Romea i Julii rozgrywa się w sąsiadujących kamienicach, oddzielonych drewnianym płotem. Rodziny Bustrów i Virginów nienawidzą się nawzajem.
Projekcji będzie towarzyszył pokaz instrumentów świata oraz krótkie warsztaty muzyczne.
Wprowadzenie: Agata Tecl-Szubert – filmoznawczyni, animatorka kultury, edukatorka, kierowniczka Kinoteatru Rialto
Dni Kina Niemego - Pierwsze wredne baby kina: KRÓLOWE DESTRUKCJI
Muzyka: O.N.E.
Niezależny projekt filmowy realizowany przez trzy kuratorki z różnych archiwów filmowych: Elif Rongen (Holandia), Maggie Hennefeld (USA) oraz Laurę Horak (Kanada).
W ramach przedsięwzięcia zaprezentujemy unikatowy wybór filmów, którego dokonaliśmy wspólnie z Elif Rongen – kuratorką z EYE Filmmuseum. Program obejmuje najstarsze filmy przedstawiające niepokorne bohaterki wymykające się konwenansom, a także przykłady wczesnych produkcji realizowanych przez kobiety-reżyserki.
O.N.E. to akustyczny kwartet jazzowy, który łączy liryzm i piosenkowość z dziką, bezkompromisową energią współczesnego jazzu. Bez liderki — cztery osobowości, różnorodne inspiracje i jedno charakterystyczne brzmienie.
Zespół ma na koncie trzy albumy: One (2020), Entoloma (2022) oraz Well, actually… (2025), wydany przez duńską wytwórnię April Records. Pierwsza płyta otrzymała nominację do nagrody FRYDERYK oraz wyróżnienia Jazz Forum i Grand Prix Jazz Melomani.
O.N.E. występował na najważniejszych festiwalach jazzowych w Polsce i Europie, m.in. w Belgii, Niemczech, Estonii, Szwecji, Hiszpanii i Wielkiej Brytanii. W 2024 roku, w ramach programu Green Pilot Tour European Jazz Network, zespół odbył trasę koncertową i poprowadził warsztaty w Ukrainie.
Zespół tworzą:
Kateryna Ziabliuk – piano
Monia Muc – sax
Kamila Drabek – double bass
Patrycja Wybrańczyk – drums
Wprowadzenie: Paulina Haratyk – filmoznawczyni, asystentka w Katedrze Historii Filmu Polskiego Instytutu Sztuk Audiowizualnych Uniwersytetu Jagiellońskiego. Zajmuje się filmem niezależnym i kinem współczesnym, badaniami archiwów oraz branży filmowej. Działalność badawczą łączy z pracą kuratorską i scenariopisarską, realizując projekty na pograniczu filmu, sztuki, historii i działań społecznych.
Niezależny projekt filmowy realizowany przez trzy kuratorki z różnych archiwów filmowych: Elif Rongen (Holandia), Maggie Hennefeld (USA) oraz Laurę Horak (Kanada).
W ramach przedsięwzięcia zaprezentujemy unikatowy wybór filmów, którego dokonaliśmy wspólnie z Elif Rongen – kuratorką z EYE Filmmuseum. Program obejmuje najstarsze filmy przedstawiające niepokorne bohaterki wymykające się konwenansom, a także przykłady wczesnych produkcji realizowanych przez kobiety-reżyserki.
O.N.E. to akustyczny kwartet jazzowy, który łączy liryzm i piosenkowość z dziką, bezkompromisową energią współczesnego jazzu. Bez liderki — cztery osobowości, różnorodne inspiracje i jedno charakterystyczne brzmienie.
Zespół ma na koncie trzy albumy: One (2020), Entoloma (2022) oraz Well, actually… (2025), wydany przez duńską wytwórnię April Records. Pierwsza płyta otrzymała nominację do nagrody FRYDERYK oraz wyróżnienia Jazz Forum i Grand Prix Jazz Melomani.
O.N.E. występował na najważniejszych festiwalach jazzowych w Polsce i Europie, m.in. w Belgii, Niemczech, Estonii, Szwecji, Hiszpanii i Wielkiej Brytanii. W 2024 roku, w ramach programu Green Pilot Tour European Jazz Network, zespół odbył trasę koncertową i poprowadził warsztaty w Ukrainie.
Zespół tworzą:
Kateryna Ziabliuk – piano
Monia Muc – sax
Kamila Drabek – double bass
Patrycja Wybrańczyk – drums
Wprowadzenie: Paulina Haratyk – filmoznawczyni, asystentka w Katedrze Historii Filmu Polskiego Instytutu Sztuk Audiowizualnych Uniwersytetu Jagiellońskiego. Zajmuje się filmem niezależnym i kinem współczesnym, badaniami archiwów oraz branży filmowej. Działalność badawczą łączy z pracą kuratorską i scenariopisarską, realizując projekty na pograniczu filmu, sztuki, historii i działań społecznych.
Dni Kina Niemego - Portier z Hotelu Atlantic
Jedno z arcydzieł kina niemego – historia starego hotelowego portiera, dumnego ze swojej pozycji do czasu, gdy zostaje zdegradowany do roli pomocnika. Film jest wybitnym osiągnięciem zarówno pod względem technicznym, jak i aktorskim. Emil Jannings stworzył tu jedną ze swoich najdoskonalszych ról, po której – podobnie jak reżyser – otrzymał propozycję pracy w Hollywood.
Hania Derej – kompozytorka, pianistka, aranżerka i dyrygentka. Laureatka kilkudziesięciu nagród, w tym: Dorocznej Nagrody Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego w kategorii Muzyka (2026), nominacji do Koryfeusza Muzyki Polskiej w kategorii Odkrycie Roku (2025), podwójnego Grand Prix na Ladies’ Jazz Festival (2025), wyróżnienie tytułem Młody Promotor Polski (2025). Zwyciężczyni plebiscytów muzycznych w kategoriach „nowej nadziei muzycznej” (Gazeta Wyborcza – SANKI 2025 i JazzForum – JAZZTOP 2024). Studentka Conservatorium van Amsterdam (muzyka filmowa) oraz absolwentka Akademii Muzycznej w Krakowie (dyrygentura).
Młoda artystka jest autorką ponad 150 kompozycji w różnych stylach i składach instrumentalnych, z których część została zarejestrowana na jedenastu płytach, w tym kilka w studiu nagraniowym Polskiego Radia w Katowicach.
Muzykę, którą skomponowała specjalnie do filmu Murnaua, wykona wspólnie z zespołem kameralnym w składzie:
Hania Derej - kompozycja, fortepian
Małgorzata Hlawsa - flet,
Joanna Urbańska-Mikszta – wiolonczela,
Fabio Salmeri - skrzypce
Krzysztof Kostrzewski – kontrabas
Wprowadzenie: Agata Tecl-Szubert i Mariusz Ciszewski.
Hania Derej – kompozytorka, pianistka, aranżerka i dyrygentka. Laureatka kilkudziesięciu nagród, w tym: Dorocznej Nagrody Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego w kategorii Muzyka (2026), nominacji do Koryfeusza Muzyki Polskiej w kategorii Odkrycie Roku (2025), podwójnego Grand Prix na Ladies’ Jazz Festival (2025), wyróżnienie tytułem Młody Promotor Polski (2025). Zwyciężczyni plebiscytów muzycznych w kategoriach „nowej nadziei muzycznej” (Gazeta Wyborcza – SANKI 2025 i JazzForum – JAZZTOP 2024). Studentka Conservatorium van Amsterdam (muzyka filmowa) oraz absolwentka Akademii Muzycznej w Krakowie (dyrygentura).
Młoda artystka jest autorką ponad 150 kompozycji w różnych stylach i składach instrumentalnych, z których część została zarejestrowana na jedenastu płytach, w tym kilka w studiu nagraniowym Polskiego Radia w Katowicach.
Muzykę, którą skomponowała specjalnie do filmu Murnaua, wykona wspólnie z zespołem kameralnym w składzie:
Hania Derej - kompozycja, fortepian
Małgorzata Hlawsa - flet,
Joanna Urbańska-Mikszta – wiolonczela,
Fabio Salmeri - skrzypce
Krzysztof Kostrzewski – kontrabas
Wprowadzenie: Agata Tecl-Szubert i Mariusz Ciszewski.
Dni Kina Niemego - Quo Vadis?
„Najbardziej niezwykły film, jaki kiedykolwiek zrealizowano” – tak amerykański magazyn „The Billboard” zapowiadał premierę „Quo vadis?” w Stanach Zjednoczonych. Trudno uznać te słowa za przesadę. Film Enrica Guazzoniego, zrealizowany w 1912 roku na podstawie powieści Henryka Sienkiewicza i wyprodukowany przez włoską wytwórnię Cines, stał się wydarzeniem na skalę międzynarodową i na trwałe zmienił język kina.
„Quo vadis?” wyznaczyło nowe standardy filmowego widowiska. Enrico Guazzoni – reżyser, scenarzysta i doświadczony malarz – wykorzystał przestrzeń ekranu w sposób niespotykany wcześniej. Monumentalne scenografie przestały być jedynie tłem dla wydarzeń i stały się integralną częścią akcji. Setki statystów poruszały się według precyzyjnie zaplanowanych układów choreograficznych, a gra światła i cienia, ujęcia sylwetkowe oraz zróżnicowane kąty kamery budowały niezwykłą głębię i wieloperspektywiczność obrazu.
Film zachwycał rozmachem, bogactwem scenografii i skalą inscenizacji, ale jego znaczenie wykraczało daleko poza spektakularność. „Quo vadis?” w pełni ukształtowało jeden z najważniejszych gatunków włoskiego kina – peplum, czyli widowisko osadzone w świecie starożytności. Rozwiązania formalne i stylistyczne zastosowane przez Guazzoniego stały się wzorem dla kolejnych pokoleń twórców.
Sukces filmu otworzył drogę włoskiej kinematografii na światowe rynki. W ciągu zaledwie kilku lat na ekrany trafiły kolejne wielkie produkcje historyczne i mitologiczne, między innymi „Cajus Julius Caesar”, „Marcantonio e Cleopatra” – oba w reżyserii Guazzoniego – a także „Gli ultimi giorni di Pompei” i „Cabiria”. Wszystkie powstały w latach 1913–1914 i dziś należą do najważniejszych dzieł w historii kina niemego. (Giovanni Lasi)
W 2026 roku „Quo vadis?” zostało poddane restauracji w 4K przez Cineteca di Bologna w laboratorium L’Immagine Ritrovata. Prace przeprowadzono na podstawie oryginalnych kopii nitro 35 mm udostępnionych przez Eye Filmmuseum oraz CNC – Centre national du cinéma et de l’image animée. Materiały cyfrowe wykorzystane w procesie rekonstrukcji udostępniły również Cinémathèque suisse, BFI National Archive oraz Národní filmový archiv. Rekonstrukcja obecnej wersji była możliwa dzięki zachowanej w Eye Filmmuseum kopii filmu oraz badaniom Giovanniego Lasiego.
Prezentacja filmu odbywa się w 180. rocznicę urodzin i 110. rocznicę śmierci Henryka Sienkiewicza.
Wydarzenie towarzyszące odbywa się we współpracy z L’Istituto Italiano di Cultura di Cracovia
Michele Sganga: „W kinie niemym nie staram się towarzyszyć obrazom, staram się z nimi dialogować, a czasem nawet im zaprzeczać. Tylko w ten sposób muzyka przestaje być komentarzem, a ponownie staje się językiem.”
Michele Sganga – rzymski pianista i kompozytor, absolwent Konserwatorium Santa Cecilia oraz Uniwersytetu Sapienza. Tworzy muzykę do teatru, filmu i kina niemego, łącząc klasyczne wykształcenie z autorskim językiem muzycznym. Sganga jest również autorem muzyki teatralnej, kameralnej i filmowej oraz kilku albumów solowych. W 2020 roku założył Lumi Edizioni Musicali, której jest dyrektorem artystycznym. W swojej twórczości łączy klasyczne wykształcenie muzyczne z zainteresowaniem współczesnymi formami artystycznymi i dialogiem między muzyką a obrazem.
„Quo vadis?” wyznaczyło nowe standardy filmowego widowiska. Enrico Guazzoni – reżyser, scenarzysta i doświadczony malarz – wykorzystał przestrzeń ekranu w sposób niespotykany wcześniej. Monumentalne scenografie przestały być jedynie tłem dla wydarzeń i stały się integralną częścią akcji. Setki statystów poruszały się według precyzyjnie zaplanowanych układów choreograficznych, a gra światła i cienia, ujęcia sylwetkowe oraz zróżnicowane kąty kamery budowały niezwykłą głębię i wieloperspektywiczność obrazu.
Film zachwycał rozmachem, bogactwem scenografii i skalą inscenizacji, ale jego znaczenie wykraczało daleko poza spektakularność. „Quo vadis?” w pełni ukształtowało jeden z najważniejszych gatunków włoskiego kina – peplum, czyli widowisko osadzone w świecie starożytności. Rozwiązania formalne i stylistyczne zastosowane przez Guazzoniego stały się wzorem dla kolejnych pokoleń twórców.
Sukces filmu otworzył drogę włoskiej kinematografii na światowe rynki. W ciągu zaledwie kilku lat na ekrany trafiły kolejne wielkie produkcje historyczne i mitologiczne, między innymi „Cajus Julius Caesar”, „Marcantonio e Cleopatra” – oba w reżyserii Guazzoniego – a także „Gli ultimi giorni di Pompei” i „Cabiria”. Wszystkie powstały w latach 1913–1914 i dziś należą do najważniejszych dzieł w historii kina niemego. (Giovanni Lasi)
W 2026 roku „Quo vadis?” zostało poddane restauracji w 4K przez Cineteca di Bologna w laboratorium L’Immagine Ritrovata. Prace przeprowadzono na podstawie oryginalnych kopii nitro 35 mm udostępnionych przez Eye Filmmuseum oraz CNC – Centre national du cinéma et de l’image animée. Materiały cyfrowe wykorzystane w procesie rekonstrukcji udostępniły również Cinémathèque suisse, BFI National Archive oraz Národní filmový archiv. Rekonstrukcja obecnej wersji była możliwa dzięki zachowanej w Eye Filmmuseum kopii filmu oraz badaniom Giovanniego Lasiego.
Prezentacja filmu odbywa się w 180. rocznicę urodzin i 110. rocznicę śmierci Henryka Sienkiewicza.
Wydarzenie towarzyszące odbywa się we współpracy z L’Istituto Italiano di Cultura di Cracovia
Michele Sganga: „W kinie niemym nie staram się towarzyszyć obrazom, staram się z nimi dialogować, a czasem nawet im zaprzeczać. Tylko w ten sposób muzyka przestaje być komentarzem, a ponownie staje się językiem.”
Michele Sganga – rzymski pianista i kompozytor, absolwent Konserwatorium Santa Cecilia oraz Uniwersytetu Sapienza. Tworzy muzykę do teatru, filmu i kina niemego, łącząc klasyczne wykształcenie z autorskim językiem muzycznym. Sganga jest również autorem muzyki teatralnej, kameralnej i filmowej oraz kilku albumów solowych. W 2020 roku założył Lumi Edizioni Musicali, której jest dyrektorem artystycznym. W swojej twórczości łączy klasyczne wykształcenie muzyczne z zainteresowaniem współczesnymi formami artystycznymi i dialogiem między muzyką a obrazem.
Filmowy Klub Seniora - Lalka
Dzieło Bolesława Prusa od blisko 140 lat rozpala emocje i wyobraźnię kolejnych pokoleń. Teraz ta ponadczasowa historia trafia na wielki ekran w nowej, spektakularnej, filmowej odsłonie.
"Lalka” to zrealizowana z ogromnym rozmachem superprodukcja i najbardziej gwiazdorski film w historii polskiego kina, gdzie pośród wielu wybitnych nazwisk, w rolach głównych występują: Marcin Dorociński jako Stanisław Wokulski, gwiazda „Chłopów” – Kamila Urzędowska jako Izabela Łęcka oraz powracający na wielki ekran po 16 latach Marek Kondrat w roli Ignacego Rzeckiego.
Nowa ekranizacja „Lalki” to opowiedziana ze współczesną wrażliwością przejmująca, uniwersalna historia o miłości i niespełnieniu, o aspiracjach i przemianie, o świecie, który właśnie się kończy. To film, który zdarza się raz na kilka dekad: epicki, pełen emocji, zrealizowany z imponującą scenografią, dopracowanymi w najdrobniejszych detalach kostiumami i charakteryzacją oraz prawdziwie gwiazdorską obsadą. Warszawa końca XIX wieku. Serce Stanisława Wokulskiego owładnięte jest szaloną miłością do Izabeli Łęckiej. On, dzięki fortunie zdobytej na wojnie, powraca do kraju i postanawia wkroczyć do świata wyższych sfer, aby zdobyć rękę ukochanej. Ona jest olśniewająca i wyniosła, lecz mimo arystokratycznego pochodzenia zmaga się z widmem finansowej ruiny. U boku Wokulskiego stoi jego wierny przyjaciel – Ignacy Rzecki, romantyk, który z nostalgią obserwuje, jak świat ideałów ustępuje miejsca społecznym aspiracjom i bezwzględnej grze interesów. Wokulski wkracza w labirynt arystokratycznych salonów, gdzie każdy gest może być początkiem intrygi, a każde słowo – zapowiedzią zdrady. Stający na jego drodze rywale, niespodziewane sojusze i dramatyczne wybory wystawią na próbę jego marzenia i wiarę w ludzi.
To opowieść o miłosnym zauroczeniu, które zmienia losy bohaterów i zaciera granice między sercem a rozumem
"Lalka” to zrealizowana z ogromnym rozmachem superprodukcja i najbardziej gwiazdorski film w historii polskiego kina, gdzie pośród wielu wybitnych nazwisk, w rolach głównych występują: Marcin Dorociński jako Stanisław Wokulski, gwiazda „Chłopów” – Kamila Urzędowska jako Izabela Łęcka oraz powracający na wielki ekran po 16 latach Marek Kondrat w roli Ignacego Rzeckiego.
Nowa ekranizacja „Lalki” to opowiedziana ze współczesną wrażliwością przejmująca, uniwersalna historia o miłości i niespełnieniu, o aspiracjach i przemianie, o świecie, który właśnie się kończy. To film, który zdarza się raz na kilka dekad: epicki, pełen emocji, zrealizowany z imponującą scenografią, dopracowanymi w najdrobniejszych detalach kostiumami i charakteryzacją oraz prawdziwie gwiazdorską obsadą. Warszawa końca XIX wieku. Serce Stanisława Wokulskiego owładnięte jest szaloną miłością do Izabeli Łęckiej. On, dzięki fortunie zdobytej na wojnie, powraca do kraju i postanawia wkroczyć do świata wyższych sfer, aby zdobyć rękę ukochanej. Ona jest olśniewająca i wyniosła, lecz mimo arystokratycznego pochodzenia zmaga się z widmem finansowej ruiny. U boku Wokulskiego stoi jego wierny przyjaciel – Ignacy Rzecki, romantyk, który z nostalgią obserwuje, jak świat ideałów ustępuje miejsca społecznym aspiracjom i bezwzględnej grze interesów. Wokulski wkracza w labirynt arystokratycznych salonów, gdzie każdy gest może być początkiem intrygi, a każde słowo – zapowiedzią zdrady. Stający na jego drodze rywale, niespodziewane sojusze i dramatyczne wybory wystawią na próbę jego marzenia i wiarę w ludzi.
To opowieść o miłosnym zauroczeniu, które zmienia losy bohaterów i zaciera granice między sercem a rozumem
FILMY Z LEKTOREM - Kochanica króla Jeanne du Barry
„Kochanica króla Jeanne du Barry”, która otworzyła ostatni festiwal w Cannes, to jeden z najdroższych, ale i najgorętszych francuskich filmów roku. W tej kostiumowej superprodukcji, nakręconej we wnętrzach i plenerach Wersalu, w wielkim stylu na ekran powraca Johnny Depp w roli Ludwika XV. Znany z serii „Piraci z Karaibów” oraz takich filmów jak „Marzyciel” czy „Czekolada”, Depp tworzy jedną z najbardziej przejmujących i wyrazistych ról w swojej karierze. Partneruje mu wcielająca się w postać tytułowej kochanicy aktorka i reżyserka Maïwenn. Pełna wizualnego przepychu, pieszcząca oczy „Kochanica króla” to opowieść o sztuce uwodzenia, dworskim skandalu i pełnej przeszkód drodze na szczyt. Oraz o kobiecie, która wbrew pochodzeniu i otaczającym ją wrogom ośmiela się sięgnąć po władzę i miłość.
Oparta na faktach historia kochanki francuskiego króla przedstawia losy Jeanne Vaubernier, młodej, ambitnej kobiety z nizin społecznych, która śmiało używa swojej inteligencji i urody, by wspinać się po szczeblach dworskiej hierarchii. Droga z paryskiej ulicy do Wersalu wiedzie przez liczne upokorzenia, przeszkody, groźby i intrygi. „Kochanica króla Jeanne du Barry” podąża więc za bohaterką przez dramat obyczajowy, satyrę na elity i komedię dworskich pomyłek, nie waha się też sięgać po najdotkliwsze w Wersalu narzędzie towarzyskiej zbrodni: ostrą jak gilotyna ironię.
Zachwycający kostiumami, pieczołowicie odtwarzający detale pałacowego życia film w reżyserii Maïwenn ożywia ducha epoki, do sztywnej dworskiej etykiety wnosząc, wraz z Jeanne, energię buntu i powiew wolności. Chociaż dziś nie dusimy się w gorsetach i pudrowanych perukach, niewidzialny sznur oczekiwań społecznych wciąż nas krępuje. Bezczelna, odważna Jeanne uczy nas, jak łamać zasady, pozostając wierną sobie.
Oparta na faktach historia kochanki francuskiego króla przedstawia losy Jeanne Vaubernier, młodej, ambitnej kobiety z nizin społecznych, która śmiało używa swojej inteligencji i urody, by wspinać się po szczeblach dworskiej hierarchii. Droga z paryskiej ulicy do Wersalu wiedzie przez liczne upokorzenia, przeszkody, groźby i intrygi. „Kochanica króla Jeanne du Barry” podąża więc za bohaterką przez dramat obyczajowy, satyrę na elity i komedię dworskich pomyłek, nie waha się też sięgać po najdotkliwsze w Wersalu narzędzie towarzyskiej zbrodni: ostrą jak gilotyna ironię.
Zachwycający kostiumami, pieczołowicie odtwarzający detale pałacowego życia film w reżyserii Maïwenn ożywia ducha epoki, do sztywnej dworskiej etykiety wnosząc, wraz z Jeanne, energię buntu i powiew wolności. Chociaż dziś nie dusimy się w gorsetach i pudrowanych perukach, niewidzialny sznur oczekiwań społecznych wciąż nas krępuje. Bezczelna, odważna Jeanne uczy nas, jak łamać zasady, pozostając wierną sobie.
INTERPRETACJE Teatru Telewizji - Człowiek jaki jest, każdy widzi
Bardzo wysoko w Himalajach znajduje się wyjątkowy hotel. Górskie schronisko dla zabłąkanych zwierząt wędrownych, gatunków osiadłych i istot udomowionych. Dyrektorem hotelu jest Yeti, a wicedyrektorką – jego ciekawa świata córka.
Spektakl opowiada o przygodach, ale także o dorastaniu, zmianach w sposobie postrzegania innych, relacjach z rodziną i przyjaciółmi, których warunki musimy nieustannie negocjować. To przede wszystkim opowieść o empatii.
W teatralnej adaptacji hotel Yetich to „górskie schronisko dla zabłąkanych zwierząt wędrownych i istot osiadłych”. Yetinka zaczyna zadawać ojcu trudne pytania, a ten chce chronić córkę przed niebezpiecznym światem. Yetinka tymczasem jest coraz starsza, coraz więcej rozumie, więc jej tata musi zmodyfikować swój sposób patrzenia na nią. Także ich relacja się zmienia i zaczyna funkcjonować na nowych zasadach. Szukając odpowiedzi na nurtujące ją pytania, Yetinka wyrusza na górską wyprawę. Towarzyszy jej przyjaciółka Wążusia, a w ślad za nimi podążają intrygantka Kawia (świnka morska) i mocno nerwowy, pragnący jak najlepiej wypełniać powierzone mu zadania, Pies.
W spektaklu Yetinka i towarzyszące jej zwierzęta przeżywają przygody wśród górskich szczytów i śnieżnych zamieci, przede wszystkim jednak uczą się ze sobą rozmawiać i konfrontować z tym, co dla nich trudne.
"Człowiek jaki jest, każdy widzi"
[cykl: Scena Młodego Widza]
Premiera w Teatrze Nowym w Warszawie: 01.02.2025
Premiera w Teatrze im. S. Żeromskiego w Kielcach: 22.02.2025
Premiera w Teatrze TV, TVP1: 28.09.2025
Tekst: Marzena Matuszak
Adaptacja: Tomasz Walesiak
Reżyseria: Katarzyna Minkowska
Scenografia i kostiumy: Marta Kodeniec, inspirowane ilustracjami Grażyny Rigali
Muzyka: Wojciech Frycz
Teksty piosenek: Kamil Małanicz
Choreografia: Krystyna Lama Szydłowska
Obsada:
Bartosz Bielenia (Pies)
Jan Sobolewski (Kawia)
Piotr Polak (Yeti)
Ewelina Pankowska (Yetinka)
Igor Shugaleev (Człowiek)
Krystyna Lama Szydłowska (Wążusia)
Realizacja telewizyjna: Józef Kowalewski
Montaż: Michał Patecki
Czas: 85 min
Katarzyna Minkowska
Urodzona w 1992 roku reżyserka teatralna, jedna z czołowych przedstawicielek reżyserii młodego pokolenia. Na scenę przenosi przede wszystkim prozę i inspirowane nią autorskie scenariusze – od Kuncewiczowej przez Orwella po Ottessę Moshfegh. Laureatka Paszportu Polityki za 2025 rok „za teatr nowoczesny formalnie, realizowany z rozmachem i wciągający, z ducha psychoterapeutyczny, ale niepozbawiony poczucia humoru i dystansu”. W Teatrze Telewizji debiutowała w 2024 roku przeniesieniem „Cudzoziemki” z Teatru Polskiego w Poznaniu.
Pełny program i więcej informacji o festiwalu: https://festiwal-interpretacje.pl/
Pokazy spektakli Teatru Telewizji organizowane są w ramach 23. Ogólnopolskiego Festiwalu Sztuki Reżyserskiej INTERPRETACJE, którego organizatorami są Teatr Śląski im. St. Wyspiańskiego w Katowicach, Miasto Katowice i Katowice Miasto Ogrodów - Instytucja Kultury im. Krystyny Bochenek.
Spektakl opowiada o przygodach, ale także o dorastaniu, zmianach w sposobie postrzegania innych, relacjach z rodziną i przyjaciółmi, których warunki musimy nieustannie negocjować. To przede wszystkim opowieść o empatii.
W teatralnej adaptacji hotel Yetich to „górskie schronisko dla zabłąkanych zwierząt wędrownych i istot osiadłych”. Yetinka zaczyna zadawać ojcu trudne pytania, a ten chce chronić córkę przed niebezpiecznym światem. Yetinka tymczasem jest coraz starsza, coraz więcej rozumie, więc jej tata musi zmodyfikować swój sposób patrzenia na nią. Także ich relacja się zmienia i zaczyna funkcjonować na nowych zasadach. Szukając odpowiedzi na nurtujące ją pytania, Yetinka wyrusza na górską wyprawę. Towarzyszy jej przyjaciółka Wążusia, a w ślad za nimi podążają intrygantka Kawia (świnka morska) i mocno nerwowy, pragnący jak najlepiej wypełniać powierzone mu zadania, Pies.
W spektaklu Yetinka i towarzyszące jej zwierzęta przeżywają przygody wśród górskich szczytów i śnieżnych zamieci, przede wszystkim jednak uczą się ze sobą rozmawiać i konfrontować z tym, co dla nich trudne.
"Człowiek jaki jest, każdy widzi"
[cykl: Scena Młodego Widza]
Premiera w Teatrze Nowym w Warszawie: 01.02.2025
Premiera w Teatrze im. S. Żeromskiego w Kielcach: 22.02.2025
Premiera w Teatrze TV, TVP1: 28.09.2025
Tekst: Marzena Matuszak
Adaptacja: Tomasz Walesiak
Reżyseria: Katarzyna Minkowska
Scenografia i kostiumy: Marta Kodeniec, inspirowane ilustracjami Grażyny Rigali
Muzyka: Wojciech Frycz
Teksty piosenek: Kamil Małanicz
Choreografia: Krystyna Lama Szydłowska
Obsada:
Bartosz Bielenia (Pies)
Jan Sobolewski (Kawia)
Piotr Polak (Yeti)
Ewelina Pankowska (Yetinka)
Igor Shugaleev (Człowiek)
Krystyna Lama Szydłowska (Wążusia)
Realizacja telewizyjna: Józef Kowalewski
Montaż: Michał Patecki
Czas: 85 min
Katarzyna Minkowska
Urodzona w 1992 roku reżyserka teatralna, jedna z czołowych przedstawicielek reżyserii młodego pokolenia. Na scenę przenosi przede wszystkim prozę i inspirowane nią autorskie scenariusze – od Kuncewiczowej przez Orwella po Ottessę Moshfegh. Laureatka Paszportu Polityki za 2025 rok „za teatr nowoczesny formalnie, realizowany z rozmachem i wciągający, z ducha psychoterapeutyczny, ale niepozbawiony poczucia humoru i dystansu”. W Teatrze Telewizji debiutowała w 2024 roku przeniesieniem „Cudzoziemki” z Teatru Polskiego w Poznaniu.
Pełny program i więcej informacji o festiwalu: https://festiwal-interpretacje.pl/
Pokazy spektakli Teatru Telewizji organizowane są w ramach 23. Ogólnopolskiego Festiwalu Sztuki Reżyserskiej INTERPRETACJE, którego organizatorami są Teatr Śląski im. St. Wyspiańskiego w Katowicach, Miasto Katowice i Katowice Miasto Ogrodów - Instytucja Kultury im. Krystyny Bochenek.
INTERPRETACJE Teatru Telewizji - Królowa miłości
„Królowa miłości” to współczesny moralitet i wiwisekcja rodzinnych relacji. Opowieść o ślepej miłości matki do syna-mordercy i miłości córki do matki, która wypiera zbrodnię syna. Historia o lojalności, winie i moralnej odwadze – i o rozliczeniu z życiem w obliczu nadciągającej śmierci. Czy milczenie w obliczu zła to też forma winy? Co tracimy, gdy udajemy, że nic się nie stało? I czy miłość, która wszystko wybacza, powinna też wszystko przemilczeć?
„Królowa miłości”
[cykl: Nowa Dramaturgia Polska]
premiera: 12.01.2026, TVP 1
tekst: Sandra Szwarc
reżyseria: Monika Czajkowska
scenografia: Aleksandra Reda
kostiumy: Zofia Komasa
muzyka: Antoni Wojnar
zdjęcia: Oleksandr Pozdnyakov
montaż: Szymon Sabarański, Monika Czajkowska
obsada:
Dominika Bednarczyk (Opiekunka)
Izabella Dudziak (Klara)
Anna Dymna (Jadwiga)
Aleksandra Konieczna (Sąsiadka)
Czas: 64 min
Monika Czajkowska
Reżyserka, dramaturżka, dramatopisarka. Absolwentka Szkoły Filmowej w Łodzi, Wydziału „Artes Liberales” Uniwersytetu Warszawskiego oraz Szkoły Teatru Iwana Wyrypajewa.
Wykładowczyni Państwowej Wyższej Szkoły Filmowej, Telewizyjnej i Teatralnej w Łodzi oraz Akademii Teatralnej w Warszawie – filii w Białymstoku. Zdobywczyni Nagrody Marszałka Województwa Pomorskiego za scenariusz i reżyserię spektaklu „Podejdź bliżej” oraz III Nagrody Publiczności w konkursie MONOTEATR #wdomu za monodram „Ofelia. Działanie(nie)będzie potępione”. Zwyciężczyni 34. Konkursu na Sztukę Teatralną dla Dzieci i Młodzieży i półfinalistka 17. Gdyńskiej Nagrody Dramaturgicznej. Jest laureatką Stypendium Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego – Kultura w sieci, Stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego Młoda Polska, Gdańskiego Stypendium Kulturalnego oraz Stypendium dla twórców kultury Województwa Pomorskiego.
W Teatrze Telewizji zadebiutowała jako reżyserka spektaklu „Królowa miłości” (2026).
Pełny program i więcej informacji o festiwalu: https://festiwal-interpretacje.pl/
Pokazy spektakli Teatru Telewizji organizowane są w ramach 23. Ogólnopolskiego Festiwalu Sztuki Reżyserskiej INTERPRETACJE, którego organizatorami są Teatr Śląski im. St. Wyspiańskiego w Katowicach, Miasto Katowice i Katowice Miasto Ogrodów - Instytucja Kultury im. Krystyny Bochenek.
„Królowa miłości”
[cykl: Nowa Dramaturgia Polska]
premiera: 12.01.2026, TVP 1
tekst: Sandra Szwarc
reżyseria: Monika Czajkowska
scenografia: Aleksandra Reda
kostiumy: Zofia Komasa
muzyka: Antoni Wojnar
zdjęcia: Oleksandr Pozdnyakov
montaż: Szymon Sabarański, Monika Czajkowska
obsada:
Dominika Bednarczyk (Opiekunka)
Izabella Dudziak (Klara)
Anna Dymna (Jadwiga)
Aleksandra Konieczna (Sąsiadka)
Czas: 64 min
Monika Czajkowska
Reżyserka, dramaturżka, dramatopisarka. Absolwentka Szkoły Filmowej w Łodzi, Wydziału „Artes Liberales” Uniwersytetu Warszawskiego oraz Szkoły Teatru Iwana Wyrypajewa.
Wykładowczyni Państwowej Wyższej Szkoły Filmowej, Telewizyjnej i Teatralnej w Łodzi oraz Akademii Teatralnej w Warszawie – filii w Białymstoku. Zdobywczyni Nagrody Marszałka Województwa Pomorskiego za scenariusz i reżyserię spektaklu „Podejdź bliżej” oraz III Nagrody Publiczności w konkursie MONOTEATR #wdomu za monodram „Ofelia. Działanie(nie)będzie potępione”. Zwyciężczyni 34. Konkursu na Sztukę Teatralną dla Dzieci i Młodzieży i półfinalistka 17. Gdyńskiej Nagrody Dramaturgicznej. Jest laureatką Stypendium Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego – Kultura w sieci, Stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego Młoda Polska, Gdańskiego Stypendium Kulturalnego oraz Stypendium dla twórców kultury Województwa Pomorskiego.
W Teatrze Telewizji zadebiutowała jako reżyserka spektaklu „Królowa miłości” (2026).
Pełny program i więcej informacji o festiwalu: https://festiwal-interpretacje.pl/
Pokazy spektakli Teatru Telewizji organizowane są w ramach 23. Ogólnopolskiego Festiwalu Sztuki Reżyserskiej INTERPRETACJE, którego organizatorami są Teatr Śląski im. St. Wyspiańskiego w Katowicach, Miasto Katowice i Katowice Miasto Ogrodów - Instytucja Kultury im. Krystyny Bochenek.
INTERPRETACJE Teatru Telewizji - Pełna powaga. Komedia dla ludzi bez poczucia humoru
Nowoczesna wersja klasycznej angielskiej komedii odchodzi od Wilde’owskiej satyry społecznej w stronę aktualnej opowieści o młodych ludziach zanurzonych w konwenansach społecznych i poszukujących prawdy o sobie, również poprzez eksplorację własnych „alternatywnych tożsamości”. Pierwszoplanowym tematem jest tu ludzka podwójność – między idealnym, zwykle niezgodnym z rzeczywistością wyobrażeniem samego siebie a krzywym zwierciadłem społecznych oczekiwań oraz potrzebą autokreacji. Główni bohaterowie to osoby z elit, gnębione jednak poczuciem nudy, beznadziei i bezsensu.
Uwspółcześniony w tłumaczeniu język Wilde’a kontrastuje z nawiązującą do epoki, ale formalnie przetworzoną estetyką. Jak zapowiadał reżyser: „Korzystając z charakterystycznej dla Wilde’a kampowości, zabawimy się epoką, wykrzywimy ją, umiejscawiając akcję poza czasem, w świecie nieskończonych możliwości, w którym słowa i gesty straciły swoją wagę”.
PEŁNA POWAGA. KOMEDIA DLA LUDZI BEZ POCZUCIA HUMORU
(oryg. The Importance of Being Earnest)
Premiera TVP1 21.10.2024
Tekst: Oscar Wilde
Przekład: Maciej Stroiński
Reżyseria: Tadeusz Kabicz
Scenografia: Ewa Gdowiok
Kostiumy: Dorota Roqueplo
Zdjęcia: Jakub Stolecki
Muzyka: Szymon Sutor
Montaż: Jakub Motylewski
Obsada:
Piotr Trojan (Algernon Moncrieff)
Mateusz Więcławek (John Worthing)
Danuta Stenka (Lady Augusta Bracknell)
Dorota Segda (Letycja Pryzma)
Jaśmina Polak (Gwendalena)
Helena Urbańska (Celina)
Piotr Cyrwus (Ksiądz Ferdynand Ornat)
Adam Biedrzycki (Leon)
Sławomir Sulej (Felix)
Czas: 74 min
Tadeusz Kabicz
(ur. 1993 w Warszawie)
Reżyser, scenarzysta i dramaturg. Absolwent Reżyserii w Szkole Filmowej im. Krzysztofa Kieślowskiego w Katowicach oraz Szkoły Wajdy. Studiował filologię polską i wiedzę o kulturze na Uniwersytecie Warszawskim. Współpracował m.in. z Teatrem Żeromskiego w Kielcach, Teatrem Nowym w Łodzi, Teatrem Studio w Warszawie, Teatrem Miejskim w Gliwicach oraz teatrami muzycznymi w Poznaniu, Łodzi, Szczecinie i Warszawie. Od 2024 roku reżyser Teatru Polskiego Radia. Na Festiwalu „Dwa Teatry” dwukrotnie otrzymał nagrodę za scenariusz adaptacji radiowej słuchowisk „Kroki” oraz „Ciało moje”. W Teatrze Telewizji debiutował w 2025 roku spektaklem „Pełna powaga. Komedia dla ludzi bez poczucia humoru” Oscara Wilde’a.
Pełny program i więcej informacji o festiwalu: https://festiwal-interpretacje.pl/
Pokazy spektakli Teatru Telewizji organizowane są w ramach 23. Ogólnopolskiego Festiwalu Sztuki Reżyserskiej INTERPRETACJE, którego organizatorami są Teatr Śląski im. St. Wyspiańskiego w Katowicach, Miasto Katowice i Katowice Miasto Ogrodów - Instytucja Kultury im. Krystyny Bochenek.
Uwspółcześniony w tłumaczeniu język Wilde’a kontrastuje z nawiązującą do epoki, ale formalnie przetworzoną estetyką. Jak zapowiadał reżyser: „Korzystając z charakterystycznej dla Wilde’a kampowości, zabawimy się epoką, wykrzywimy ją, umiejscawiając akcję poza czasem, w świecie nieskończonych możliwości, w którym słowa i gesty straciły swoją wagę”.
PEŁNA POWAGA. KOMEDIA DLA LUDZI BEZ POCZUCIA HUMORU
(oryg. The Importance of Being Earnest)
Premiera TVP1 21.10.2024
Tekst: Oscar Wilde
Przekład: Maciej Stroiński
Reżyseria: Tadeusz Kabicz
Scenografia: Ewa Gdowiok
Kostiumy: Dorota Roqueplo
Zdjęcia: Jakub Stolecki
Muzyka: Szymon Sutor
Montaż: Jakub Motylewski
Obsada:
Piotr Trojan (Algernon Moncrieff)
Mateusz Więcławek (John Worthing)
Danuta Stenka (Lady Augusta Bracknell)
Dorota Segda (Letycja Pryzma)
Jaśmina Polak (Gwendalena)
Helena Urbańska (Celina)
Piotr Cyrwus (Ksiądz Ferdynand Ornat)
Adam Biedrzycki (Leon)
Sławomir Sulej (Felix)
Czas: 74 min
Tadeusz Kabicz
(ur. 1993 w Warszawie)
Reżyser, scenarzysta i dramaturg. Absolwent Reżyserii w Szkole Filmowej im. Krzysztofa Kieślowskiego w Katowicach oraz Szkoły Wajdy. Studiował filologię polską i wiedzę o kulturze na Uniwersytecie Warszawskim. Współpracował m.in. z Teatrem Żeromskiego w Kielcach, Teatrem Nowym w Łodzi, Teatrem Studio w Warszawie, Teatrem Miejskim w Gliwicach oraz teatrami muzycznymi w Poznaniu, Łodzi, Szczecinie i Warszawie. Od 2024 roku reżyser Teatru Polskiego Radia. Na Festiwalu „Dwa Teatry” dwukrotnie otrzymał nagrodę za scenariusz adaptacji radiowej słuchowisk „Kroki” oraz „Ciało moje”. W Teatrze Telewizji debiutował w 2025 roku spektaklem „Pełna powaga. Komedia dla ludzi bez poczucia humoru” Oscara Wilde’a.
Pełny program i więcej informacji o festiwalu: https://festiwal-interpretacje.pl/
Pokazy spektakli Teatru Telewizji organizowane są w ramach 23. Ogólnopolskiego Festiwalu Sztuki Reżyserskiej INTERPRETACJE, którego organizatorami są Teatr Śląski im. St. Wyspiańskiego w Katowicach, Miasto Katowice i Katowice Miasto Ogrodów - Instytucja Kultury im. Krystyny Bochenek.
INTERPRETACJE Teatru Telewizji - Pieśni piekarzy polskich
Telewizyjna wersja nagrodzonego podczas 14. Forum Młodej Reżyserii spektaklu w reżyserii Klaudii Gębskiej – pierwsze przedstawienie nowego cyklu Teatru Telewizji poświęconego realizacjom współczesnej polskiej dramaturgii.
Autorem tekstu jest Mariusz Gołosz – jeden z najzdolniejszych i najwyrazistszych teatralnych głosów literackich młodego pokolenia. To rapowany musical o dwójce piekarzy podróżujących po Polsce w poszukiwaniu pracy – odjechana, spowita mgiełką mąki opowieść o prekariackiej rzeczywistości w czasach późnego kapitalizmu, opowiadana rozbujaną, hip-hopową nawijką historia ciężkiej harówy dwójki podróżujących za pracą przez Polskę piekarzy.
„Pieśni piekarzy polskich" to rap-musical o mrocznych kulisach powstawania waszych ukochanych wypieków. Klaudia Gębska, jedna z najciekawszych reżyserek młodego pokolenia teatralnych twórców, splata bajkową formę z obrazami ciężkiej fizycznej pracy, a codzienna, zwykła piekarnia staje się przestrzenią najważniejszej rozgrywki o godność zwykłego człowieka. Rymy, trup i mąka sypią się gęsto!
„Pieśni piekarzy polskich"
[CYKL Nowa Dramaturgia Polska]
Premiera: TVP Kultura 04.11.2025
Tekst: Mariusz Gołosz
Reżyseria: Klaudia Gębska
Dramaturgia: Patryk Kozłowski
Scenografia i kostiumy: Kornelia Dzikowska-Demirska
Oprawa muzyczna: Karol Augustyniak
Choreografia: Magdalena Kawecka
Teksty piosenek: Michał Królikowski, Piotr Tuleja, Filip Zaręba
Zdjęcia: Paweł Flis
Montaż: Szymon Sabarański
Opieka artystyczna: Paweł Demirski
Obsada:
Michał Badeński
Michał Królikowski
Piotr Tuleja
Alfreda Wodyńska
Filip Zaręba
Czas: 56 min
Klaudia Gębska
Studentka Wydziału Reżyserii i Dramaturgii krakowskiej Akademii Sztuk Teatralnych im. St. Wyspiańskiego. Nominowana do AURORY, Nagrody Dramaturgicznej im. T. Różewicza i Młod(sz)ej Polski. Wyreżyserowane przez nią „Pieśni piekarzy polskich” zdobyły podczas 14. Forum Młodej Reżyserii nagrodę za reżyserię, nagrodę specjalną „WyspianKiss” oraz Nagrodę Teatru Telewizji, dzięki której przedstawienie zostało zrealizowane w formie spektaklu telewizyjnego.
Pełny program i więcej informacji o festiwalu: https://festiwal-interpretacje.pl/
Pokazy spektakli Teatru Telewizji organizowane są w ramach 23. Ogólnopolskiego Festiwalu Sztuki Reżyserskiej INTERPRETACJE, którego organizatorami są Teatr Śląski im. St. Wyspiańskiego w Katowicach, Miasto Katowice i Katowice Miasto Ogrodów - Instytucja Kultury im. Krystyny Bochenek.
Autorem tekstu jest Mariusz Gołosz – jeden z najzdolniejszych i najwyrazistszych teatralnych głosów literackich młodego pokolenia. To rapowany musical o dwójce piekarzy podróżujących po Polsce w poszukiwaniu pracy – odjechana, spowita mgiełką mąki opowieść o prekariackiej rzeczywistości w czasach późnego kapitalizmu, opowiadana rozbujaną, hip-hopową nawijką historia ciężkiej harówy dwójki podróżujących za pracą przez Polskę piekarzy.
„Pieśni piekarzy polskich" to rap-musical o mrocznych kulisach powstawania waszych ukochanych wypieków. Klaudia Gębska, jedna z najciekawszych reżyserek młodego pokolenia teatralnych twórców, splata bajkową formę z obrazami ciężkiej fizycznej pracy, a codzienna, zwykła piekarnia staje się przestrzenią najważniejszej rozgrywki o godność zwykłego człowieka. Rymy, trup i mąka sypią się gęsto!
„Pieśni piekarzy polskich"
[CYKL Nowa Dramaturgia Polska]
Premiera: TVP Kultura 04.11.2025
Tekst: Mariusz Gołosz
Reżyseria: Klaudia Gębska
Dramaturgia: Patryk Kozłowski
Scenografia i kostiumy: Kornelia Dzikowska-Demirska
Oprawa muzyczna: Karol Augustyniak
Choreografia: Magdalena Kawecka
Teksty piosenek: Michał Królikowski, Piotr Tuleja, Filip Zaręba
Zdjęcia: Paweł Flis
Montaż: Szymon Sabarański
Opieka artystyczna: Paweł Demirski
Obsada:
Michał Badeński
Michał Królikowski
Piotr Tuleja
Alfreda Wodyńska
Filip Zaręba
Czas: 56 min
Klaudia Gębska
Studentka Wydziału Reżyserii i Dramaturgii krakowskiej Akademii Sztuk Teatralnych im. St. Wyspiańskiego. Nominowana do AURORY, Nagrody Dramaturgicznej im. T. Różewicza i Młod(sz)ej Polski. Wyreżyserowane przez nią „Pieśni piekarzy polskich” zdobyły podczas 14. Forum Młodej Reżyserii nagrodę za reżyserię, nagrodę specjalną „WyspianKiss” oraz Nagrodę Teatru Telewizji, dzięki której przedstawienie zostało zrealizowane w formie spektaklu telewizyjnego.
Pełny program i więcej informacji o festiwalu: https://festiwal-interpretacje.pl/
Pokazy spektakli Teatru Telewizji organizowane są w ramach 23. Ogólnopolskiego Festiwalu Sztuki Reżyserskiej INTERPRETACJE, którego organizatorami są Teatr Śląski im. St. Wyspiańskiego w Katowicach, Miasto Katowice i Katowice Miasto Ogrodów - Instytucja Kultury im. Krystyny Bochenek.
INTERPRETACJE Teatru Telewizji - Punkty tkliwe
„Punkty tkliwe” Karo Szczypek to wielowarstwowa opowieść o niepełnosprawnym ciele i jego potrzebach, o wsparciu drugiej osoby, a także o społecznej moralności i symbolicznych strukturach władzy. Autorka zadaje na głos pytania, które badają granice moralności współczesnego społeczeństwa: czy jesteśmy gotowi uznać seksualność osób z niepełnosprawnościami oraz ich prawo do realizacji swoich potrzeb seksualnych?
Kreślone przez Szczypek historie przeplatają się między trzema planami: relacji osoby z niepełnosprawnością z asystentką seksualną, medialnym światem opisującej tę „sensacyjną” historię dziennikarki oraz poetyckimi monologami, w których ciało, choroba i czułość stają się nieoczekiwanymi narzędziami oporu. „Punkty tkliwe” to opowieść o intymności – zarówno fizycznej, jak i emocjonalnej – oraz o tym, jak społeczeństwo reguluje dostęp do ciała, dotyku i pragnienia. To także odważny i przejmujący dramat o granicach ciała, o asystencji seksualnej i o potrzebie bliskości. Autorka zderza intymność z językiem systemu – medycznego, medialnego i korporacyjnego – tworząc mocny, aktualny portret współczesnej wrażliwości. W jej świecie czułość bywa aktem buntu, a dotyk formą politycznego sprzeciwu.
„Punkty tkliwe”
[cykl: Nowa Dramaturgia Polska]
Premiera: TVP Kultura 27.01.2026
Tekst: Karo Szczypek
Reżyseria: Marek Leszczewski
Scenografia: Oliwia Waligóra
Muzyka: Tomasz Mreńca
Kostiumy: Zuzanna Kot
Zdjęcia: Max Bugajak
Montaż: Mariusz Gos
Obsada:
Anna Paliga (Dziewczyna I)
Dorota Furmaniuk (Dziewczyna II)
Anna Szymańczyk (Dziennikarka)
Sambor Czarnota (Redaktor)
Jan Kwapisiewicz (Adam)
Czas: 78 min
Marek Leszczewski
Reżyser filmowy. Studiował teatrologię i historię sztuki na Uniwersytecie Łódzkim. Jest absolwentem reżyserii w Warszawskiej Szkole Filmowej.
Jego filmy krótkometrażowe „Wieczne cienie” oraz „Marzenia samotnych ludzi” były prezentowany na ponad 60 międzynarodowych festiwalach filmowych i otrzymały wiele nagród. W Teatrze Telewizji zadebiutował spektaklem „Punkty tkliwe” (2026).
Pełny program i więcej informacji o festiwalu: https://festiwal-interpretacje.pl/
Pokazy spektakli Teatru Telewizji organizowane są w ramach 23. Ogólnopolskiego Festiwalu Sztuki Reżyserskiej INTERPRETACJE, którego organizatorami są Teatr Śląski im. St. Wyspiańskiego w Katowicach, Miasto Katowice i Katowice Miasto Ogrodów - Instytucja Kultury im. Krystyny Bochenek.
Kreślone przez Szczypek historie przeplatają się między trzema planami: relacji osoby z niepełnosprawnością z asystentką seksualną, medialnym światem opisującej tę „sensacyjną” historię dziennikarki oraz poetyckimi monologami, w których ciało, choroba i czułość stają się nieoczekiwanymi narzędziami oporu. „Punkty tkliwe” to opowieść o intymności – zarówno fizycznej, jak i emocjonalnej – oraz o tym, jak społeczeństwo reguluje dostęp do ciała, dotyku i pragnienia. To także odważny i przejmujący dramat o granicach ciała, o asystencji seksualnej i o potrzebie bliskości. Autorka zderza intymność z językiem systemu – medycznego, medialnego i korporacyjnego – tworząc mocny, aktualny portret współczesnej wrażliwości. W jej świecie czułość bywa aktem buntu, a dotyk formą politycznego sprzeciwu.
„Punkty tkliwe”
[cykl: Nowa Dramaturgia Polska]
Premiera: TVP Kultura 27.01.2026
Tekst: Karo Szczypek
Reżyseria: Marek Leszczewski
Scenografia: Oliwia Waligóra
Muzyka: Tomasz Mreńca
Kostiumy: Zuzanna Kot
Zdjęcia: Max Bugajak
Montaż: Mariusz Gos
Obsada:
Anna Paliga (Dziewczyna I)
Dorota Furmaniuk (Dziewczyna II)
Anna Szymańczyk (Dziennikarka)
Sambor Czarnota (Redaktor)
Jan Kwapisiewicz (Adam)
Czas: 78 min
Marek Leszczewski
Reżyser filmowy. Studiował teatrologię i historię sztuki na Uniwersytecie Łódzkim. Jest absolwentem reżyserii w Warszawskiej Szkole Filmowej.
Jego filmy krótkometrażowe „Wieczne cienie” oraz „Marzenia samotnych ludzi” były prezentowany na ponad 60 międzynarodowych festiwalach filmowych i otrzymały wiele nagród. W Teatrze Telewizji zadebiutował spektaklem „Punkty tkliwe” (2026).
Pełny program i więcej informacji o festiwalu: https://festiwal-interpretacje.pl/
Pokazy spektakli Teatru Telewizji organizowane są w ramach 23. Ogólnopolskiego Festiwalu Sztuki Reżyserskiej INTERPRETACJE, którego organizatorami są Teatr Śląski im. St. Wyspiańskiego w Katowicach, Miasto Katowice i Katowice Miasto Ogrodów - Instytucja Kultury im. Krystyny Bochenek.
KOK - Rozważna i romantyczna
"Rozważna i romantyczna" to ponadczasowa historia miłości, siostrzanej więzi i poszukiwania własnego miejsca w świecie. W rolach głównych występują Daisy Edgar-Jones (Normalni ludzie, Gdzie śpiewają raki) oraz Esmé Creed-Miles (Hanna), tworząc niezapomniany duet sióstr o zupełnie odmiennym spojrzeniu na życie i uczucia.
Po śmierci ojca Elinor (Daisy Edgar-Jones) i Marianne Dashwood (Esmé Creed-Miles) wraz z matką oraz młodszą siostrą zostają zmuszone do opuszczenia rodzinnego domu. W nowej rzeczywistości muszą odnaleźć się w świecie pełnym społecznych oczekiwań, finansowych ograniczeń i trudnych wyborów serca. Jedna kieruje się rozsądkiem, druga podąża za emocjami. Obie odkryją, że droga do szczęścia rzadko przebiega zgodnie z planem.
Pełna romantyzmu, humoru i wzruszeń historia autorstwa Jane Austen od ponad dwóch stuleci zachwyca kolejne pokolenia czytelników i widzów. Opublikowana po raz pierwszy w 1811 roku powieść pozostaje jedną z najpopularniejszych historii miłosnych w literaturze światowej, a jej kolejne ekranizacje niezmiennie cieszą się zainteresowaniem i uwielbieniem.
Nowa wersja "Rozważnej i romantycznej" jest już piątą dużą filmową/telewizyjną adaptacją tej klasycznej powieści, potwierdzając niesłabnącą popularność twórczości Jane Austen. Jej bohaterowie, emocje i relacje wciąż pozostają niezwykle aktualne dla współczesnych widzów.
Po śmierci ojca Elinor (Daisy Edgar-Jones) i Marianne Dashwood (Esmé Creed-Miles) wraz z matką oraz młodszą siostrą zostają zmuszone do opuszczenia rodzinnego domu. W nowej rzeczywistości muszą odnaleźć się w świecie pełnym społecznych oczekiwań, finansowych ograniczeń i trudnych wyborów serca. Jedna kieruje się rozsądkiem, druga podąża za emocjami. Obie odkryją, że droga do szczęścia rzadko przebiega zgodnie z planem.
Pełna romantyzmu, humoru i wzruszeń historia autorstwa Jane Austen od ponad dwóch stuleci zachwyca kolejne pokolenia czytelników i widzów. Opublikowana po raz pierwszy w 1811 roku powieść pozostaje jedną z najpopularniejszych historii miłosnych w literaturze światowej, a jej kolejne ekranizacje niezmiennie cieszą się zainteresowaniem i uwielbieniem.
Nowa wersja "Rozważnej i romantycznej" jest już piątą dużą filmową/telewizyjną adaptacją tej klasycznej powieści, potwierdzając niesłabnącą popularność twórczości Jane Austen. Jej bohaterowie, emocje i relacje wciąż pozostają niezwykle aktualne dla współczesnych widzów.
Koncert na ekranie - Oasis: Don’t Look Back in Anger
„Don’t Look Back in Anger” to zapis triumfalnego powrotu Liama i Noela Gallagherów podczas trasy Oasis Live ’25 – jednego z najbardziej wyczekiwanych rockowych powrotów naszych czasów. To pełna energii i emocji opowieść o największym muzycznym wydarzeniu 2025 roku, pokazująca losy zespołu i jego fanów na całym świecie.
Film pokazuje próby, kulisy i koncerty, a także zawiera pierwszy od ponad 20 lat wspólny wywiad z Noelem i Liamem. Obok fragmentów wyprzedanej światowej trasy Oasis przyglądamy się znaczeniu tego wydarzenia dla fanów zespołu i kolejnych pokoleń słuchaczy oraz temu, jaką rolę w ich życiu odgrywa muzyka Oasis.
Steven Knight mówi: „Światowa trasa Oasis połączyła pokolenia, kultury i kraje, a w podzielonym świecie stała się głosem na rzecz pojednania. «Don’t Look Back in Anger» to nie tylko bilet na koncert – to także przepustka za kulisy i miejsce przy stole, przy którym Liam i Noel po raz pierwszy od 15 lat siadają razem, by opowiedzieć, jak jest i jak było.”
Film pokazuje próby, kulisy i koncerty, a także zawiera pierwszy od ponad 20 lat wspólny wywiad z Noelem i Liamem. Obok fragmentów wyprzedanej światowej trasy Oasis przyglądamy się znaczeniu tego wydarzenia dla fanów zespołu i kolejnych pokoleń słuchaczy oraz temu, jaką rolę w ich życiu odgrywa muzyka Oasis.
Steven Knight mówi: „Światowa trasa Oasis połączyła pokolenia, kultury i kraje, a w podzielonym świecie stała się głosem na rzecz pojednania. «Don’t Look Back in Anger» to nie tylko bilet na koncert – to także przepustka za kulisy i miejsce przy stole, przy którym Liam i Noel po raz pierwszy od 15 lat siadają razem, by opowiedzieć, jak jest i jak było.”
Koncert NIECHĘĆ
Niechęć zaprasza na jesienną trasę!
Muzyka Niechęci nieustannie ewoluuje. Wywodząca się z jazzu, balansująca pomiędzy wściekłością i melancholią, na obecnym etapie skręciła w stronę transowych rytmów i syntezatorowych brzmień (nie zatracając przy tym improwizacyjnego i filmowego charakteru).
Poza materiałem z wcześniejszych płyt zespół wykona (w ramach cyklu “na chwilę przed wejściem do studia”) blisko godzinę premierowego, nie prezentowanego wcześniej materiału.
Będzie to też koncertowa premiera tegorocznego albumu “2025-live”. Płyta zadebiutowała na 2 miejscu oficjalnej (OLIS) listy najlepiej sprzedających się winyli w Polsce. Na koncercie dostępna będzie specjalna, limitowana i numerowana wersja “2025” (a także winylowe wznowienia “Reckless Things” i “Śmierci w miękkim futerku”).
Niechęć zagrała ponad 400 koncertów. Zarówno w trakcie regularnych, samodzielnych tras, jak i biorąc udział w festiwalach (polskich i zagranicznych) m.in. Open’er Festival, Tauron Nowa Muzyka, Warsaw Summer Jazz Days, Colours of Ostrava (Czechy), Copenhagen Jazz Festival (Dania), Glimps Festival (Belgia),Akbank Jazz Festival (Turcja) czy Polish Jazz London Series (Anglia).
Koncert tradycyjnie trwać będzie dwie i pół godziny!
Muzyka Niechęci nieustannie ewoluuje. Wywodząca się z jazzu, balansująca pomiędzy wściekłością i melancholią, na obecnym etapie skręciła w stronę transowych rytmów i syntezatorowych brzmień (nie zatracając przy tym improwizacyjnego i filmowego charakteru).
Poza materiałem z wcześniejszych płyt zespół wykona (w ramach cyklu “na chwilę przed wejściem do studia”) blisko godzinę premierowego, nie prezentowanego wcześniej materiału.
Będzie to też koncertowa premiera tegorocznego albumu “2025-live”. Płyta zadebiutowała na 2 miejscu oficjalnej (OLIS) listy najlepiej sprzedających się winyli w Polsce. Na koncercie dostępna będzie specjalna, limitowana i numerowana wersja “2025” (a także winylowe wznowienia “Reckless Things” i “Śmierci w miękkim futerku”).
Niechęć zagrała ponad 400 koncertów. Zarówno w trakcie regularnych, samodzielnych tras, jak i biorąc udział w festiwalach (polskich i zagranicznych) m.in. Open’er Festival, Tauron Nowa Muzyka, Warsaw Summer Jazz Days, Colours of Ostrava (Czechy), Copenhagen Jazz Festival (Dania), Glimps Festival (Belgia),Akbank Jazz Festival (Turcja) czy Polish Jazz London Series (Anglia).
Koncert tradycyjnie trwać będzie dwie i pół godziny!
Koncert The Dumplings
Po dwunastu latach The Dumplings wracają do debiutanckiego materiału, który otworzył im drzwi do wielkiego muzycznego świata. NO BAD DAYS to podróż do nostalgii lat dwutysięcznych, kiedy to electropop zaczynał rządzić na polskim rynku muzycznym.
Poczuj tamten klimat, posłuchaj ponadczasowych dźwięków sprzed dekady, bądź częścią tego wydarzenia.
The Dumplings to polski duet, wykonujący muzykę electropop. W 2014 zespół wydał swój debiutancki album „No Bad Days”, który został nagrodzony Fryderykiem za fonograficzny debiut roku.
Do tej pory zespół wydał 3 płyty. „No Bad Days”, „Sea You Later” i „RAJ”.
Mają na koncie setki koncertów w Polsce i zagranicą. Gościli m.in. na scenie Open’er, Off Festival, Męskie Granie, Orange Festival, SXSW, Sziget, The Great Escape czy Liverpool Sound City.
The Dumplings odwiedzi 6 miast: Warszawę, Poznań, Wejherowo, Wrocław, Kraków i Katowice.
Bilety na koncerty dostępne w kasach klubów oraz dobrych bileteriach.
Poczuj tamten klimat, posłuchaj ponadczasowych dźwięków sprzed dekady, bądź częścią tego wydarzenia.
The Dumplings to polski duet, wykonujący muzykę electropop. W 2014 zespół wydał swój debiutancki album „No Bad Days”, który został nagrodzony Fryderykiem za fonograficzny debiut roku.
Do tej pory zespół wydał 3 płyty. „No Bad Days”, „Sea You Later” i „RAJ”.
Mają na koncie setki koncertów w Polsce i zagranicą. Gościli m.in. na scenie Open’er, Off Festival, Męskie Granie, Orange Festival, SXSW, Sziget, The Great Escape czy Liverpool Sound City.
The Dumplings odwiedzi 6 miast: Warszawę, Poznań, Wejherowo, Wrocław, Kraków i Katowice.
Bilety na koncerty dostępne w kasach klubów oraz dobrych bileteriach.
Lalka
Dzieło Bolesława Prusa od blisko 140 lat rozpala emocje i wyobraźnię kolejnych pokoleń. Teraz ta ponadczasowa historia trafia na wielki ekran w nowej, spektakularnej, filmowej odsłonie.
"Lalka” to zrealizowana z ogromnym rozmachem superprodukcja i najbardziej gwiazdorski film w historii polskiego kina, gdzie pośród wielu wybitnych nazwisk, w rolach głównych występują: Marcin Dorociński jako Stanisław Wokulski, gwiazda „Chłopów” – Kamila Urzędowska jako Izabela Łęcka oraz powracający na wielki ekran po 16 latach Marek Kondrat w roli Ignacego Rzeckiego.
Nowa ekranizacja „Lalki” to opowiedziana ze współczesną wrażliwością przejmująca, uniwersalna historia o miłości i niespełnieniu, o aspiracjach i przemianie, o świecie, który właśnie się kończy. To film, który zdarza się raz na kilka dekad: epicki, pełen emocji, zrealizowany z imponującą scenografią, dopracowanymi w najdrobniejszych detalach kostiumami i charakteryzacją oraz prawdziwie gwiazdorską obsadą. Warszawa końca XIX wieku. Serce Stanisława Wokulskiego owładnięte jest szaloną miłością do Izabeli Łęckiej. On, dzięki fortunie zdobytej na wojnie, powraca do kraju i postanawia wkroczyć do świata wyższych sfer, aby zdobyć rękę ukochanej. Ona jest olśniewająca i wyniosła, lecz mimo arystokratycznego pochodzenia zmaga się z widmem finansowej ruiny. U boku Wokulskiego stoi jego wierny przyjaciel – Ignacy Rzecki, romantyk, który z nostalgią obserwuje, jak świat ideałów ustępuje miejsca społecznym aspiracjom i bezwzględnej grze interesów. Wokulski wkracza w labirynt arystokratycznych salonów, gdzie każdy gest może być początkiem intrygi, a każde słowo – zapowiedzią zdrady. Stający na jego drodze rywale, niespodziewane sojusze i dramatyczne wybory wystawią na próbę jego marzenia i wiarę w ludzi.
To opowieść o miłosnym zauroczeniu, które zmienia losy bohaterów i zaciera granice między sercem a rozumem
"Lalka” to zrealizowana z ogromnym rozmachem superprodukcja i najbardziej gwiazdorski film w historii polskiego kina, gdzie pośród wielu wybitnych nazwisk, w rolach głównych występują: Marcin Dorociński jako Stanisław Wokulski, gwiazda „Chłopów” – Kamila Urzędowska jako Izabela Łęcka oraz powracający na wielki ekran po 16 latach Marek Kondrat w roli Ignacego Rzeckiego.
Nowa ekranizacja „Lalki” to opowiedziana ze współczesną wrażliwością przejmująca, uniwersalna historia o miłości i niespełnieniu, o aspiracjach i przemianie, o świecie, który właśnie się kończy. To film, który zdarza się raz na kilka dekad: epicki, pełen emocji, zrealizowany z imponującą scenografią, dopracowanymi w najdrobniejszych detalach kostiumami i charakteryzacją oraz prawdziwie gwiazdorską obsadą. Warszawa końca XIX wieku. Serce Stanisława Wokulskiego owładnięte jest szaloną miłością do Izabeli Łęckiej. On, dzięki fortunie zdobytej na wojnie, powraca do kraju i postanawia wkroczyć do świata wyższych sfer, aby zdobyć rękę ukochanej. Ona jest olśniewająca i wyniosła, lecz mimo arystokratycznego pochodzenia zmaga się z widmem finansowej ruiny. U boku Wokulskiego stoi jego wierny przyjaciel – Ignacy Rzecki, romantyk, który z nostalgią obserwuje, jak świat ideałów ustępuje miejsca społecznym aspiracjom i bezwzględnej grze interesów. Wokulski wkracza w labirynt arystokratycznych salonów, gdzie każdy gest może być początkiem intrygi, a każde słowo – zapowiedzią zdrady. Stający na jego drodze rywale, niespodziewane sojusze i dramatyczne wybory wystawią na próbę jego marzenia i wiarę w ludzi.
To opowieść o miłosnym zauroczeniu, które zmienia losy bohaterów i zaciera granice między sercem a rozumem
Lekcje Filmowe - Niewinni czarodzieje
„Musi być boks, musi być jazz, musi być fajny facet, który ma skuter i spotyka fajne dziewczyny, udaje mu się albo nie i do tego ma czasem refleksje”- tak opisał scenariusz filmu młody Jerzy Skolimowski. Starszym od niego Wajdzie i Andrzejewskiemu wytłumaczył w ten zwięzły sposób jak powinno wyglądać współczesne kino opowiadające o młodych ludziach.
Tak oto w kraju gdzie na ekranie cały czas dominowała wojna powstał film współczesny, tożsamy z tym o czym opowiadali młodzi Francuzi czy Anglicy.
Podczas wspólnej nocy lekarz sportowy i muzyk jazzowy, oraz młoda dziewczyna, o której niewiele wiemy, prowadzą grę, przekomarzając się i starając uciec od własnych uczuć. Kryją się pod maską słów i póz.
Środowiskowy portret młodzieży, nakreślony na tle Warszawy przełomu lat 50. i 60. XX wieku z muzyką Krzysztofa Komedy.
Karnet w cenie 75 zł (do nabycia wyłącznie w kasie) obejmuje sobotni koncert Oleś Brothers & Bartosz Pieszka KOMEDA AHEAD oraz niedzielny pokaz filmu „Niewinni czarodzieje”.
*Karnet nie gwarantuje tego samego miejsca na oba wydarzenia
Tak oto w kraju gdzie na ekranie cały czas dominowała wojna powstał film współczesny, tożsamy z tym o czym opowiadali młodzi Francuzi czy Anglicy.
Podczas wspólnej nocy lekarz sportowy i muzyk jazzowy, oraz młoda dziewczyna, o której niewiele wiemy, prowadzą grę, przekomarzając się i starając uciec od własnych uczuć. Kryją się pod maską słów i póz.
Środowiskowy portret młodzieży, nakreślony na tle Warszawy przełomu lat 50. i 60. XX wieku z muzyką Krzysztofa Komedy.
Karnet w cenie 75 zł (do nabycia wyłącznie w kasie) obejmuje sobotni koncert Oleś Brothers & Bartosz Pieszka KOMEDA AHEAD oraz niedzielny pokaz filmu „Niewinni czarodzieje”.
*Karnet nie gwarantuje tego samego miejsca na oba wydarzenia
Lekcje Filmowe - OLEŚ BROTHERS & BARTOSZ PIESZKA - KOMEDA AHEAD
Projekt jazzowy, w którym Marcin Oleś, Bartłomiej Oleś wraz z Bartoszem Pieszką na nowo interpretują legendarnego utwory Krzysztofa Komedy.
Tradycja jazzu i zdobycze muzyki współczesnej nadają muzyce Komedy nowy, oryginalny wymiar, pełen emocjonalności, żywiołowości i finezji.
KOMEDA AHEAD to trio wybitnych improwizatorów, wirtuozów i kompozytorów. Artyści interpretują muzykę legendy polskiego jazzu – Krzysztofa Komedy, bazując zarówno na tradycji jazzu jak i zdobyczach muzyki współczesnej. Nadając muzyce Komedy nowy, oryginalny wymiar, pełen emocjonalności, żywiołowości i finezji.
Zespół w składzie:
Bartosz Pieszka – wibrafon
Marcin Oleś – kontrabas
Bartlomiej Oleś – perkusja
Bartosz Pieszka – polski wibrafonista kompozytor jazzowy, w 2009 roku ukończył z wyróżnieniem Akademię Muzyczną im. Karola Szymanowskiego w Katowicach na wydziale Kompozycji, Interpretacji, Edukacji i Jazzu w Instytucie Jazzu w klasie wibrafonu dr. Bernarda Maselego – nagradzany i wyróżniany na międzynarodowych oraz krajowych konkursach jazzowych.
Bracia – Marcin Oleś kontrabasista i Bartłomiej Oleś perkusista – to muzycy okrzyknięci największym skarbem polskiego jazzu XXI wieku, Polscy Jazzowi Wykonawcy Roku 2016 według kolegium JazzPRESSu i RadioJAZZ.FM – to jedni z bardziej cenionych artystów dzisiejszej sceny jazzowej.
Współpracują z wybitnymi artystami z całego świata jak David Murray, Kenny Werner, Tomasz Stańko, Jorgos Skolias, Antoni Gralak, Theo Jörgensmann, Erik Friedlander, Chris Speed, Herb Robertson, Rob Brown, z którymi koncertują, a także nagrywają wysoko oceniane przez krytyków i publiczność płyty.
Bilety: parter - układ stolikowy 65 zł, balkon 55 zł.
Karnet w cenie 75 zł (do nabycia wyłącznie w kasie) obejmuje sobotni koncert Oleś Brothers & Bartosz Pieszka KOMEDA AHEAD oraz niedzielny pokaz filmu „Niewinni czarodzieje”.
*Karnet nie gwarantuje tego samego miejsca na oba wydarzenia
Tradycja jazzu i zdobycze muzyki współczesnej nadają muzyce Komedy nowy, oryginalny wymiar, pełen emocjonalności, żywiołowości i finezji.
KOMEDA AHEAD to trio wybitnych improwizatorów, wirtuozów i kompozytorów. Artyści interpretują muzykę legendy polskiego jazzu – Krzysztofa Komedy, bazując zarówno na tradycji jazzu jak i zdobyczach muzyki współczesnej. Nadając muzyce Komedy nowy, oryginalny wymiar, pełen emocjonalności, żywiołowości i finezji.
Zespół w składzie:
Bartosz Pieszka – wibrafon
Marcin Oleś – kontrabas
Bartlomiej Oleś – perkusja
Bartosz Pieszka – polski wibrafonista kompozytor jazzowy, w 2009 roku ukończył z wyróżnieniem Akademię Muzyczną im. Karola Szymanowskiego w Katowicach na wydziale Kompozycji, Interpretacji, Edukacji i Jazzu w Instytucie Jazzu w klasie wibrafonu dr. Bernarda Maselego – nagradzany i wyróżniany na międzynarodowych oraz krajowych konkursach jazzowych.
Bracia – Marcin Oleś kontrabasista i Bartłomiej Oleś perkusista – to muzycy okrzyknięci największym skarbem polskiego jazzu XXI wieku, Polscy Jazzowi Wykonawcy Roku 2016 według kolegium JazzPRESSu i RadioJAZZ.FM – to jedni z bardziej cenionych artystów dzisiejszej sceny jazzowej.
Współpracują z wybitnymi artystami z całego świata jak David Murray, Kenny Werner, Tomasz Stańko, Jorgos Skolias, Antoni Gralak, Theo Jörgensmann, Erik Friedlander, Chris Speed, Herb Robertson, Rob Brown, z którymi koncertują, a także nagrywają wysoko oceniane przez krytyków i publiczność płyty.
Bilety: parter - układ stolikowy 65 zł, balkon 55 zł.
Karnet w cenie 75 zł (do nabycia wyłącznie w kasie) obejmuje sobotni koncert Oleś Brothers & Bartosz Pieszka KOMEDA AHEAD oraz niedzielny pokaz filmu „Niewinni czarodzieje”.
*Karnet nie gwarantuje tego samego miejsca na oba wydarzenia
Lekcje Filmowe - Trainspotting
Kultowe dzieło lat 90. Adaptacja głośnej powieści Irwina Welsha. Sztandarowa pozycja filmowa czasów Britpopu.
Słodko – gorzka opowieść o uzależnieniach młodych ludzi z Edynburga. Kiedy nasz główny bohater postanawia zerwać z nałogiem i opuścić towarzystwo swych specyficznych kolegów zadanie okazuje się oczywiście nad wyraz skomplikowane.
Znakomita, skonstruowana w formie teledyskowej historia, która raczy nas na przemian humorem i przerażeniem.
W filmie wykorzystano muzykę topowych brytyjskich grup jak: Pulp i Blur, ale także słynny utwór Lou Reeda.
Słodko – gorzka opowieść o uzależnieniach młodych ludzi z Edynburga. Kiedy nasz główny bohater postanawia zerwać z nałogiem i opuścić towarzystwo swych specyficznych kolegów zadanie okazuje się oczywiście nad wyraz skomplikowane.
Znakomita, skonstruowana w formie teledyskowej historia, która raczy nas na przemian humorem i przerażeniem.
W filmie wykorzystano muzykę topowych brytyjskich grup jak: Pulp i Blur, ale także słynny utwór Lou Reeda.
Lekcje Filmowe - Zmierzch bogów
Arcydzieło Viscontiego, który tym filmem wchodzi w nowy etap swej twórczości zamykając rozdział neorealizmu.
Film jest historią rozkładu i upadku rodziny wielkich niemieckich przemysłowców w okresie poprzedzającym dojście Hitlera do władzy. Śmierć seniora rodu uruchamia najgorsze instynkty wśród członków rodziny. Chęć zdobycia władzy i majątku, intrygi, zdrady i zbrodnie oraz towarzyszące temu perwersje i różnego typu wynaturzenia. Wszystko to objawia się wtedy kiedy na zewnątrz do władzy dochodzi zło w czystej postaci.
Film jest historią rozkładu i upadku rodziny wielkich niemieckich przemysłowców w okresie poprzedzającym dojście Hitlera do władzy. Śmierć seniora rodu uruchamia najgorsze instynkty wśród członków rodziny. Chęć zdobycia władzy i majątku, intrygi, zdrady i zbrodnie oraz towarzyszące temu perwersje i różnego typu wynaturzenia. Wszystko to objawia się wtedy kiedy na zewnątrz do władzy dochodzi zło w czystej postaci.
Niebo nad Normandią
Trzymający w napięciu film oparty na prawdziwych, nieopowiedzianych dotąd kulisach desantu wojsk alianckich w Normandii w 1944 roku.
„Niebo nad Normandią” to opowieść o odpowiedzialności i o tym, jak jeden człowiek może wpłynąć na bieg historii. W rolach głównych: mistrz złożonych ról, charyzmatyczny Andrew Scott („Dobrzy nieznajomi”), zdobywca Oscara Brendan Fraser („Wieloryb”), laureat nagrody Emmy oraz Złotego Globu Damian Lewis („Homeland”) oraz wszechstronna Kerry Condon („F1”). Za kamerą stanął Anthony Maras, reżyser przejmującego thrillera, opartego na faktach „Hotelu Mumbai”.
72 godziny przed lądowaniem w Normandii, losy świata mają zależeć od… pogody. Wojna to nie tylko bitwy, to w szczególności strategie i decyzje, których skutki odczuć mogą miliony. Pracujący dla brytyjskiej armii meteorolog James Stagg (Andrew Scott) musi podjąć najważniejszą decyzję w swojej karierze – prognoza, którą przedstawi, może przesądzić o sukcesie lub klęsce największej operacji wojskowej w historii. Zamknięty w atmosferze nieufności i presji ze strony najwyższych dowódców, Stagg toczy psychologiczną walkę z czasem, wspierany jedynie przez kapitan Kay Summersby (Kerry Condon). Nad wszystkim czuwa generał Dwight D. Eisenhower (Brendan Fraser), który musi zdecydować czy ruszyć z inwazją, czy ją opóźnić – ryzykując, że Niemcy odkryją plany aliantów.
„Niebo nad Normandią” to opowieść o odpowiedzialności i o tym, jak jeden człowiek może wpłynąć na bieg historii. W rolach głównych: mistrz złożonych ról, charyzmatyczny Andrew Scott („Dobrzy nieznajomi”), zdobywca Oscara Brendan Fraser („Wieloryb”), laureat nagrody Emmy oraz Złotego Globu Damian Lewis („Homeland”) oraz wszechstronna Kerry Condon („F1”). Za kamerą stanął Anthony Maras, reżyser przejmującego thrillera, opartego na faktach „Hotelu Mumbai”.
72 godziny przed lądowaniem w Normandii, losy świata mają zależeć od… pogody. Wojna to nie tylko bitwy, to w szczególności strategie i decyzje, których skutki odczuć mogą miliony. Pracujący dla brytyjskiej armii meteorolog James Stagg (Andrew Scott) musi podjąć najważniejszą decyzję w swojej karierze – prognoza, którą przedstawi, może przesądzić o sukcesie lub klęsce największej operacji wojskowej w historii. Zamknięty w atmosferze nieufności i presji ze strony najwyższych dowódców, Stagg toczy psychologiczną walkę z czasem, wspierany jedynie przez kapitan Kay Summersby (Kerry Condon). Nad wszystkim czuwa generał Dwight D. Eisenhower (Brendan Fraser), który musi zdecydować czy ruszyć z inwazją, czy ją opóźnić – ryzykując, że Niemcy odkryją plany aliantów.
Obcy
„Obcy” ("L'étranger") to nowa ekranizacja jednej z najwybitniejszych francuskich powieści XX wieku autorstwa Alberta Camusa, opublikowanej w 1942 roku.
François Ozon opowiada historię Meursaulta, skromnego, niepozornego urzędnika, którego codziennej rutyny nie przerywa nawet śmierć matki. Do czasu, gdy pewnego gorącego dnia na plaży dochodzi do tragicznego zdarzenia. Adaptacja Ozona, która miała premierę w Konkursie Głównym festiwalu w Wenecji, to niezwykle aktualna opowieść o poszukiwaniu sensu w świecie, w którym wszelki sens został zagubiony. Oszczędne dialogi i piękne czarno-białe zdjęcia, stanowiące hołd dla klasycznego kina, budują wyjątkową atmosferę filmu. W rolach głównych Benjamin Voisin („Stracone złudzenia”, „Lato ‘85”) oraz Rebecca Marder („Moja zbrodnia”).
François Ozon opowiada historię Meursaulta, skromnego, niepozornego urzędnika, którego codziennej rutyny nie przerywa nawet śmierć matki. Do czasu, gdy pewnego gorącego dnia na plaży dochodzi do tragicznego zdarzenia. Adaptacja Ozona, która miała premierę w Konkursie Głównym festiwalu w Wenecji, to niezwykle aktualna opowieść o poszukiwaniu sensu w świecie, w którym wszelki sens został zagubiony. Oszczędne dialogi i piękne czarno-białe zdjęcia, stanowiące hołd dla klasycznego kina, budują wyjątkową atmosferę filmu. W rolach głównych Benjamin Voisin („Stracone złudzenia”, „Lato ‘85”) oraz Rebecca Marder („Moja zbrodnia”).
Ojczyzna
„Ojczyzna” to najnowszy, długo wyczekiwany film laureata Oscara®, Pawła Pawlikowskiego, twórcy „Idy” i „Zimnej wojny”, zdobywca nagrody za reżyserię na tegorocznym 79. Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Cannes.
Poprzedni film Pawlikowskiego, „Zimna wojna”, również nagrodzony za reżyserię w Cannes, oprócz spektakularnego sukcesu międzynarodowego (52 nagrody i 126 nominacje, w tym do Oscara® dla najlepszego filmu nieanglojęzycznego, za najlepszą reżyserię i najlepsze zdjęcia) podbił serca polskiej publiczności, przyciągając do kin ponad 1 milion widzów.
W swoim najnowszym dziele, podobnie jak w „Idzie” i „Zimnej wojnie”, reżyser podejmuje tematy tożsamości, winy, rodziny i miłości na tle chaosu i moralnego zagubienia powojennej Europy.
"'Ojczyzna' splata w sobie wiele wątków, ale opowiada o nich z umiarem i prostotą, w mocnych kadrach i gęstych scenach, pozostawiając widzowi przestrzeń do przeżywania i wyobrażania." Paweł Pawlikowski
W rolach głównych zobaczymy nominowaną do Oscara® Sandrę Hüller („Strefa interesów”, „Anatomia upadku”, „Projekt Hail Mary”) i Hannsa Zischlera („Monachium”). Scenariusz napisali Paweł Pawlikowski i Henk Handloegten. Do realizacji filmu reżyser ponownie zaprosił swój wieloletni zespół twórczy – nominowanego do Oscara® operatora Łukasza Żala („Hamnet”), kostiumografkę Aleksandrę Staszko („Ministranci”) oraz scenografów Katarzynę Sobańską i Marcela Sławińskiego („Lalka”).
„Ojczyzna" opowiada o relacji między Thomasem Mannem (Hanns Zischler), laureatem Nagrody Nobla w dziedzinie literatury, a jego córką Eriką (Sandra Hüller) – aktorką i pisarką. Akcja rozgrywa się w szczytowym okresie zimnej wojny. Ojciec i córka wyruszają w trudną, pełną emocji podróż czarnym Buickiem przez zrujnowane Niemcy – z Frankfurtu pod kontrolą amerykańską do Weimaru pod wpływem sowieckim. Po raz pierwszy od zakończenia wojny Mann wraca do swojej ojczyzny, po tym jak podjął wcześniej trudną decyzję o emigracji do Stanów Zjednoczonych.
Producentami filmu są: Mario Gianani i Lorenzo Mieli (OUR Films), Ewa Puszczyńska (Extreme Emotions), Jeanne Tremsal i Edward Berger (Nine Hours), Dimitri Rassam (Chapter 2) oraz Lorenzo Gangarossa (Circle One).
Ze strony polskiej film powstał w koprodukcji z Canal+ Polska, Wytwórnią Filmów Fabularnych we Wrocławiu, Dolnośląskim Centrum Filmowym i Instytucją Filmową Silesia-Film.
Film został współfinansowany przez Polski Instytut Sztuki Filmowej. Produkcję dofinansowano także ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego.
Poprzedni film Pawlikowskiego, „Zimna wojna”, również nagrodzony za reżyserię w Cannes, oprócz spektakularnego sukcesu międzynarodowego (52 nagrody i 126 nominacje, w tym do Oscara® dla najlepszego filmu nieanglojęzycznego, za najlepszą reżyserię i najlepsze zdjęcia) podbił serca polskiej publiczności, przyciągając do kin ponad 1 milion widzów.
W swoim najnowszym dziele, podobnie jak w „Idzie” i „Zimnej wojnie”, reżyser podejmuje tematy tożsamości, winy, rodziny i miłości na tle chaosu i moralnego zagubienia powojennej Europy.
"'Ojczyzna' splata w sobie wiele wątków, ale opowiada o nich z umiarem i prostotą, w mocnych kadrach i gęstych scenach, pozostawiając widzowi przestrzeń do przeżywania i wyobrażania." Paweł Pawlikowski
W rolach głównych zobaczymy nominowaną do Oscara® Sandrę Hüller („Strefa interesów”, „Anatomia upadku”, „Projekt Hail Mary”) i Hannsa Zischlera („Monachium”). Scenariusz napisali Paweł Pawlikowski i Henk Handloegten. Do realizacji filmu reżyser ponownie zaprosił swój wieloletni zespół twórczy – nominowanego do Oscara® operatora Łukasza Żala („Hamnet”), kostiumografkę Aleksandrę Staszko („Ministranci”) oraz scenografów Katarzynę Sobańską i Marcela Sławińskiego („Lalka”).
„Ojczyzna" opowiada o relacji między Thomasem Mannem (Hanns Zischler), laureatem Nagrody Nobla w dziedzinie literatury, a jego córką Eriką (Sandra Hüller) – aktorką i pisarką. Akcja rozgrywa się w szczytowym okresie zimnej wojny. Ojciec i córka wyruszają w trudną, pełną emocji podróż czarnym Buickiem przez zrujnowane Niemcy – z Frankfurtu pod kontrolą amerykańską do Weimaru pod wpływem sowieckim. Po raz pierwszy od zakończenia wojny Mann wraca do swojej ojczyzny, po tym jak podjął wcześniej trudną decyzję o emigracji do Stanów Zjednoczonych.
Producentami filmu są: Mario Gianani i Lorenzo Mieli (OUR Films), Ewa Puszczyńska (Extreme Emotions), Jeanne Tremsal i Edward Berger (Nine Hours), Dimitri Rassam (Chapter 2) oraz Lorenzo Gangarossa (Circle One).
Ze strony polskiej film powstał w koprodukcji z Canal+ Polska, Wytwórnią Filmów Fabularnych we Wrocławiu, Dolnośląskim Centrum Filmowym i Instytucją Filmową Silesia-Film.
Film został współfinansowany przez Polski Instytut Sztuki Filmowej. Produkcję dofinansowano także ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego.
Pożegnalna trasa koncertowa Lecha Janerki
Zapraszamy na koncert podczas pożegnalnej trasy Lecha Janerki!
Będzie to spotkanie z muzyką jednego z najbardziej niepokornych twórców polskiej sceny – pełne refleksji, charakterystycznego humoru i niepowtarzalnej atmosfery. Artysta zaprezentuje najważniejsze utwory ze swojej wieloletniej kariery.
Skład zespołu:
Bożena Janerka
Lech Janerka
Michał Mioduszewski
Bartosz Straburzyński
Lech Janerka - jedna z najbardziej oryginalnych i niezależnych postaci polskiej muzyki rockowej. Kompozytor, basista, wokalista i autor tekstów, który od ponad czterech dekad konsekwentnie idzie własną drogą. Artysta związany z Wrocławiem, gdzie się urodził i gdzie rozpoczęła się jego muzyczna historia.
Na przełomie lat 70. i 80 założył legendarny zespół Klaus Mitffoch. Jedyny album grupy – uznany dziś za jedną z najważniejszych płyt w historii polskiego rocka – na trwałe zapisał się w historii muzyki. Po rozwiązaniu zespołu Janerka rozpoczął działalność solową, wydając w 1986 roku album „Historia podwodna”. Od tego momentu konsekwentnie buduje własny, niepowtarzalny język muzyczny, łączący rock, elektronikę i nieoczywiste rozwiązania brzmieniowe z charakterystycznymi, pełnymi ironii i neologizmów tekstami.
Na swoim koncie ma wiele ważnych albumów, w tym „Ur”, „Bruhaha”, „Dobranoc”, „Fiu Fiu”, „Plagiaty” oraz wydany po latach przerwy album „Gipsowy odlew falsyfikatu”. Wiele utworów artysty – takich jak „Konstytucje”, „Ta zabawa nie jest dla dziewczynek”, „Jezu jak się cieszę”, „Rower” czy „Strzeż się” – na stałe weszło do kanonu polskiej muzyki.
W 2023 roku, po ukazaniu się długo wyczekiwanej (18 lat) płyty artysty "Gipsowy odlew falsyfikatu”, wydawało się, że za chwilę powstanie kolejna i że nastąpi powrót do koncertowania.
Ten refleksyjny album został bardzo ciepło przyjęty przez fanów i krytyków, m.in. wyróżniono go jako polską płytę roku w redakcyjnych plebiscytach "Polityki", "Gazety Wyborczej” i „Onetu”, otrzymał również 5 Fryderyków.
Ale Lech Janerka postanowił zakończyć w tym roku działania koncertowe...
Będzie to spotkanie z muzyką jednego z najbardziej niepokornych twórców polskiej sceny – pełne refleksji, charakterystycznego humoru i niepowtarzalnej atmosfery. Artysta zaprezentuje najważniejsze utwory ze swojej wieloletniej kariery.
Skład zespołu:
Bożena Janerka
Lech Janerka
Michał Mioduszewski
Bartosz Straburzyński
Lech Janerka - jedna z najbardziej oryginalnych i niezależnych postaci polskiej muzyki rockowej. Kompozytor, basista, wokalista i autor tekstów, który od ponad czterech dekad konsekwentnie idzie własną drogą. Artysta związany z Wrocławiem, gdzie się urodził i gdzie rozpoczęła się jego muzyczna historia.
Na przełomie lat 70. i 80 założył legendarny zespół Klaus Mitffoch. Jedyny album grupy – uznany dziś za jedną z najważniejszych płyt w historii polskiego rocka – na trwałe zapisał się w historii muzyki. Po rozwiązaniu zespołu Janerka rozpoczął działalność solową, wydając w 1986 roku album „Historia podwodna”. Od tego momentu konsekwentnie buduje własny, niepowtarzalny język muzyczny, łączący rock, elektronikę i nieoczywiste rozwiązania brzmieniowe z charakterystycznymi, pełnymi ironii i neologizmów tekstami.
Na swoim koncie ma wiele ważnych albumów, w tym „Ur”, „Bruhaha”, „Dobranoc”, „Fiu Fiu”, „Plagiaty” oraz wydany po latach przerwy album „Gipsowy odlew falsyfikatu”. Wiele utworów artysty – takich jak „Konstytucje”, „Ta zabawa nie jest dla dziewczynek”, „Jezu jak się cieszę”, „Rower” czy „Strzeż się” – na stałe weszło do kanonu polskiej muzyki.
W 2023 roku, po ukazaniu się długo wyczekiwanej (18 lat) płyty artysty "Gipsowy odlew falsyfikatu”, wydawało się, że za chwilę powstanie kolejna i że nastąpi powrót do koncertowania.
Ten refleksyjny album został bardzo ciepło przyjęty przez fanów i krytyków, m.in. wyróżniono go jako polską płytę roku w redakcyjnych plebiscytach "Polityki", "Gazety Wyborczej” i „Onetu”, otrzymał również 5 Fryderyków.
Ale Lech Janerka postanowił zakończyć w tym roku działania koncertowe...
Rialto DOCumentalnie - Lech Janerka – śpij, śpij inteligencie
Po seansie spotkanie z Lechem Janerką oraz Grzegorzem Brzozowiczem (reżyserem filmu). Rozmowę poprowadzi Piotr Metz.
Pierwszy pełnometrażowy film dokumentalny poświęcony jednemu z najbardziej oryginalnych twórców polskiej muzyki – Lech Janerka – jest próbą uchwycenia artysty, który od ponad czterech dekad konsekwentnie idzie własną drogą, pozostając poza głównym nurtem i jednocześnie wywierając na niego ogromny wpływ.
Zamiast klasycznej biografii, twórcy proponują poetycką podróż pomiędzy jawą a snem. Punktem wyjścia staje się język Janerki – pełen neologizmów, skrótów myślowych i filozoficznych refleksji – w którym najczęściej powracają motywy snu, śnienia i zasypiania. To właśnie one wyznaczają strukturę filmu: hipnotycznej opowieści, w której realne miejsca z życia bohatera przenikają się z przestrzeniami wyobrażonymi.
Narratorem jest sam Janerka, a jedyną osobą dopowiadającą jego historię pozostaje jego żona, Bożena Janerka. Ich głosy prowadzą widza przez świat zbudowany z dźwięków, słów i obrazów – uzupełniony o archiwalia, fragmenty koncertów oraz inscenizacje i animacje inspirowane twórczością artysty.
Film przypomina o fenomenie zespołu Klaus Mitffoch, którego debiutancki album uznawany jest za jedną z najważniejszych płyt w historii polskiego rocka, oraz śledzi dalszą drogę Janerki jako solisty, autora dziesięciu albumów i dwóch tomów poetyckich. Szczególne miejsce zajmuje jego powrót po osiemnastoletniej przerwie – album „Gipsowy odlew falsyfikatu” (2023), nagrodzony pięcioma Fryderykami, który potwierdził jego niezmienną artystyczną siłę.
"Lech Janerka – śpij, śpij inteligencie" to nie tylko portret wybitnego muzyka, ale także refleksja nad językiem, pamięcią i przemianami polskiej rzeczywistości ostatnich dekad. To film o artyście, który „niczego nie musi”, a mimo to wciąż znajduje nowe sposoby, by opowiadać o świecie – cicho, przewrotnie i z niepokojącą precyzją.
Pierwszy pełnometrażowy film dokumentalny poświęcony jednemu z najbardziej oryginalnych twórców polskiej muzyki – Lech Janerka – jest próbą uchwycenia artysty, który od ponad czterech dekad konsekwentnie idzie własną drogą, pozostając poza głównym nurtem i jednocześnie wywierając na niego ogromny wpływ.
Zamiast klasycznej biografii, twórcy proponują poetycką podróż pomiędzy jawą a snem. Punktem wyjścia staje się język Janerki – pełen neologizmów, skrótów myślowych i filozoficznych refleksji – w którym najczęściej powracają motywy snu, śnienia i zasypiania. To właśnie one wyznaczają strukturę filmu: hipnotycznej opowieści, w której realne miejsca z życia bohatera przenikają się z przestrzeniami wyobrażonymi.
Narratorem jest sam Janerka, a jedyną osobą dopowiadającą jego historię pozostaje jego żona, Bożena Janerka. Ich głosy prowadzą widza przez świat zbudowany z dźwięków, słów i obrazów – uzupełniony o archiwalia, fragmenty koncertów oraz inscenizacje i animacje inspirowane twórczością artysty.
Film przypomina o fenomenie zespołu Klaus Mitffoch, którego debiutancki album uznawany jest za jedną z najważniejszych płyt w historii polskiego rocka, oraz śledzi dalszą drogę Janerki jako solisty, autora dziesięciu albumów i dwóch tomów poetyckich. Szczególne miejsce zajmuje jego powrót po osiemnastoletniej przerwie – album „Gipsowy odlew falsyfikatu” (2023), nagrodzony pięcioma Fryderykami, który potwierdził jego niezmienną artystyczną siłę.
"Lech Janerka – śpij, śpij inteligencie" to nie tylko portret wybitnego muzyka, ale także refleksja nad językiem, pamięcią i przemianami polskiej rzeczywistości ostatnich dekad. To film o artyście, który „niczego nie musi”, a mimo to wciąż znajduje nowe sposoby, by opowiadać o świecie – cicho, przewrotnie i z niepokojącą precyzją.
Wielka Sztuka w Kinoteatrze Rialto - Egon Schiele. Poza tabu
Egon Schiele (1890-1918) - chłopak z austro-węgierskiej prowincji, którego sztuka zdobi najważniejsze muzea świata, prowokator oskarżany o szerzenie pornografii, prekursor ekspresjonizmu, na którego płótnach śmierć i pożądanie splatają się w miłosnym uścisku. Zmarły w wieku zaledwie 28 lat Schiele pozostawił po sobie zdumiewająco bogaty dorobek, wywracający do góry nogami estetyczne kanony. „Egon Schiele. Poza tabu” kreśli fascynujący portret genialnego artysty: dziecka niespokojnej, zwieńczonej I wojną światową i zarazą epoki, który poprzez erotykę docierał do tego, co w nas najbardziej kruche, intymne i bezbronne.
„Egon Schiele. Poza tabu” opowiada o tym, co uformowało wewnętrzny świat artysty. Zwiedzamy więc dekadencki Wiedeń i skąpaną w secesji Pragę, z których uciekał na prowincję,
trafiamy do Czeskiego Krumlova czy austriackiego Neulengbach, gdzie gorszył prowincjuszy. Poznajemy skomplikowane relacje z kobietami: fascynację siostrą Gerti, namiętny związek z muzą Valerie Neuzil, pełne dystansu małżeństwo z Edith Harms. Jedną z kluczowych bohaterek tej biografii jest także matka, obojętna na talent syna. „Malowałem, żeby mnie dostrzeżono” – notował Schiele.
Tworzył w czasach kwestionowania mieszczańskich norm i rozkwitu sztuki, w cieniu upadającego imperium. Nic dziwnego, że twórcy dokumentu podkreślają podobieństwa między artystą a Franzem Kafką. Obu zajmował związek seksu i śmierci, żyli z przeczuciem katastrofy i radykalnie zmienili pejzaż malarstwa i literatury. Wypełniony arcydziełami „Egon Schiele. Poza tabu” prezentuje skarby z największej na świecie kolekcji malarstwa Schielego w wiedeńskim Muzeum Leopoldów. Nagość nikogo już nie oburza, ale tym, co naprawdę obnaża Schiele, jest bezbronność ciała wobec działania czasu. A to wciąż potężne tabu.
„Egon Schiele. Poza tabu” opowiada o tym, co uformowało wewnętrzny świat artysty. Zwiedzamy więc dekadencki Wiedeń i skąpaną w secesji Pragę, z których uciekał na prowincję,
trafiamy do Czeskiego Krumlova czy austriackiego Neulengbach, gdzie gorszył prowincjuszy. Poznajemy skomplikowane relacje z kobietami: fascynację siostrą Gerti, namiętny związek z muzą Valerie Neuzil, pełne dystansu małżeństwo z Edith Harms. Jedną z kluczowych bohaterek tej biografii jest także matka, obojętna na talent syna. „Malowałem, żeby mnie dostrzeżono” – notował Schiele.
Tworzył w czasach kwestionowania mieszczańskich norm i rozkwitu sztuki, w cieniu upadającego imperium. Nic dziwnego, że twórcy dokumentu podkreślają podobieństwa między artystą a Franzem Kafką. Obu zajmował związek seksu i śmierci, żyli z przeczuciem katastrofy i radykalnie zmienili pejzaż malarstwa i literatury. Wypełniony arcydziełami „Egon Schiele. Poza tabu” prezentuje skarby z największej na świecie kolekcji malarstwa Schielego w wiedeńskim Muzeum Leopoldów. Nagość nikogo już nie oburza, ale tym, co naprawdę obnaża Schiele, jest bezbronność ciała wobec działania czasu. A to wciąż potężne tabu.
Wielka Sztuka w Kinoteatrze Rialto - Frida: Viva la Vida
Z jednej strony ikona niezależności i kobiecej siły, zmagająca się z bólem i miłosnymi zawodami, z drugiej, artystka, wyzwolona z wszelkich fizycznych ograniczeń. Z biegiem lat Frida Kahlo stała się ikoną, a jej sztuka wywarła wpływ na artystów z różnych dziedzin. Wizerunek Kahlo stał się kultowy. Artystka stawiała czoło życiu naznaczonemu cierpieniem z determinacją i zachłannością, jednak to tylko jeden z elementów składających się na jej fenomen. Sztuka Fridy Kahlo łączy ból i siłę, cierpienie i miłość. Asia Argento jako narratorka wprowadza widza w świat Fridy złożony z listów, pamiętników i prywatnych wyznań. To podzielona na sześć etapów podróż do serca Meksyku, wypełniona wywiadami, dokumentami, rekonstrukcjami i niezwykłymi obrazami Kahlo.
Wielka Sztuka w Kinoteatrze Rialto - Michał Anioł. Miłość i śmierć
Nakręcony przy okazji znakomitej wystawy w National Gallery w Londynie film prezentuje opowiedzianą na nowo, pełną mało znanych faktów biografię Michała Anioła Buonarrotiego, który wraz z Leonardem da Vinci, jest uważany za jednego z największych artystów epoki renesansu – a może i wszechczasów. Z tej perspektywy Michał Anioł jawi się jako artysta nowoczesny, geniusz totalny, który z równą maestrią przejawiał się w dziedzinie malarstwa (rysunki i freski), rzeźby i architektury. Jego arcydzieła należą do najważniejszych obiektów światowego dziedzictwa: powszechnie uwielbiany posąg Dawida we Florencji, freski na sklepieniu i ścianie ołtarzowej w Kaplica Sykstyńskiej w Rzymie, oraz tzw. Madonna Manchester, czyli Maria z Nazaretu, znajdująca się obecnie w National Gallery.
Film Phila Grabsky’ego trafi z pewnością do serc tych, na których wyobraźnię działa gigantyczna twórczość Michała Anioła i jego namiętna natura oraz burzliwe dzieje życia i twórczości.
Film Phila Grabsky’ego trafi z pewnością do serc tych, na których wyobraźnię działa gigantyczna twórczość Michała Anioła i jego namiętna natura oraz burzliwe dzieje życia i twórczości.
Wielka Sztuka w Kinoteatrze Rialto - Muzeum Prado: kolekcja cudów
Filmowa podróż po jednym z najsłynniejszych muzeów świata, które obchodzi właśnie jubileusz 200-lecia istnienia. Madrycką chlubę, Museo Nacional del Prado, odwiedza rocznie 3 miliony zwiedzających, by podziwiać ponad 8.000 dzieł tam zgromadzonych. Prado ma unikatową kolekcję malarstwa hiszpańskiego, włoskiego, niderlandzkiego, flamandzkiego oraz niemieckiego, francuskiego i angielskiego, a także zbiory rzeźby rzymskiej i staroiberyjskiej oraz wyroby rzemiosła artystycznego.
Po madryckiej chlubie, mieniącej się dziełami Velázqueza, Rubensa, Tycjana, Mantegna, Boscha, Goi czy El Greca, oprowadzi nas laureat Oscara – aktor Jeremy Irons (Rodzina Borgiów, Nierozłączni, Druga prawda, Misja, Kochanica Francuza, Lolita, Dom dusz). Zagłębimy się w historii Hiszpanii i całego europejskiego kontynentu, w historii królów, królowych, dynastii, wojen, porażek i zwycięstw, ale też w historii życia ludzi nierozerwalnie związanych z muzeum: malarzy, artystów, architektów, kuratorów i kolekcjonerów. To jedyna w swoim rodzaju okazja, by odkryć piękno zachowane w zbiorach tej świątyni sztuki.
Po madryckiej chlubie, mieniącej się dziełami Velázqueza, Rubensa, Tycjana, Mantegna, Boscha, Goi czy El Greca, oprowadzi nas laureat Oscara – aktor Jeremy Irons (Rodzina Borgiów, Nierozłączni, Druga prawda, Misja, Kochanica Francuza, Lolita, Dom dusz). Zagłębimy się w historii Hiszpanii i całego europejskiego kontynentu, w historii królów, królowych, dynastii, wojen, porażek i zwycięstw, ale też w historii życia ludzi nierozerwalnie związanych z muzeum: malarzy, artystów, architektów, kuratorów i kolekcjonerów. To jedyna w swoim rodzaju okazja, by odkryć piękno zachowane w zbiorach tej świątyni sztuki.
Wielka Sztuka w Kinoteatrze Rialto - Największy lęk Hitlera: proces przeciwko sztuce zdegenerowanej
Gdy sztuka zaczyna stanowić zagrożenie, kto decyduje, co zostanie ocalone? W 1937 roku nazistowski reżim wypowiedział wojnę nowoczesności, uznając artystów takich jak Picasso, Chagall, Van Gogh i Matisse za „zdegenerowanych”. Ich dzieła były zakazywane, niszczone. Drwiono z nich na prześmiewczych wystawach, podczas gdy sztuka zgodna z aryjskimi ideałami była gloryfikowana przez państwo.
Osadzony w kontekście nowej, dużej wystawy w Muzeum Picassa w Paryżu, dokument analizuje ten ideologiczny atak, sięgając po nieznane szerzej materiały filmowe, ocenzurowane dzieła sztuki oraz relacje kuratorów i ocalałych. Twórcy wzbogacają perspektywę o muzykę, literaturę i architekturę, ukazując, jak Rzesza zwalczała wszelkie formy twórczego sprzeciwu.
To poruszająca i wyjątkowo aktualna refleksja nad represją, oporem oraz nieustanną walką o wolność tworzenia.
Osadzony w kontekście nowej, dużej wystawy w Muzeum Picassa w Paryżu, dokument analizuje ten ideologiczny atak, sięgając po nieznane szerzej materiały filmowe, ocenzurowane dzieła sztuki oraz relacje kuratorów i ocalałych. Twórcy wzbogacają perspektywę o muzykę, literaturę i architekturę, ukazując, jak Rzesza zwalczała wszelkie formy twórczego sprzeciwu.
To poruszająca i wyjątkowo aktualna refleksja nad represją, oporem oraz nieustanną walką o wolność tworzenia.
Wielka Sztuka w Kinoteatrze Rialto - Whistler. Prekursor modernizmu.
Buntownik, wizjoner i mistrz znany jest najbardziej z portretu swojej matki. Sprzeciwiał się sztywnym konwencjom wiktoriańskiego społeczeństwa, dążąc do stworzenia nowego kultu piękna. Tworzył sztukę dla sztuki, zapewniając sobie miejsce w historii wielkiego malarstwa. James McNeill Whistler, uważany za jednego z wielkich innowatorów sztuki XIX wieku, podziwianym m.in. przez Vincenta van Gogha i Édouarda Maneta.