Dzień św. Patryka - koncert Beltaine
BELTAINE to jeden z najciekawszych zespołów polskiej sceny folkowej.
Swoje niepowtarzalne brzmienie osiągnął dzięki szczególnej umiejętności łączenia muzyki tradycyjnej (world/celtic) z muzyką współczesną.
Siedem osobowości i siedem różnych światów spotyka się ze sobą tworząc wyjątkową mieszankę.
„Grupa utalentowanych muzyków pozwala sobie na eskapady w rejony znane tylko współczesnej muzyce popularnej. To właśnie jest najbardziej charakterystyczne w twórczości Beltaine, bycie poza stylistyczną klamrą. Umiejętność zacierania granic pomiędzy folkowym brzmieniem a współczesnymi trendami szczególnie sprawdza się w występach na żywo przed publicznością”.
Od początku ogromną siłą Beltaine były żywiołowe koncerty, entuzjastycznie przyjmowane przez publiczność każdej szerokości geograficznej. Grupa koncertowała m.in. w Malezji, Meksyku, USA i Kanadzie; jest regularnie zapraszana na prestiżowe festiwale w całej Europie.
Dotychczas Beltaine wydał następujące płyty:
● Rockhill (2004)
● KONCENtRAD (2007)
● Tríú (2010)
● Live (2011)
● Miusjik (2015)
● Live'15 (2016)
● OBSERVER (2023)
Aktualny skład:
ADAM ROMAŃSKI // skrzypce
JAKUB GOLDFINCH SZCZYGIEŁ // flety
JAN GAŁCZEWSKI // bouzouki irlandzkie, dudy
ŁUKASZ KULESZA // gitara akustyczna
ADAM STODOLSKI // gitara basowa, kontrabas
SPACEPIERRE // perkusja, elektronika
JANEK KUBEK // instrumenty perkusyjne
------
Na parterze układ stojący.
Swoje niepowtarzalne brzmienie osiągnął dzięki szczególnej umiejętności łączenia muzyki tradycyjnej (world/celtic) z muzyką współczesną.
Siedem osobowości i siedem różnych światów spotyka się ze sobą tworząc wyjątkową mieszankę.
„Grupa utalentowanych muzyków pozwala sobie na eskapady w rejony znane tylko współczesnej muzyce popularnej. To właśnie jest najbardziej charakterystyczne w twórczości Beltaine, bycie poza stylistyczną klamrą. Umiejętność zacierania granic pomiędzy folkowym brzmieniem a współczesnymi trendami szczególnie sprawdza się w występach na żywo przed publicznością”.
Od początku ogromną siłą Beltaine były żywiołowe koncerty, entuzjastycznie przyjmowane przez publiczność każdej szerokości geograficznej. Grupa koncertowała m.in. w Malezji, Meksyku, USA i Kanadzie; jest regularnie zapraszana na prestiżowe festiwale w całej Europie.
Dotychczas Beltaine wydał następujące płyty:
● Rockhill (2004)
● KONCENtRAD (2007)
● Tríú (2010)
● Live (2011)
● Miusjik (2015)
● Live'15 (2016)
● OBSERVER (2023)
Aktualny skład:
ADAM ROMAŃSKI // skrzypce
JAKUB GOLDFINCH SZCZYGIEŁ // flety
JAN GAŁCZEWSKI // bouzouki irlandzkie, dudy
ŁUKASZ KULESZA // gitara akustyczna
ADAM STODOLSKI // gitara basowa, kontrabas
SPACEPIERRE // perkusja, elektronika
JANEK KUBEK // instrumenty perkusyjne
------
Na parterze układ stojący.
Father Mother Sister Brother
„FATHER MOTHER SISTER BROTHER" to zwycięzca ostatniego festiwalu w Wenecji i najlepszy od lat film Jima Jarmuscha, twórcy „Patersona" i „Broken Flowers". Pełen błyskotliwych obserwacji precyzyjnie skomponowany tryptyk filmowy o relacjach rodzinnych i o tym, co sprawia, że się od siebie oddalamy. Każdy z trzech rozdziałów rozgrywa się współcześnie, w innym kraju: „FATHER” – w północno-wschodnich Stanach Zjednoczonych, „MOTHER” – w Dublinie, a „SISTER BROTHER” – w Paryżu. Film Jarmuscha stanowi zbiór subtelnych, pełnych humoru, ale i nut melancholii portretów ludzkich charakterów. W rolach głównych m.in. Cate Blanchett, Adam Driver, Tom Waits, Vicky Krieps i Charlotte Rampling.
Sam reżyser tak mówi o swoim najnowszym filmie: „’FATHER MOTHER SISTER BROTHER’ to w pewnym sensie zaprzeczenie kina akcji. Jego wyciszony styl został świadomie ukształtowany po to, by pozwolić widzowi dostrzec drobne szczegóły – niczym starannie ułożone trzy kompozycje kwiatowe. Współpraca z wybitnymi operatorami Frederickiem Elmesem i Yorickiem Le Saux, znakomitym montażystą Affonso Gonçalvesem oraz innymi stałymi współpracownikami pozwoliła nam wynieść to, co początkowo istniało jedynie jako słowa na kartce papieru do rangi czystego kina”.
Sam reżyser tak mówi o swoim najnowszym filmie: „’FATHER MOTHER SISTER BROTHER’ to w pewnym sensie zaprzeczenie kina akcji. Jego wyciszony styl został świadomie ukształtowany po to, by pozwolić widzowi dostrzec drobne szczegóły – niczym starannie ułożone trzy kompozycje kwiatowe. Współpraca z wybitnymi operatorami Frederickiem Elmesem i Yorickiem Le Saux, znakomitym montażystą Affonso Gonçalvesem oraz innymi stałymi współpracownikami pozwoliła nam wynieść to, co początkowo istniało jedynie jako słowa na kartce papieru do rangi czystego kina”.
Filmowy Klub Seniora - Wysokie i niskie tony
Thibaut jest cenionym w świecie dyrygentem orkiestry symfonicznej. Po wizycie w gabinecie lekarskim mężczyzna dowiaduje się, że jest chory na białaczkę i pilnie potrzebuje dawcy szpiku. Jego dotychczasowe życie staje na głowie, zwłaszcza że pojawia się jeszcze jedna ważna okoliczność. W trakcie testu DNA okazuje się, że bohater został adoptowany i ma biologicznego brata.
Jest nim Jimmy, pracownik stołówki w Lille, robotniczym mieście w północnej Francji. Bohaterów dzieli niemal wszystko - poza więzami krwi i miłością do muzyki. Okazuje się bowiem, że nowo poznany brat gra na puzonie w lokalnej orkiestrze marszowej. Ich spotkanie, początkowo pełne napięć, przeradza się w głęboką braterską więź, zwłaszcza gdy Thibaut przejmie rolę dyrygenta orkiestry Jimmy’ego, chcąc pomóc jej wygrać regionalny konkurs.
Trzeci film w reżyserskim dorobku Emmanuela Courcola to wzruszająca opowieść o tożsamości, rodzinie, pasji. Zdecydowanie wysoki ton nadają filmowi wyraziste charaktery dwóch głównych bohaterów, w których role znakomicie wcielili się Benjamin Lavernhe i Pierre Lottin. „Wysokie i niskie tony” nominowane były do Cezarów w aż siedmiu kategoriach.
Jest nim Jimmy, pracownik stołówki w Lille, robotniczym mieście w północnej Francji. Bohaterów dzieli niemal wszystko - poza więzami krwi i miłością do muzyki. Okazuje się bowiem, że nowo poznany brat gra na puzonie w lokalnej orkiestrze marszowej. Ich spotkanie, początkowo pełne napięć, przeradza się w głęboką braterską więź, zwłaszcza gdy Thibaut przejmie rolę dyrygenta orkiestry Jimmy’ego, chcąc pomóc jej wygrać regionalny konkurs.
Trzeci film w reżyserskim dorobku Emmanuela Courcola to wzruszająca opowieść o tożsamości, rodzinie, pasji. Zdecydowanie wysoki ton nadają filmowi wyraziste charaktery dwóch głównych bohaterów, w których role znakomicie wcielili się Benjamin Lavernhe i Pierre Lottin. „Wysokie i niskie tony” nominowane były do Cezarów w aż siedmiu kategoriach.
Hamnet
Oscary 2026 - nominacje:
Najlepszy film - Liza Marshall, Nicolas Gonda, Pippa Harris, Sam Mendes, Steven Spielberg
Najlepsza aktorka pierwszoplanowa - Jessie Buckley
Najlepszy reżyser - Chloé Zhao
Najlepszy scenariusz adaptowany - Chloé Zhao, Maggie O'Farrell
Najlepsza muzyka oryginalna - Max Richter
Najlepsza obsada
Najlepsza scenografia - Alice Felton, Fiona Crombie
Najlepsze kostiumy - Małgosia Turzańska
To jeden z najgłośniejszych filmów sezonu, nie tylko ze względu na swoje walory filmowe, ale głównie ze względu na to jak porusza publiczność. Jest to też pewny kandydat do nominacji i nagród oscarowych więc jest i będzie o nim głośno.
Uwaga: nie jest to biografia Szekspira, to adaptacja słynnej, fikcyjnej powieści Maggie O'Farrell pod tym samym tytułem. Mimo iż akcja rozgrywa się pod koniec XVI wieku, to też nie jest tak naprawdę film kostiumowy.
To jest bardzo uniwersalna, ponadczasowa opowieść o miłości i stracie, której nie można w żaden sposób szufladkować.
HAMNET - najnowsze dzieło wspaniałej reżyserki Chloé Zhao, która zdobyła Oscary za najlepszy film i reżyserię Nomadland z 2020 roku - to adaptacja bestsellerowej powieści Maggie O'Farrell, współautorki scenariusza filmu.
Ten wzruszający film od pierwszego pokazu (festiwal filmowy w Telluride) stał się najczęściej komentowanym filmem sezonu.
Jest też głównym kandydatem do oscarowych nomnacji, mówi się, że otrzyma ich nawet 12.
HAMNET, prawdziwe arcydzieło, z niezwykłymi rolami Jessie Buckley i Paula Mescala w kinach od 23 stycznia 2026 roku.
Historia rozpoczyna się w 1580 roku.
Will (Paul Mescal), nauczyciel łaciny zainteresowany słowami, słowami i jeszcze raz słowami, i Agnes (Jessie Buckley), mistyczna „leśna czarownica”, która zdecydowanie woli obcować ze światem nie-ludzkim, zakochują się w sobie od pierwszego wejrzenia i pocałunku.
Will oświadcza się Agnes, która go przyjmuje. Każde z nich widzi w drugim cały swój świat.
Mają troje dzieci – najstarszą córkę Elizę (Freya Hannan-Mills) oraz młodsze bliźniaki Judith (Olivia Lynes) i Hamneta (Jacobi Jupe).
Wspierany przez żonę William wyrusza do Londynu, aby realizować twórcze ambicje. Długa nieobecność staje się trudna do zniesienia, ale dopiero wielka tragedia rodzinna oddala Agnes i Williama od siebie i wystawia ich miłość na próbę.
W swoim smutku Will pisze Hamleta, jedno z największych dzieł sztuki.
HAMNET (imię używane naprzemiennie z Hamletem) to przejmująco piękny film.
Kompozytor Max Richter podkreśla to ścieżką dźwiękową, która żyje własnym życiem.
Film nakręcony jest z wielką wrażliwością przez Łukasza Żala i pięknie poprowadzony przez reżyserkę Chloé Zhao.
Pełne symboliki kostiumy zaprojektowała Malgosia Turzanska.
Buckley i Mescal dzielą chwile intymności, które są tak prawdziwe, że często zapierają dech w piersiach.
To samo można powiedzieć o dzieciach: Hannan-Mills, Lynes i Jupe posiadają naturalność, która jest bardzo rzadka u młodych aktorów. Emily Watson w roli matki Willa i Joe Alwyn jako brat Agnes mają tu również swoje chwile chwały.
Najlepszy film - Liza Marshall, Nicolas Gonda, Pippa Harris, Sam Mendes, Steven Spielberg
Najlepsza aktorka pierwszoplanowa - Jessie Buckley
Najlepszy reżyser - Chloé Zhao
Najlepszy scenariusz adaptowany - Chloé Zhao, Maggie O'Farrell
Najlepsza muzyka oryginalna - Max Richter
Najlepsza obsada
Najlepsza scenografia - Alice Felton, Fiona Crombie
Najlepsze kostiumy - Małgosia Turzańska
To jeden z najgłośniejszych filmów sezonu, nie tylko ze względu na swoje walory filmowe, ale głównie ze względu na to jak porusza publiczność. Jest to też pewny kandydat do nominacji i nagród oscarowych więc jest i będzie o nim głośno.
Uwaga: nie jest to biografia Szekspira, to adaptacja słynnej, fikcyjnej powieści Maggie O'Farrell pod tym samym tytułem. Mimo iż akcja rozgrywa się pod koniec XVI wieku, to też nie jest tak naprawdę film kostiumowy.
To jest bardzo uniwersalna, ponadczasowa opowieść o miłości i stracie, której nie można w żaden sposób szufladkować.
HAMNET - najnowsze dzieło wspaniałej reżyserki Chloé Zhao, która zdobyła Oscary za najlepszy film i reżyserię Nomadland z 2020 roku - to adaptacja bestsellerowej powieści Maggie O'Farrell, współautorki scenariusza filmu.
Ten wzruszający film od pierwszego pokazu (festiwal filmowy w Telluride) stał się najczęściej komentowanym filmem sezonu.
Jest też głównym kandydatem do oscarowych nomnacji, mówi się, że otrzyma ich nawet 12.
HAMNET, prawdziwe arcydzieło, z niezwykłymi rolami Jessie Buckley i Paula Mescala w kinach od 23 stycznia 2026 roku.
Historia rozpoczyna się w 1580 roku.
Will (Paul Mescal), nauczyciel łaciny zainteresowany słowami, słowami i jeszcze raz słowami, i Agnes (Jessie Buckley), mistyczna „leśna czarownica”, która zdecydowanie woli obcować ze światem nie-ludzkim, zakochują się w sobie od pierwszego wejrzenia i pocałunku.
Will oświadcza się Agnes, która go przyjmuje. Każde z nich widzi w drugim cały swój świat.
Mają troje dzieci – najstarszą córkę Elizę (Freya Hannan-Mills) oraz młodsze bliźniaki Judith (Olivia Lynes) i Hamneta (Jacobi Jupe).
Wspierany przez żonę William wyrusza do Londynu, aby realizować twórcze ambicje. Długa nieobecność staje się trudna do zniesienia, ale dopiero wielka tragedia rodzinna oddala Agnes i Williama od siebie i wystawia ich miłość na próbę.
W swoim smutku Will pisze Hamleta, jedno z największych dzieł sztuki.
HAMNET (imię używane naprzemiennie z Hamletem) to przejmująco piękny film.
Kompozytor Max Richter podkreśla to ścieżką dźwiękową, która żyje własnym życiem.
Film nakręcony jest z wielką wrażliwością przez Łukasza Żala i pięknie poprowadzony przez reżyserkę Chloé Zhao.
Pełne symboliki kostiumy zaprojektowała Malgosia Turzanska.
Buckley i Mescal dzielą chwile intymności, które są tak prawdziwe, że często zapierają dech w piersiach.
To samo można powiedzieć o dzieciach: Hannan-Mills, Lynes i Jupe posiadają naturalność, która jest bardzo rzadka u młodych aktorów. Emily Watson w roli matki Willa i Joe Alwyn jako brat Agnes mają tu również swoje chwile chwały.
JARMUSCH - przegląd filmów - Lekcje Filmowe - Nieustające wakacje
Debiut filmowy Jima Jarmuscha.
Dwa i pół dnia z życia Alliego Parkera, chłopaka, który nie skończył szkoły, nie pracuje, nie ma domu, i który mówi o sobie: „Jestem w pewnym sensie turystą... turystą na nieustających wakacjach”. Miejscem, które „zwiedza” podczas niekończących się włóczęg, jest Nowy Jork, a dokładnie jego „złe”, peryferyjne, zdegradowane dzielnice. Na swojej drodze Allie spotyka szaleńców, maniaków, outsiderów. Prowadzi z nimi krótkie rozmowy, załatwia drobne interesy i idzie dalej. Swojej dziewczynie mówi, że istnieją dwie przyczyny tych miejskich podróży: bezsenność i pragnienie ucieczki od samotności.
Dwa i pół dnia z życia Alliego Parkera, chłopaka, który nie skończył szkoły, nie pracuje, nie ma domu, i który mówi o sobie: „Jestem w pewnym sensie turystą... turystą na nieustających wakacjach”. Miejscem, które „zwiedza” podczas niekończących się włóczęg, jest Nowy Jork, a dokładnie jego „złe”, peryferyjne, zdegradowane dzielnice. Na swojej drodze Allie spotyka szaleńców, maniaków, outsiderów. Prowadzi z nimi krótkie rozmowy, załatwia drobne interesy i idzie dalej. Swojej dziewczynie mówi, że istnieją dwie przyczyny tych miejskich podróży: bezsenność i pragnienie ucieczki od samotności.
JARMUSCH - przegląd filmów - Noc na ziemi
5 taksówek. 5 miast. Jedna noc. Podróż z bohaterami podszytego czarnym humorem, zanurzonego w świetle miejskich latarni i neonów filmu, rozpoczynamy wieczorem w Los Angeles, by podążać przez nocny Nowy Jork, Paryż, Rzym i przywitać blady, zimowy świt w Helsinkach. Kierowców i pasażerów łączy na chwilę szczególna więź – taksówki to konfesjonały, miejsca, w których nieoczekiwanie przecinają się ścieżki ludzi pochodzących z różnych światów, mających inny status i inne marzenia. Ktoś na chwilę zyskuje wgląd w cudze życie i może je naznaczy, może sam spojrzy na rzeczywistość w nowy sposób. Noc rozmyje kontury rzeczywistości i zmieni perspektywę. Na paryskiej ulicy zdarzy się chwila jasnowidzenia, Rzym w komiczny sposób połączy sacrum i profanum, w Helsinkach przyjdzie otrzeźwienie.
Ale to nie miasta były pierwszym wyborem Jima Jarmuscha. Podążał z kamerą tam, gdzie byli aktorzy, z którymi pragnął pracować: Gina Rowlands i Winona Ryder, Armin Mueller-Stahl i Giancarlo Esposito, Isaac de Bankolé i Beatrice Dalle, Roberto Benigni i Paolo Bonacelli, a także znani z filmów Akiego Kaurismäkiego – Matti Pellonpää, Sakari Kuosmanen, Kari Kyösti Väänänen, Tomi Salmela. Scenariusz powstał w ciągu zaledwie ośmiu dni, a autorem muzyki do filmu jest wieloletni współpracownik Jima Jarmuscha – Tom Waits.
----------------------------------
Jim Jarmusch – ikona kina i jeden z najważniejszych współczesnych reżyserów, którego twórczość od początku budziła skrajne opinie. Jego filmy są minimalistyczne, chropowate i przesycone specyficznym humorem – tak odrębne, że mogłyby stanowić osobny gatunek. W centrum znajdują się outsiderzy – bohaterowie żyjący na marginesie świata.
Podczas przeglądu w Kinoteatrze Rialto i Kinie Kosmos zostanie zaprezentowanych sześć filmów:
Kawa i papierosy (18.01., godz. 17.00, Kinoteatr Rialto)
Tylko kochankowie przeżyją (26.01., godz. 18.10, Kino Kosmos)
Noc na ziemi (01.02., godz. 17.00, Kinoteatr Rialto)
Paterson (03.02., godz. 17.30, Kino Kosmos, po seansie dyskusja)
Truposz (10.02., godz. 18.10, Kino Kosmos)
Nieustające wakacje (24.03., godz. 19.00, Kinoteatr Rialto, pokaz w ramach Lekcji Filmowych, przed seansem rozmowa dr Anity Skwary i Mariusza Ciszewskiego)
Ale to nie miasta były pierwszym wyborem Jima Jarmuscha. Podążał z kamerą tam, gdzie byli aktorzy, z którymi pragnął pracować: Gina Rowlands i Winona Ryder, Armin Mueller-Stahl i Giancarlo Esposito, Isaac de Bankolé i Beatrice Dalle, Roberto Benigni i Paolo Bonacelli, a także znani z filmów Akiego Kaurismäkiego – Matti Pellonpää, Sakari Kuosmanen, Kari Kyösti Väänänen, Tomi Salmela. Scenariusz powstał w ciągu zaledwie ośmiu dni, a autorem muzyki do filmu jest wieloletni współpracownik Jima Jarmuscha – Tom Waits.
----------------------------------
Jim Jarmusch – ikona kina i jeden z najważniejszych współczesnych reżyserów, którego twórczość od początku budziła skrajne opinie. Jego filmy są minimalistyczne, chropowate i przesycone specyficznym humorem – tak odrębne, że mogłyby stanowić osobny gatunek. W centrum znajdują się outsiderzy – bohaterowie żyjący na marginesie świata.
Podczas przeglądu w Kinoteatrze Rialto i Kinie Kosmos zostanie zaprezentowanych sześć filmów:
Kawa i papierosy (18.01., godz. 17.00, Kinoteatr Rialto)
Tylko kochankowie przeżyją (26.01., godz. 18.10, Kino Kosmos)
Noc na ziemi (01.02., godz. 17.00, Kinoteatr Rialto)
Paterson (03.02., godz. 17.30, Kino Kosmos, po seansie dyskusja)
Truposz (10.02., godz. 18.10, Kino Kosmos)
Nieustające wakacje (24.03., godz. 19.00, Kinoteatr Rialto, pokaz w ramach Lekcji Filmowych, przed seansem rozmowa dr Anity Skwary i Mariusza Ciszewskiego)
Jedna bitwa po drugiej
Oscary 2026 - nominacje:
Najlepszy film - Adam Somner, Paul Thomas Anderson, Sara Murphy
Najlepszy aktor pierwszoplanowy - Leonardo DiCaprio
Najlepszy aktor drugoplanowy - Sean Penn
Najlepszy aktor drugoplanowy - Benicio del Toro
Najlepsza aktorka drugoplanowa - Teyana Taylor
Najlepszy reżyser - Paul Thomas Anderson
Najlepszy scenariusz adaptowany - Paul Thomas Anderson
Najlepsza muzyka oryginalna - Jonny Greenwood
Najlepsza obsada
Najlepsza scenografia - Anthony Carlino, Florencia Martin
Najlepsze zdjęcia - Michael Bauman
Najlepszy dźwięk - Christopher Scarabosio, José Antonio García, Tony Villaflor
Najlepszy montaż - Andy Jurgensen
Zmęczony życiem rewolucjonista Bob (DiCaprio) egzystuje w stanie wywołanej marihuaną paranoi w izolacji od społeczeństwa w towarzystwie zadziornej, pewnej siebie córki Willą (Infiniti).
Kiedy jego okrutny wróg (Penn) powraca po 16 latach, a córka znika, były radykał stara się ją za wszelką cenę odnaleźć. Oboje muszą stawić czoło konsekwencjom jego dawnych uczynków.
Najlepszy film - Adam Somner, Paul Thomas Anderson, Sara Murphy
Najlepszy aktor pierwszoplanowy - Leonardo DiCaprio
Najlepszy aktor drugoplanowy - Sean Penn
Najlepszy aktor drugoplanowy - Benicio del Toro
Najlepsza aktorka drugoplanowa - Teyana Taylor
Najlepszy reżyser - Paul Thomas Anderson
Najlepszy scenariusz adaptowany - Paul Thomas Anderson
Najlepsza muzyka oryginalna - Jonny Greenwood
Najlepsza obsada
Najlepsza scenografia - Anthony Carlino, Florencia Martin
Najlepsze zdjęcia - Michael Bauman
Najlepszy dźwięk - Christopher Scarabosio, José Antonio García, Tony Villaflor
Najlepszy montaż - Andy Jurgensen
Zmęczony życiem rewolucjonista Bob (DiCaprio) egzystuje w stanie wywołanej marihuaną paranoi w izolacji od społeczeństwa w towarzystwie zadziornej, pewnej siebie córki Willą (Infiniti).
Kiedy jego okrutny wróg (Penn) powraca po 16 latach, a córka znika, były radykał stara się ją za wszelką cenę odnaleźć. Oboje muszą stawić czoło konsekwencjom jego dawnych uczynków.
Kill Bill: The Whole Bloody Affair
"Kill Bill: The Whole Bloody Affair" Quentina Tarantino łączy Vol. 1 i Vol. 2 w jedno, epickie dzieło, zaprezentowane dokładnie tak, jak reżyser je zaplanował — wraz z nową, nigdy wcześniej niepokazywaną sekwencją anime.
Uma Thurman wciela się w Pannę Młodą, pozostawioną na pewną śmierć po tym, jak jej były szef i kochanek Bill napada na próbę ceremonii ślubnej, strzela jej w głowę i odbiera nienarodzone dziecko. Aby dokonać zemsty, Panna Młoda musi najpierw wytropić czworo pozostałych członków Zabójczego Oddziału Żmij, zanim stanie twarzą w twarz z samym Billem. Dzięki operowemu rozmachowi, nieustającej akcji i ikonicznemu stylowi The Whole Bloody Affair pozostaje jedną z najbardziej ikonicznych sag zemsty w historii kina - rzadko pokazywaną w kompletnej formie, teraz prezentowaną z 15-minutową przerwą.
Film od 15 lat (wszyscy poniżej 15 roku życia za zgodą lub w obecności rodzica, opiekuna).
Uma Thurman wciela się w Pannę Młodą, pozostawioną na pewną śmierć po tym, jak jej były szef i kochanek Bill napada na próbę ceremonii ślubnej, strzela jej w głowę i odbiera nienarodzone dziecko. Aby dokonać zemsty, Panna Młoda musi najpierw wytropić czworo pozostałych członków Zabójczego Oddziału Żmij, zanim stanie twarzą w twarz z samym Billem. Dzięki operowemu rozmachowi, nieustającej akcji i ikonicznemu stylowi The Whole Bloody Affair pozostaje jedną z najbardziej ikonicznych sag zemsty w historii kina - rzadko pokazywaną w kompletnej formie, teraz prezentowaną z 15-minutową przerwą.
Film od 15 lat (wszyscy poniżej 15 roku życia za zgodą lub w obecności rodzica, opiekuna).
KOK - Wartość sentymentalna - pokaz przedpremierowy
Oscary 2026 - nominacje:
Najlepszy film
Najlepsza aktorka pierwszoplanowa – Renate Reinsve
Najlepszy aktor drugoplanowy – Stellan Skarsgård
Najlepsza aktorka drugoplanowa – Elle Fanning
Najlepsza aktorka drugoplanowa – Inga Ibsdotter Lilleaas
Najlepszy reżyser – Joachim Trier
Najlepszy scenariusz oryginalny – Eskil Vogt, Joachim Trier
Najlepszy film międzynarodowy – Joachim Trier
Najlepszy montaż – Olivier Bugge Coutté
Nominowany do dziewięciu Oscarów najnowszy film Joachima Triera, reżysera „Najgorszego człowieka na świecie”, z nominowanymi do Oscara w kategoriach aktorskich Renate Reinsve, Stellanem Skarsgårdem, Ingą Ibsdotter Lilleaas i Elle Fanning w rolach głównych. Jeden z najczęściej nagradzanych i najważniejszych filmów tego roku, z muzyką skomponowaną przez polską kompozytorkę Hanię Rani.
Siostry Nora (Renate Reinsve) i Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas) spotykają się ze swoim dawno niewidzianym ojcem, charyzmatycznym, niegdyś wielkim reżyserem filmowym Gustavem (Stellan Skarsgård). Proponuje on Norze, aktorce teatralnej, rolę w swoim najnowszym filmie, który ma być jego powrotem do świata filmu. Gdy dziewczyna odrzuca propozycję, ten zatrudnia młodą gwiazdę Hollywood (Elle Fanning). Teraz siostry muszą poradzić sobie nie tylko ze swoją skomplikowaną sytuacją z ojcem, ale też z amerykańską gwiazdą, która zmienia ich rodzinną dynamikę.
Najlepszy film
Najlepsza aktorka pierwszoplanowa – Renate Reinsve
Najlepszy aktor drugoplanowy – Stellan Skarsgård
Najlepsza aktorka drugoplanowa – Elle Fanning
Najlepsza aktorka drugoplanowa – Inga Ibsdotter Lilleaas
Najlepszy reżyser – Joachim Trier
Najlepszy scenariusz oryginalny – Eskil Vogt, Joachim Trier
Najlepszy film międzynarodowy – Joachim Trier
Najlepszy montaż – Olivier Bugge Coutté
Nominowany do dziewięciu Oscarów najnowszy film Joachima Triera, reżysera „Najgorszego człowieka na świecie”, z nominowanymi do Oscara w kategoriach aktorskich Renate Reinsve, Stellanem Skarsgårdem, Ingą Ibsdotter Lilleaas i Elle Fanning w rolach głównych. Jeden z najczęściej nagradzanych i najważniejszych filmów tego roku, z muzyką skomponowaną przez polską kompozytorkę Hanię Rani.
Siostry Nora (Renate Reinsve) i Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas) spotykają się ze swoim dawno niewidzianym ojcem, charyzmatycznym, niegdyś wielkim reżyserem filmowym Gustavem (Stellan Skarsgård). Proponuje on Norze, aktorce teatralnej, rolę w swoim najnowszym filmie, który ma być jego powrotem do świata filmu. Gdy dziewczyna odrzuca propozycję, ten zatrudnia młodą gwiazdę Hollywood (Elle Fanning). Teraz siostry muszą poradzić sobie nie tylko ze swoją skomplikowaną sytuacją z ojcem, ale też z amerykańską gwiazdą, która zmienia ich rodzinną dynamikę.
Koncert „Tu był Grzegorz z Ciechowa” 30 lat od wydania albumu „ojDADAna”
„Tu był Grzegorz z Ciechowa” 30 lat od wydania albumu „ojDADAna” to wyjątkowy projekt muzyczny upamiętniający 30-lecie kultowego albumu Grzegorza Ciechowskiego. Aranżacje przygotowane przez Grzegorza Kowalskiego i Dorotę Mogilską-Błaszczyńską łączą tradycyjne motywy ludowe z nowoczesnym brzmieniem elektroniki i muzyki rozrywkowej. Gościnnie wraz z zespołem wystąpi jeden z najważniejszych polskich raperów i producentów muzycznych MIUOSH. Projekt jest hołdem dla twórczości Grzegorza Ciechowskiego i próbą ponownego odczytania jego idei łączenia tradycji z nowoczesnością.
Gość specjalny: MIUOSH
Zespół w składzie:
Dorota Błaszczyńska-Mogilska – skrzypce, wokal
Wiola Jakubiec – skrzypce, wokal
Agata Jonczak – wiolonczela, wokal
Stefan Błaszczyński – flet, instrumenty perkusyjne, wokal
Grzegorz Kowalski – bas
Marcin Ścierański – perkusja
Michał Wódz – klawisze, syntezatory, wokal
Darek Bafeltowski – gitary
Sławomir Przybył - wokal
Wprowadzeniem do widowiska „ojDADAna” będzie duet SEKUNDa. Artystki, podobnie jak trzy dekady temu Grzegorz Ciechowski, w sposób nowatorski i eksperymentalny przeprowadzą nas przez dziedzictwo muzyczne polskich Karpat, proponując własne, avant-folkowe interpretacje. To właśnie tutaj tradycja spotka się z nowoczesnością, a brzmienia instrumentów ludowych połączą się z elektroniką.
Projekt Finansowany przez Unię Europejską NextGenerationEU w ramach programu „KPO dla Kultury”.
Gość specjalny: MIUOSH
Zespół w składzie:
Dorota Błaszczyńska-Mogilska – skrzypce, wokal
Wiola Jakubiec – skrzypce, wokal
Agata Jonczak – wiolonczela, wokal
Stefan Błaszczyński – flet, instrumenty perkusyjne, wokal
Grzegorz Kowalski – bas
Marcin Ścierański – perkusja
Michał Wódz – klawisze, syntezatory, wokal
Darek Bafeltowski – gitary
Sławomir Przybył - wokal
Wprowadzeniem do widowiska „ojDADAna” będzie duet SEKUNDa. Artystki, podobnie jak trzy dekady temu Grzegorz Ciechowski, w sposób nowatorski i eksperymentalny przeprowadzą nas przez dziedzictwo muzyczne polskich Karpat, proponując własne, avant-folkowe interpretacje. To właśnie tutaj tradycja spotka się z nowoczesnością, a brzmienia instrumentów ludowych połączą się z elektroniką.
Projekt Finansowany przez Unię Europejską NextGenerationEU w ramach programu „KPO dla Kultury”.
Koncert na ekranie - EPiC: Elvis Presley in Concert
Elvis śpiewa i opowiada swoją historię w nowym filmowym doświadczeniu autorstwa wizjonerskiego reżysera Baza Luhrmanna.
Zabiera widzów w podróż przez swoje życie — poprzez klasyczne i współczesne muzyczne pryzmaty — splatając nieoglądane wcześniej ujęcia z ikonicznymi występami, których jeszcze nigdy nie zestawiono w ten sposób.
EPiC: Elvis Presley in Concert to hołd dla jednego z największych artystów wszech czasów.
Szczególnie mile widziani będą widzowie przebrani w szaty Króla Rock And Rolla.
Zabiera widzów w podróż przez swoje życie — poprzez klasyczne i współczesne muzyczne pryzmaty — splatając nieoglądane wcześniej ujęcia z ikonicznymi występami, których jeszcze nigdy nie zestawiono w ten sposób.
EPiC: Elvis Presley in Concert to hołd dla jednego z największych artystów wszech czasów.
Szczególnie mile widziani będą widzowie przebrani w szaty Króla Rock And Rolla.
Koncert zespołu O.N.E.
Zapraszamy na koncert jazzowej formacji O.N.E., aby w przeddzień symbolicznej daty 8 marca spotkać się z energią, fantazją, wrażliwością i siłą czterech niezwykłych jazzmanek.
O.N.E. to akustyczny kwartet jazzowy tworzący w duchu demokracji. Liryzm i piosenkowość miksują z dziką i bezkompromisową jazzową energią.
Zespół wydał dwa albumy nakładem wytwórni Audio Cave: "One" (2020) oraz "Entoloma" (2022). Pierwsza płyta została nominowana do nagrody FRYDERYK, otrzymała Oskara Jazzowego na Gali Grand Prix Jazz Melomani Gala w kategorii Nadzieja Jazzu oraz wygrała ranking czytelników magazynu Jazz Forum w tej samej kategorii (2021) oraz krytyków (2022). Trzeci album zespołu, zatytułowany "Well, actually..." ukazał się nakładem duńskiej wytwórni April Records 3 października 2025 roku.
Na nowym albumie znalazły się kompozycje wszystkich instrumentalistek tworzących O.N.E.
Brak liderki, cztery charaktery, różnorodne inspiracje, jedno brzmienie.
To dialog między różnorodnymi temperamentami, indywidualnymi wpływami i wrażliwością artystek - przestrzeń, gdzie współczesny jazz spotyka tradycję, liryzm zderza się z humorem, a struktura ustępuje miejsca spontaniczności.
Czy album może być jednocześnie poruszający i zabawny, szczery i zadziorny, mocno ugruntowany i powiewający wolnością? "Well, actually..." tak!
Zespół wystąpił na wielu wspaniałych festiwalach w Europie jak: B-Jazz w Belgii,! jazzahead showcase w Bremie, Tallin Music Week W Estonii, Umea Jazz Festival w Szwecji, FiraB! Na Majorce, Sparks & Vision Jazz Festival w Regensburgu czy Edinburgh Jazz & Blues Festival, a także na wielu liczących się festiwalach jazzowych w Polsce.
W kwietniu 2024 roku, dzięki wsparciu program European Jazz Network, w ramach Green Pilot Tour, zespół O.N.E. odbył tygodniową trasę koncertową i przeprowadził warsztaty w Ukrainie.
Zespół tworzą:
Kateryna Ziabliuk – piano
Monia Muc – sax
Kamila Drabek – double bass
Patrycja Wybrańczyk – drums
-----
Na parterze układ stolikowy
O.N.E. to akustyczny kwartet jazzowy tworzący w duchu demokracji. Liryzm i piosenkowość miksują z dziką i bezkompromisową jazzową energią.
Zespół wydał dwa albumy nakładem wytwórni Audio Cave: "One" (2020) oraz "Entoloma" (2022). Pierwsza płyta została nominowana do nagrody FRYDERYK, otrzymała Oskara Jazzowego na Gali Grand Prix Jazz Melomani Gala w kategorii Nadzieja Jazzu oraz wygrała ranking czytelników magazynu Jazz Forum w tej samej kategorii (2021) oraz krytyków (2022). Trzeci album zespołu, zatytułowany "Well, actually..." ukazał się nakładem duńskiej wytwórni April Records 3 października 2025 roku.
Na nowym albumie znalazły się kompozycje wszystkich instrumentalistek tworzących O.N.E.
Brak liderki, cztery charaktery, różnorodne inspiracje, jedno brzmienie.
To dialog między różnorodnymi temperamentami, indywidualnymi wpływami i wrażliwością artystek - przestrzeń, gdzie współczesny jazz spotyka tradycję, liryzm zderza się z humorem, a struktura ustępuje miejsca spontaniczności.
Czy album może być jednocześnie poruszający i zabawny, szczery i zadziorny, mocno ugruntowany i powiewający wolnością? "Well, actually..." tak!
Zespół wystąpił na wielu wspaniałych festiwalach w Europie jak: B-Jazz w Belgii,! jazzahead showcase w Bremie, Tallin Music Week W Estonii, Umea Jazz Festival w Szwecji, FiraB! Na Majorce, Sparks & Vision Jazz Festival w Regensburgu czy Edinburgh Jazz & Blues Festival, a także na wielu liczących się festiwalach jazzowych w Polsce.
W kwietniu 2024 roku, dzięki wsparciu program European Jazz Network, w ramach Green Pilot Tour, zespół O.N.E. odbył tygodniową trasę koncertową i przeprowadził warsztaty w Ukrainie.
Zespół tworzą:
Kateryna Ziabliuk – piano
Monia Muc – sax
Kamila Drabek – double bass
Patrycja Wybrańczyk – drums
-----
Na parterze układ stolikowy
La Grazia
„La Grazia" to mistrzowsko skonstruowana i głęboko poruszająca opowieść z nagrodzoną w Wenecji, wybitną rolą Toniego Servillo. Laureat Oscara Paolo Sorrentino, twórca „Wielkiego piękna" i „Młodości", powraca z przewrotną, pełną subtelnego humoru historią o dylematach i uczuciach, które nie dają spokoju. O tym, jak pod ciężarem odpowiedzialności odnaleźć lekkość i drogę do wewnętrznej harmonii.
Mężczyzna, który mimo upływu lat wciąż nie potrafi wybaczyć zmarłej żonie zdrady. Ojciec, który nie umie odnaleźć drogi do swojej córki. Powszechnie szanowany mąż stanu, na którego barkach spoczywa nie tylko los całego kraju, ale i życie dwojga skazanych na dożywocie. Wreszcie pełen sprzeczności człowiek, który nie potrafi wybaczyć sobie ani innym i wciąż zadaje pytanie: do kogo należą nasze dni?
Toni Servillo w filmie „La Grazia" wciela się w wielowymiarową i fascynującą postać uwielbianego przez miliony prezydenta, w którego rękach znajduje się prawo łaski. U schyłku swojej kadencji staje on przed dylematem, która zbrodnia zasługuje na wybaczenie: brutalny akt miłosierdzia czy morderstwo z miłości? W swoim niepodrabialnym stylu Sorrentino udowadnia, że nawet znając siebie, możemy w każdej chwili podjąć decyzję, która zaskoczy nas samych – i przyniesie wewnętrzną wolność.
Mężczyzna, który mimo upływu lat wciąż nie potrafi wybaczyć zmarłej żonie zdrady. Ojciec, który nie umie odnaleźć drogi do swojej córki. Powszechnie szanowany mąż stanu, na którego barkach spoczywa nie tylko los całego kraju, ale i życie dwojga skazanych na dożywocie. Wreszcie pełen sprzeczności człowiek, który nie potrafi wybaczyć sobie ani innym i wciąż zadaje pytanie: do kogo należą nasze dni?
Toni Servillo w filmie „La Grazia" wciela się w wielowymiarową i fascynującą postać uwielbianego przez miliony prezydenta, w którego rękach znajduje się prawo łaski. U schyłku swojej kadencji staje on przed dylematem, która zbrodnia zasługuje na wybaczenie: brutalny akt miłosierdzia czy morderstwo z miłości? W swoim niepodrabialnym stylu Sorrentino udowadnia, że nawet znając siebie, możemy w każdej chwili podjąć decyzję, która zaskoczy nas samych – i przyniesie wewnętrzną wolność.
Lekcje Filmowe - Metropolis
„Metropolis” to jeden z najdroższych filmów w dziejach kina niemego: wizja świata przyszłości inspirowana widokiem Nowego Jorku, wsparta momentalnymi dekoracjami budowli, wnętrz przemysłowych i podziemi. Zadziwia inscenizacyjny rozmach, mający w zamiarze Fritza Langa przyćmić produkcje amerykańskie. Na uwagę zasługują wynalezione na potrzeby „Metropolis” – i stosowane do dziś – efekty specjalne, zwłaszcza tzw. proces Schüfftana, polegający na zastosowaniu systemu luster, umożliwiający korzystanie z miniaturowych dekoracji jako tła do scen aktorskich. Efekty wpisują się w koncepcję teatru ekspresjonistycznego, z którego doświadczeń Lang chętnie korzystał.
Sercem tego klasyka kina niemego jest futurystyczne, tytułowe miasto „Metropolis”. Jego twórca, Joh Fredersen, jako „mózg” miasta, dzierży stery władzy ze swojej „Nowej Wieży Babel”, sprawując absolutną kontrolę. Dla Fredersena ludzie są jedynie trybikami w maszynie, „rękami” mającymi udoskonalać i podtrzymywać jego dzieło. Ludność Metropolis żyje w ściśle podzielonym społeczeństwie klasowym: robotnicy harują pod miastem, mieszkając w podziemnych, masowych domach, pozbawionych światła słonecznego i radości. Bogaci i wpływowi mieszkają wysoko nad powierzchnią Metropolis, a ich synowie również żyją w swego rodzaju oddzielnym mieście, z „Domem Synów”, uniwersytetami, gigantycznym stadionem i rajskimi „Wiecznymi Ogrodami”, gdzie najpiękniejsze dziewczęta są „hodowane” niczym drogocenne kwiaty. Freder, jedyny syn Joh Fredersena, również mieszka w „Domu Synów”. Ale pewnego dnia Freder postanawia zejść do robotniczego miasteczka, aby odnaleźć anielską Marię, która daje robotnikom nadzieję swoimi kazaniami o miłości i bezklasowości.
Filmowy klasyk w najnowszej wersji, zrekonstruowany z odnalezionymi scenami które wydawały się do niedawna zaginione.
Sercem tego klasyka kina niemego jest futurystyczne, tytułowe miasto „Metropolis”. Jego twórca, Joh Fredersen, jako „mózg” miasta, dzierży stery władzy ze swojej „Nowej Wieży Babel”, sprawując absolutną kontrolę. Dla Fredersena ludzie są jedynie trybikami w maszynie, „rękami” mającymi udoskonalać i podtrzymywać jego dzieło. Ludność Metropolis żyje w ściśle podzielonym społeczeństwie klasowym: robotnicy harują pod miastem, mieszkając w podziemnych, masowych domach, pozbawionych światła słonecznego i radości. Bogaci i wpływowi mieszkają wysoko nad powierzchnią Metropolis, a ich synowie również żyją w swego rodzaju oddzielnym mieście, z „Domem Synów”, uniwersytetami, gigantycznym stadionem i rajskimi „Wiecznymi Ogrodami”, gdzie najpiękniejsze dziewczęta są „hodowane” niczym drogocenne kwiaty. Freder, jedyny syn Joh Fredersena, również mieszka w „Domu Synów”. Ale pewnego dnia Freder postanawia zejść do robotniczego miasteczka, aby odnaleźć anielską Marię, która daje robotnikom nadzieję swoimi kazaniami o miłości i bezklasowości.
Filmowy klasyk w najnowszej wersji, zrekonstruowany z odnalezionymi scenami które wydawały się do niedawna zaginione.
Lekcje Filmowe - Na srebrnym globie
Po kilku latach wymuszonej emigracji młody reżyser Andrzej Żuławski podejmuje się tytanicznego zadania, realizacji największego filmu w historii polskiej kinematografii – eposu science-fiction. Jeśli mu się uda, trafi do panteonu polskiego kina. Jeśli nie – jego kariera w Polsce będzie skończona.
Film science fiction, który do dziś zachwyca wizjonerstwem, nowatorski zarówno tematycznie, jak i formalnie. Pod względem estetycznym dzieli się na trzy części. Historię rozpoczyna wideopamiętnik zrealizowany w przestrzeni kosmicznej przez bohaterów, którzy w nieokreślonej przyszłości postanawiają założyć nową cywilizację.
Film stał się „dzieckiem niechcianym” już na etapie realizacji. Cenzura dopatrując się odniesień politycznych, wstrzymała produkcję, zmuszając Żuławskiego do wyjazdu za granicę. Reżyser ukończył „Na srebrnym globie” po 10 latach, uzupełniając brakujące fragmenty swoimi komentarzami i ujęciami współczesnej Warszawy.
„Na srebrnym globie” Andrzeja Żuławskiego mogło stać się jednym z najbardziej przełomowych filmów science-fiction w historii. Rozmach produkcyjny, gwiazdorska obsada, rewolucyjne kostiumy i scenografia zapowiadały arcydzieło. Dlaczego zatem władze kinematografii PRL wstrzymały produkcję na dwa tygodnie przed zakończeniem zdjęć? Czy zdecydowały o tym względy ekonomiczne, polityczne, artystyczne, czy osobiste? Pozostał film-legenda, który nadal inspiruje filmowców z całego świata.
Film science fiction, który do dziś zachwyca wizjonerstwem, nowatorski zarówno tematycznie, jak i formalnie. Pod względem estetycznym dzieli się na trzy części. Historię rozpoczyna wideopamiętnik zrealizowany w przestrzeni kosmicznej przez bohaterów, którzy w nieokreślonej przyszłości postanawiają założyć nową cywilizację.
Film stał się „dzieckiem niechcianym” już na etapie realizacji. Cenzura dopatrując się odniesień politycznych, wstrzymała produkcję, zmuszając Żuławskiego do wyjazdu za granicę. Reżyser ukończył „Na srebrnym globie” po 10 latach, uzupełniając brakujące fragmenty swoimi komentarzami i ujęciami współczesnej Warszawy.
„Na srebrnym globie” Andrzeja Żuławskiego mogło stać się jednym z najbardziej przełomowych filmów science-fiction w historii. Rozmach produkcyjny, gwiazdorska obsada, rewolucyjne kostiumy i scenografia zapowiadały arcydzieło. Dlaczego zatem władze kinematografii PRL wstrzymały produkcję na dwa tygodnie przed zakończeniem zdjęć? Czy zdecydowały o tym względy ekonomiczne, polityczne, artystyczne, czy osobiste? Pozostał film-legenda, który nadal inspiruje filmowców z całego świata.
Lekcje Filmowe - Parasite (wersja czarno-biała)
„Parasite” to mistrzowska i trzymająca w napięciu opowieść, w której czworo ludzi bez przyszłości wpada na pomysł przekrętu doskonałego. Kierowca bez pracy, gospodyni bez domu, student bez kasy i dziewczyna bez perspektyw wspólnie stworzą perfekcyjny plan: jak w najkrótszym czasie stać się kimś i zająć miejsce bogaczy. W świecie, w którym liczy się tylko wydajność i sukces, przechytrzą system i zawalczą o siebie. Nawet, jeśli będzie to wymagało przekroczenia cienkiej granicy między tym, co jeszcze dozwolone, a tym, co absolutnie zabronione. Bong Joon-ho pokazuje, że prawie każdy marzy o lepszym życiu, awansie i szansie na sukces. Ale tylko niektórzy – dzięki nieposkromionej wyobraźni i braku skrupułów – są w stanie po to wszystko sięgnąć.
„Parasite” to pełen dzikiego humoru i nieoczekiwanych zwrotów akcji thriller o ludziach, którzy nigdy nie mieli się spotkać – biednych i bogatych, tych naprawdę uprzywilejowanych i tych zepchniętych do rynsztoków. Wielki hit światowego kina i prawdziwy filmowy rollercoaster.
„Parasite” to pełen dzikiego humoru i nieoczekiwanych zwrotów akcji thriller o ludziach, którzy nigdy nie mieli się spotkać – biednych i bogatych, tych naprawdę uprzywilejowanych i tych zepchniętych do rynsztoków. Wielki hit światowego kina i prawdziwy filmowy rollercoaster.
Norymberga
Zdobywca Oscara® RUSSELL CROWE jako Hermann Göring w ekranizacji wstrząsającej książki „Göring i psychiatra”.
Nagrodzony Oscarem® RAMI MALEK jako psychiatra, który podejmuje psychologiczną grę z człowiekiem współodpowiedzialnym za największe zbrodnie w historii ludzkości.
Prawdziwa historia procesu twórców III Rzeszy odpowiedzialnych za śmierć milionów niewinnych ofiar.
Jest rok 1945. Cały świat żyje rozpoczynającym się w niemieckiej Norymberdze procesem nazistowskich zbrodniarzy wojennych. Prokurator Robert H. Jackson, który jest głównym oskarżycielem z ramienia Stanów Zjednoczonych ma świadomość jak trudnego podjął się zadania. Wie, że główny oskarżony Hermann Göring jest człowiekiem nie tylko bezlitosnym, ale także błyskotliwie inteligentnym, więc uzyskanie jego obciążających zeznań to zadanie ekstremalnie trudne. Młody psychiatra Douglas Kelley otrzymuje więc misję zbliżenia się do Göringa, nawiązania z nim relacji i uzyskania od niego informacji, które będą miały kluczowy wpływ na wynik procesu. Kelley nie zdaje sobie w pełni sprawy jak trudnego podejmuje się zdania. Jego pacjent to cyniczny manipulator, a jednocześnie człowiek do szpiku kości zły i gotowy na wszystko, by chronić własną skórę.
Nagrodzony Oscarem® RAMI MALEK jako psychiatra, który podejmuje psychologiczną grę z człowiekiem współodpowiedzialnym za największe zbrodnie w historii ludzkości.
Prawdziwa historia procesu twórców III Rzeszy odpowiedzialnych za śmierć milionów niewinnych ofiar.
Jest rok 1945. Cały świat żyje rozpoczynającym się w niemieckiej Norymberdze procesem nazistowskich zbrodniarzy wojennych. Prokurator Robert H. Jackson, który jest głównym oskarżycielem z ramienia Stanów Zjednoczonych ma świadomość jak trudnego podjął się zadania. Wie, że główny oskarżony Hermann Göring jest człowiekiem nie tylko bezlitosnym, ale także błyskotliwie inteligentnym, więc uzyskanie jego obciążających zeznań to zadanie ekstremalnie trudne. Młody psychiatra Douglas Kelley otrzymuje więc misję zbliżenia się do Göringa, nawiązania z nim relacji i uzyskania od niego informacji, które będą miały kluczowy wpływ na wynik procesu. Kelley nie zdaje sobie w pełni sprawy jak trudnego podejmuje się zdania. Jego pacjent to cyniczny manipulator, a jednocześnie człowiek do szpiku kości zły i gotowy na wszystko, by chronić własną skórę.
Ostatni wiking
Po czternastu latach odsiadki Anker wychodzi z więzienia z jednym celem: odzyskać zrabowaną fortunę. Problem w tym, że łup ukrył jego brat – Manfred, który dziś przedstawia się jako John Lennon i dryfuje we własnym świecie zaburzonej tożsamości. Dla brutalnego, impulsywnego Ankera krucha psychika Manfreda to pole minowe – a zarazem jedyna droga do celu.
Na tropie zaginionych pieniędzy bracia trafiają na ekipę osobliwych wyrzutków, którzy zamiast pomóc, tylko komplikują sprawy. Aby odzyskać fortunę, Anker musi reaktywować legendarny zespół The Beatles – bo tylko John Lennon zna miejsce ukrycia łupu. Ostatni wiking to szalona, pełna absurdu jazda bez trzymanki przez przeszłość, popękaną psychikę, braterską lojalność i świat, w którym logika przestała obowiązywać. Nagrodzony Oscarem reżyser Anders Thomas Jensen po raz kolejny udowadnia, że w duecie z Madsem Mikkelsenem tworzy filmy kultowe.
Na tropie zaginionych pieniędzy bracia trafiają na ekipę osobliwych wyrzutków, którzy zamiast pomóc, tylko komplikują sprawy. Aby odzyskać fortunę, Anker musi reaktywować legendarny zespół The Beatles – bo tylko John Lennon zna miejsce ukrycia łupu. Ostatni wiking to szalona, pełna absurdu jazda bez trzymanki przez przeszłość, popękaną psychikę, braterską lojalność i świat, w którym logika przestała obowiązywać. Nagrodzony Oscarem reżyser Anders Thomas Jensen po raz kolejny udowadnia, że w duecie z Madsem Mikkelsenem tworzy filmy kultowe.
Ścieżki życia
Raynor i Moth, małżeństwo z wieloletnim stażem, w jednej chwili tracą niemal wszystko – dom, bezpieczeństwo, dotychczasowe życie. Zamiast się poddać, robią coś, co dla wielu byłoby szaleństwem: wyruszają w pieszą wędrówkę – ponad tysiąc kilometrów wzdłuż dzikiego, angielskiego wybrzeża. Z pustym kontem bankowym, namiotem i garścią najpotrzebniejszych rzeczy idą przed siebie, krok za krokiem, szukając ukojenia w wietrze, ciszy i otaczającej ich przyrodzie. Wkrótce odkryją, że mimo przeszkód, które los rzucił im pod nogi, wciąż mają najważniejsze – siebie nawzajem. Ta niezwykła podróż stanie się dla nich drogą ku wolności, miłości i nowemu początkowi.
Świat Czeka – Dorota Rasińska-Samoćko – "Korony Górskich Wyzwań"
Dorota Rasińska-Samoćko - pierwsza Polka w dwóch koronach.
Zdobycie wszystkich najwyższych szczytów Świata i kontynentów to wyczyn, którego nie dokonała żadna dziewczyna z naszego kraju.
Powiedzieć o Dorocie, że jest himalaistką to za mało. Pasjonatka podróży, żywioł, połączenie błyskotliwości i poczucia humoru. Event z taką osobą musi się udać bo mało kto potrafi tak trzymać w napięciu jak Ona. To prawdziwy film w akcji.
Jej opowieści działają lepiej niż kawa a widzowie nie chcą wyjść ze spotkań z Dorotą, która jest przykładem, że można swoje cele realizować na własnych zasadach i w dowolnym momencie życia.
W latach 2021 - 2025 Dorota zrealizowała ambitny projekt "Podwójna Korona", czyli zdobycie Korony Himalajów i Karakorum oraz Korony Ziemi. W zaledwie 3 miesiące 2022 roku weszła na 7 ośmiotysięczników bez teamów i sponsorów.
Dorota Rasińska-Samoćko jest DOPIERO 5 kobietą na świecie, która zdobyła Koronę Himalajów i Karakorum.
Rozmowę poprowadzi:
Alina Markiewicz - dziennikarka, niespokojny duch i koneserka podróży Od najmłodszych lat jej pasją były góry.
Zrealizowała kilka reportaży w Himalajach i poprowadziła niezliczoną ilość spotkań oraz rozmów z himalaistami. Zakochana w Dolomitach i Jurze Krakowsko-Częstochowskiej. Od niedawna pilotka śmigłowca R44, chętnie podziwiająca świat z góry.
Organizacja:
Anka Szostak-Gliklich - globtroterka, założycielka i prezeska Klubu Podróżnika „Świat Czeka”. Propaguje odpowiedzialny, zrównoważony styl podróżowania i aktywności sportowej. Uwielbia bikepackingi, trekkingi i nurkowanie.
——————————————————————————————————
Drodzy Widzowie,
spotkanie z Dorotą Rasińską-Samoćko, w ramach cyklu Świat Czeka, zostało przeniesione z dnia 22.10.2025.
Zakupione bilety można wykorzystać w nowym terminie lub dokonać ich zwrotu za pośrednictwem formularza, ktróy otrzymają Państwo od operatora sprzedazy internetowej.
Bilety zakupione w kasie można zwrócić wyłącznie w kasie kina.
Za utrudnienia przepraszamy!
Zdobycie wszystkich najwyższych szczytów Świata i kontynentów to wyczyn, którego nie dokonała żadna dziewczyna z naszego kraju.
Powiedzieć o Dorocie, że jest himalaistką to za mało. Pasjonatka podróży, żywioł, połączenie błyskotliwości i poczucia humoru. Event z taką osobą musi się udać bo mało kto potrafi tak trzymać w napięciu jak Ona. To prawdziwy film w akcji.
Jej opowieści działają lepiej niż kawa a widzowie nie chcą wyjść ze spotkań z Dorotą, która jest przykładem, że można swoje cele realizować na własnych zasadach i w dowolnym momencie życia.
W latach 2021 - 2025 Dorota zrealizowała ambitny projekt "Podwójna Korona", czyli zdobycie Korony Himalajów i Karakorum oraz Korony Ziemi. W zaledwie 3 miesiące 2022 roku weszła na 7 ośmiotysięczników bez teamów i sponsorów.
Dorota Rasińska-Samoćko jest DOPIERO 5 kobietą na świecie, która zdobyła Koronę Himalajów i Karakorum.
Rozmowę poprowadzi:
Alina Markiewicz - dziennikarka, niespokojny duch i koneserka podróży Od najmłodszych lat jej pasją były góry.
Zrealizowała kilka reportaży w Himalajach i poprowadziła niezliczoną ilość spotkań oraz rozmów z himalaistami. Zakochana w Dolomitach i Jurze Krakowsko-Częstochowskiej. Od niedawna pilotka śmigłowca R44, chętnie podziwiająca świat z góry.
Organizacja:
Anka Szostak-Gliklich - globtroterka, założycielka i prezeska Klubu Podróżnika „Świat Czeka”. Propaguje odpowiedzialny, zrównoważony styl podróżowania i aktywności sportowej. Uwielbia bikepackingi, trekkingi i nurkowanie.
——————————————————————————————————
Drodzy Widzowie,
spotkanie z Dorotą Rasińską-Samoćko, w ramach cyklu Świat Czeka, zostało przeniesione z dnia 22.10.2025.
Zakupione bilety można wykorzystać w nowym terminie lub dokonać ich zwrotu za pośrednictwem formularza, ktróy otrzymają Państwo od operatora sprzedazy internetowej.
Bilety zakupione w kasie można zwrócić wyłącznie w kasie kina.
Za utrudnienia przepraszamy!
Tajny agent - pokaz przedpremierowy
Oscary 2026 – nominacje:
Najlepszy film - Emilie Lesclaux
Najlepszy aktor pierwszoplanowy - Wagner Moura
Najlepsza obsada
Najlepszy film międzynarodowy - Kleber Mendonça Filho
Znakomity brazylijski filmowiec Kleber Mendonça Filho („Sąsiedzkie dźwięki", „Bacurau", „Aquarius") powraca gęstym thrillerem, nagrodzonym w Cannes za reżyserię i główną rolę męską. Lata 70., Brazylia w żelaznym uścisku wojskowej dyktatury. Wybitny naukowiec Marcelo (wspaniały Wagner Moura – pamiętny Escobar w „Narcos") powraca do rodzinnego Recife, żeby zabrać swojego syna w bezpieczne miejsce. Zanurzone w słońcu miasto jest na granicy szaleństwa – w karnawale giną ludzie, gdzieś na plaży znaleziono rekina z ludzką nogą w brzuchu, do miasta przybywa dwóch zabójców… Marcelo kilka lat wcześniej podpadł niebezpiecznemu mafiosowi, teraz musi się ukrywać. Jego życie wisi na włosku.
Filho precyzyjnie tka kinofilską opowieść – z jednej strony to wyrafinowany i trzymający w napięciu film polityczny, mozaikowa historia o skorumpowanym społeczeństwie, z drugiej zaś opowieść o ludzkiej solidarności i niezłomności, a także o pamięci. Brazylijski reżyser wyłamuje się z gatunkowych ram, tworząc kino świeże i zaskakujące, a zarazem cudownie pulpowe. Wspaniale jest w „Tajnym agencie" oddany klimat dawnych lat – scenografia i kostiumy są warte Oscara.
Najlepszy film - Emilie Lesclaux
Najlepszy aktor pierwszoplanowy - Wagner Moura
Najlepsza obsada
Najlepszy film międzynarodowy - Kleber Mendonça Filho
Znakomity brazylijski filmowiec Kleber Mendonça Filho („Sąsiedzkie dźwięki", „Bacurau", „Aquarius") powraca gęstym thrillerem, nagrodzonym w Cannes za reżyserię i główną rolę męską. Lata 70., Brazylia w żelaznym uścisku wojskowej dyktatury. Wybitny naukowiec Marcelo (wspaniały Wagner Moura – pamiętny Escobar w „Narcos") powraca do rodzinnego Recife, żeby zabrać swojego syna w bezpieczne miejsce. Zanurzone w słońcu miasto jest na granicy szaleństwa – w karnawale giną ludzie, gdzieś na plaży znaleziono rekina z ludzką nogą w brzuchu, do miasta przybywa dwóch zabójców… Marcelo kilka lat wcześniej podpadł niebezpiecznemu mafiosowi, teraz musi się ukrywać. Jego życie wisi na włosku.
Filho precyzyjnie tka kinofilską opowieść – z jednej strony to wyrafinowany i trzymający w napięciu film polityczny, mozaikowa historia o skorumpowanym społeczeństwie, z drugiej zaś opowieść o ludzkiej solidarności i niezłomności, a także o pamięci. Brazylijski reżyser wyłamuje się z gatunkowych ram, tworząc kino świeże i zaskakujące, a zarazem cudownie pulpowe. Wspaniale jest w „Tajnym agencie" oddany klimat dawnych lat – scenografia i kostiumy są warte Oscara.
The Watch plays Genesis - "Tales from 1970-1976”
Wybierz się w krótką podróż od TRESPASS …do WIND & WUTHERING.
The Watch powraca jesienią 2025 roku, prezentując intensywną podróż do świata wczesnego Genesis i show zawierające utwory z albumów TRESPASS, NURSERY CRYME, FOXTROT, SELLING ENGLAND BY THE POUND, THE LAMB LIES DOWN ON BROADWAY, A TRICK OF THE TAIL oraz WIND & WUTHERING. Dramatyczny głos wokalisty The Watch, najbliższy Peterowi Gabrielowi, oraz wszechstronna doskonałość instrumentalna zespołu, pozwolą doświadczyć niezwykłych muzycznych wrażeń wczesnego Genesis przypominając ich pionierską grę.
Steve Hackett (gitarzysta Genesis): The Watch to zespół bardzo utalentowanych ludzi i polecam ich.
Paul Whitehead (grafik Genesis): Zespół, który najbardziej przypomina mi magię Genesis”.
UK Prog Newslatter: Wyjątkowe są tutaj wokale, bardzo
podobne do tych młodego Petera Gabriela.
To wystarczające rekomendacje, żeby wybrać się na koncerty The Watch. Europejska trasa The Watch obejmie również Polskę. Po bardzo udanej trasie w 2025 roku, zapraszamy na kolejne koncerty włoskiego zespołu.
Na parterze układ rzędowy.
Art Muza i Klub Kuźnia zapraszają na koncerty THE WATCH PLAYS GENESIS,, Tales from 1970-1976”:
04.05.2026 – LUBLIN, Klub Muzyczny CSK
05.05.2026 – KRAKÓW, Kwadrat
06.05.2026 – KATOWICE, Kinoteatr Rialto
07.05.2026 – WARSZAWA, Hybrydy
08.05.2026 – POZNAŃ, 2progi
09.05.2026 – BYDGOSZCZ, Kuźnia
10.05.2026 – GDAŃSK, Parlament
Otwarcie drzwi: 19:00, koncert: 20:00.
Bilety: 169 zł (przedsprzedaż), 189 zł (w dniu koncertu).
Pozostałe punkty sprzedaży biletów: Ticketmaster, Eventim, eBilet, Rock Serwis, KupBilecik.
The Watch powraca jesienią 2025 roku, prezentując intensywną podróż do świata wczesnego Genesis i show zawierające utwory z albumów TRESPASS, NURSERY CRYME, FOXTROT, SELLING ENGLAND BY THE POUND, THE LAMB LIES DOWN ON BROADWAY, A TRICK OF THE TAIL oraz WIND & WUTHERING. Dramatyczny głos wokalisty The Watch, najbliższy Peterowi Gabrielowi, oraz wszechstronna doskonałość instrumentalna zespołu, pozwolą doświadczyć niezwykłych muzycznych wrażeń wczesnego Genesis przypominając ich pionierską grę.
Steve Hackett (gitarzysta Genesis): The Watch to zespół bardzo utalentowanych ludzi i polecam ich.
Paul Whitehead (grafik Genesis): Zespół, który najbardziej przypomina mi magię Genesis”.
UK Prog Newslatter: Wyjątkowe są tutaj wokale, bardzo
podobne do tych młodego Petera Gabriela.
To wystarczające rekomendacje, żeby wybrać się na koncerty The Watch. Europejska trasa The Watch obejmie również Polskę. Po bardzo udanej trasie w 2025 roku, zapraszamy na kolejne koncerty włoskiego zespołu.
Na parterze układ rzędowy.
Art Muza i Klub Kuźnia zapraszają na koncerty THE WATCH PLAYS GENESIS,, Tales from 1970-1976”:
04.05.2026 – LUBLIN, Klub Muzyczny CSK
05.05.2026 – KRAKÓW, Kwadrat
06.05.2026 – KATOWICE, Kinoteatr Rialto
07.05.2026 – WARSZAWA, Hybrydy
08.05.2026 – POZNAŃ, 2progi
09.05.2026 – BYDGOSZCZ, Kuźnia
10.05.2026 – GDAŃSK, Parlament
Otwarcie drzwi: 19:00, koncert: 20:00.
Bilety: 169 zł (przedsprzedaż), 189 zł (w dniu koncertu).
Pozostałe punkty sprzedaży biletów: Ticketmaster, Eventim, eBilet, Rock Serwis, KupBilecik.
Walentynki w Rialcie - koncert Moniki Borzym - "Z Wasowskim do łóżka"
Najnowszy projekt muzyczny Moniki Borzym to piosenki Jej ukochanego polskiego kompozytora, Jerzego Wasowskiego. Bliskie związki Moniki z twórczością pana Jerzego trwają od wielu lat.
„Kocham Jerzego Wasowskiego za Jego lekkość, za jego muzyczny dowcip, jazzową frazę, ale również poruszającą we mnie wszystko lirykę. Jego muzyka jest dla mnie źródłem wzruszeń, ciarek na całym ciele, mokrych oczu, chichotu, szerokiego uśmiechu i ogromnej chęci śpiewania!
Bo ja naprawdę śpiewam dla takich piosenek. Gdyby nie było na świecie kompozycji Pana Jerzego, to znając mój temperament, pewnie już dawno śpiewanie by mi się po prostu znudziło.”
Monika śpiewa piosenki Wasowskiego od liceum i jedną z większych frajd jej artystycznego życia było zaśpiewanie w duecie z Panem Jerzym piosenki „Fortuna Kołem się toczy” w aranżacji Krzysztofa Herdzina na płycie „Wasowski Odnaleziony. Ktoś zbudził mnie” w 2013r.
W 2017 wcieliła się w Kalinę Jędrusik w programie TTBZ śpiewając „Bo we mnie jest sex” W 2024 roku wystąpiła z Big Bandem Uniwersytetu Fryderyka Chopina w programie „Nie tylko Wasowski”.
---------
Na parterze układ stolikowy
„Kocham Jerzego Wasowskiego za Jego lekkość, za jego muzyczny dowcip, jazzową frazę, ale również poruszającą we mnie wszystko lirykę. Jego muzyka jest dla mnie źródłem wzruszeń, ciarek na całym ciele, mokrych oczu, chichotu, szerokiego uśmiechu i ogromnej chęci śpiewania!
Bo ja naprawdę śpiewam dla takich piosenek. Gdyby nie było na świecie kompozycji Pana Jerzego, to znając mój temperament, pewnie już dawno śpiewanie by mi się po prostu znudziło.”
Monika śpiewa piosenki Wasowskiego od liceum i jedną z większych frajd jej artystycznego życia było zaśpiewanie w duecie z Panem Jerzym piosenki „Fortuna Kołem się toczy” w aranżacji Krzysztofa Herdzina na płycie „Wasowski Odnaleziony. Ktoś zbudził mnie” w 2013r.
W 2017 wcieliła się w Kalinę Jędrusik w programie TTBZ śpiewając „Bo we mnie jest sex” W 2024 roku wystąpiła z Big Bandem Uniwersytetu Fryderyka Chopina w programie „Nie tylko Wasowski”.
---------
Na parterze układ stolikowy
Wartość sentymentalna - pokaz przedpremierowy
Oscary 2026 - nominacje:
Najlepszy film
Najlepsza aktorka pierwszoplanowa - Renate Reinsve
Najlepszy aktor drugoplanowy - Stellan Skarsgård
Najlepsza aktorka drugoplanowa - Elle Fanning
Najlepsza aktorka drugoplanowa - Inga Ibsdotter Lilleaas
Najlepszy reżyser - Joachim Trier
Najlepszy scenariusz oryginalny - Eskil Vogt, Joachim Trier
Najlepszy film międzynarodowy - Joachim Trier
Najlepszy montaż - Olivier Bugge Coutté
Nominowany do dziewięciu Oscarów najnowszy film Joachima Triera, reżysera „Najgorszego człowieka na świecie”, z nominowanymi do Oscara w kategoriach aktorskich Renate Reinsve, Stellanem Skarsgårdem, Ingą Ibsdotter Lilleaas i Elle Fanning w rolach głównych. Jeden z najczęściej nagradzanych i najważniejszych filmów tego roku, z muzyką skomponowaną przez polską kompozytorkę Hanię Rani.
Siostry Nora (Renate Reinsve) i Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas) spotykają się ze swoim dawno niewidzianym ojcem, charyzmatycznym, niegdyś wielkim reżyserem filmowym Gustavem (Stellan Skarsgård). Proponuje on Norze, aktorce teatralnej, rolę w swoim najnowszym filmie, który ma być jego powrotem do świata filmu. Gdy dziewczyna odrzuca propozycję, ten zatrudnia młodą gwiazdę Hollywood (Elle Fanning). Teraz siostry muszą poradzić sobie nie tylko ze swoją skomplikowaną sytuacją z ojcem, ale też z amerykańską gwiazdą, która zmienia ich rodzinną dynamikę.
Najlepszy film
Najlepsza aktorka pierwszoplanowa - Renate Reinsve
Najlepszy aktor drugoplanowy - Stellan Skarsgård
Najlepsza aktorka drugoplanowa - Elle Fanning
Najlepsza aktorka drugoplanowa - Inga Ibsdotter Lilleaas
Najlepszy reżyser - Joachim Trier
Najlepszy scenariusz oryginalny - Eskil Vogt, Joachim Trier
Najlepszy film międzynarodowy - Joachim Trier
Najlepszy montaż - Olivier Bugge Coutté
Nominowany do dziewięciu Oscarów najnowszy film Joachima Triera, reżysera „Najgorszego człowieka na świecie”, z nominowanymi do Oscara w kategoriach aktorskich Renate Reinsve, Stellanem Skarsgårdem, Ingą Ibsdotter Lilleaas i Elle Fanning w rolach głównych. Jeden z najczęściej nagradzanych i najważniejszych filmów tego roku, z muzyką skomponowaną przez polską kompozytorkę Hanię Rani.
Siostry Nora (Renate Reinsve) i Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas) spotykają się ze swoim dawno niewidzianym ojcem, charyzmatycznym, niegdyś wielkim reżyserem filmowym Gustavem (Stellan Skarsgård). Proponuje on Norze, aktorce teatralnej, rolę w swoim najnowszym filmie, który ma być jego powrotem do świata filmu. Gdy dziewczyna odrzuca propozycję, ten zatrudnia młodą gwiazdę Hollywood (Elle Fanning). Teraz siostry muszą poradzić sobie nie tylko ze swoją skomplikowaną sytuacją z ojcem, ale też z amerykańską gwiazdą, która zmienia ich rodzinną dynamikę.
Wielka Sztuka w Kinoteatrze Rialto - Picasso. Buntownik w Paryżu
Pablo Picasso (1881-1973) – tytan pracy i wulkan kreatywności, który nie tylko zatarł różnicę pomiędzy sztuką a rzemiosłem, ale też w dzieło potrafił zmienić zwykłą szczotkę, konewkę czy rower. Pozostaje jednym z najważniejszych i najbardziej wpływowych artystów w historii, autorem przeszło dwudziestu tysięcy obrazów i obiektów.
Zrealizowany przy okazji 50. rocznicy jego śmierci film Picasso. Buntownik w Paryżu Simony Risi to portret życia spełnionego, ale i złożonego ze sprzeczności – dokumentalna podróż przez lata biedy i szalonego sukcesu, światła i mroku, pasji i destrukcji, kawiarnianych hulanek i politycznego zaangażowania.
Z jedną walizką, nie znając francuskiego – tak młodziutki Pablo postanowił podbić Paryż. Film skupia się na latach spędzonych w kipiącym twórczą energią mieście, który stał się drugim domem pochodzącego z Malagi malarza. Jako hiszpański imigrant był na celowniku policji, jako artysta rewolucjonizujący sztukę błyskawicznie podbił salony. Jego styl wciąż ewoluował, malował intensywnie i niechętnie rozstawał się z pracami. Jestem swoim najlepszym kolekcjonerem mawiał, a 5 tysięcy należących do niego obiektów stanowi dziś bezcenny zbiór paryskiego Muzeum Picassa. Film daje nam unikalną szansę odwiedzenia zorganizowanej tam z okazji 50. rocznicy śmierci artysty wielkiej wystawy, której scenografię współtworzył słynny brytyjski projektant, Paul Smith.
Dokument Risi to również portret zmieniającego się Paryża i panorama XX wieku, który artysta kształtował, będąc zarazem przenikliwym kronikarzem burzliwej epoki. Ustami ekspertów i kuratorów Picasso. Buntownik w Paryżu rozszyfrowuje ukrytą w dziełach symbolikę, tłumaczy, jak kolejne doświadczenia i spotkania wpływały na ewolucję stylu. Ale geniusz miał również swoją mroczną stronę, o której zaświadczają wspomnienia jego partnerek. Filmowa opowieść przynosi także krytyczne spojrzenie na biografię i twórczość Pabla Picassa, przypominając, że często za spektakularną karierą „wielkiego mężczyzny” stoją zapomniane lub niedoceniane kobiety.
Zrealizowany przy okazji 50. rocznicy jego śmierci film Picasso. Buntownik w Paryżu Simony Risi to portret życia spełnionego, ale i złożonego ze sprzeczności – dokumentalna podróż przez lata biedy i szalonego sukcesu, światła i mroku, pasji i destrukcji, kawiarnianych hulanek i politycznego zaangażowania.
Z jedną walizką, nie znając francuskiego – tak młodziutki Pablo postanowił podbić Paryż. Film skupia się na latach spędzonych w kipiącym twórczą energią mieście, który stał się drugim domem pochodzącego z Malagi malarza. Jako hiszpański imigrant był na celowniku policji, jako artysta rewolucjonizujący sztukę błyskawicznie podbił salony. Jego styl wciąż ewoluował, malował intensywnie i niechętnie rozstawał się z pracami. Jestem swoim najlepszym kolekcjonerem mawiał, a 5 tysięcy należących do niego obiektów stanowi dziś bezcenny zbiór paryskiego Muzeum Picassa. Film daje nam unikalną szansę odwiedzenia zorganizowanej tam z okazji 50. rocznicy śmierci artysty wielkiej wystawy, której scenografię współtworzył słynny brytyjski projektant, Paul Smith.
Dokument Risi to również portret zmieniającego się Paryża i panorama XX wieku, który artysta kształtował, będąc zarazem przenikliwym kronikarzem burzliwej epoki. Ustami ekspertów i kuratorów Picasso. Buntownik w Paryżu rozszyfrowuje ukrytą w dziełach symbolikę, tłumaczy, jak kolejne doświadczenia i spotkania wpływały na ewolucję stylu. Ale geniusz miał również swoją mroczną stronę, o której zaświadczają wspomnienia jego partnerek. Filmowa opowieść przynosi także krytyczne spojrzenie na biografię i twórczość Pabla Picassa, przypominając, że często za spektakularną karierą „wielkiego mężczyzny” stoją zapomniane lub niedoceniane kobiety.
Wielka Sztuka w Kinoteatrze Rialto - Prawdziwa historia Tamary Łempickiej
"Prawdziwa historia Tamary Łempickiej" to wizualnie oszałamiający pełnometrażowy film dokumentalny, który śledzi życie i walkę o przetrwanie słynnej malarki poprzez jej pełne mocy dzieła sztuki. Dzięki przełomowym, nigdy wcześniej niepokazywanym filmom z domowego archiwum na taśmie 8 mm oraz nowo odkrytym aktom urodzenia i chrztu, film po raz pierwszy ujawnia jej prawdziwe imię, pochodzenie i tożsamość, zmieniając historię sztuki.
Opowieść obejmuje jej drogę do międzynarodowej sławy w Paryżu lat 20., ucieczkę przed faszyzmem do Stanów Zjednoczonych w 1940 roku oraz jej współczesne odrodzenie na rynku sztuki. Ta niezwykła uchodźczyni wielokrotnie na nowo definiowała siebie w czasie dwóch wojen, ucieleśniając talent, odporność, pasję i nieustanne dążenie do artystycznej wolności pomimo okrucieństw, których doświadczyła. Ta biseksualna, żydowska artystka miała wolę, by być wielką i by być dostrzeganą w świecie, który nie zawsze chciał ją widzieć.
Opowieść obejmuje jej drogę do międzynarodowej sławy w Paryżu lat 20., ucieczkę przed faszyzmem do Stanów Zjednoczonych w 1940 roku oraz jej współczesne odrodzenie na rynku sztuki. Ta niezwykła uchodźczyni wielokrotnie na nowo definiowała siebie w czasie dwóch wojen, ucieleśniając talent, odporność, pasję i nieustanne dążenie do artystycznej wolności pomimo okrucieństw, których doświadczyła. Ta biseksualna, żydowska artystka miała wolę, by być wielką i by być dostrzeganą w świecie, który nie zawsze chciał ją widzieć.
Wielka Sztuka w Kinoteatrze Rialto - Velázquez i jego tajemnica
UWAGA! Projekcja 28.12. w wersji z wgranym lektorem.
Diego Velázquez – mistrz pełnego przepychu baroku, który na obrazach nie bał się pustki, osobisty malarz króla, który portretował lud, artysta zajmujący wysokie stanowiska w królewskiej administracji, autor jednych z najbardziej zagadkowych dzieł w historii sztuki. A przede wszystkim prekursor nowoczesnego malarstwa. Jego dzieła budziły zachwyt Édouarda Maneta, Pabla Picassa, Francisa Bacona czy Salvadora Dalego. Ten ostatni z autoportretów idola pożyczył nawet charakterystyczne wąsy, które stały się jego znakiem rozpoznawczym. „Velázquez i jego tajemnica” dowodzi wpływu, jaki Velázquez wywarł na wiele pokoleń twórców, przybliża pełną ukrytych znaczeń twórczość Hiszpana, próbuje zbliżyć się do tajemnicy jego geniuszu.
Prace tego najważniejszego – obok Caravaggia i Goi – europejskiego malarza znajdują się w najwspanialszych światowych kolekcjach. Wraz z twórcami filmu „Velázquez i jego tajemnica” przemierzamy więc sale Musée d'Orsay, Prado, Metropolitan Museum of Art, a kuratorzy, artyści, konserwatorzy, historycy objaśniają fenomen artysty. W centrum tej opowieści znajdują się słynne „Panny dworskie", obraz, który zachwyca niezwykłą perspektywą, kunsztowną kompozycją, fenomenalną techniką i po dziś dzień wymyka się interpretacjom. Wielu wciąż poszukuje tego, co zobaczył Velázquez – tak o zagadkowym arcydziele mówią twórcy filmu.
Ale „Velázquez i jego tajemnica” to nie tylko dzieła i eksperci, ale także wydobyte z telewizyjnych archiwów unikatowe, zaskakujące nagrania, w których o namiętności do Velázqueza opowiadają m.in. Dali, Bacon czy filozof Michel Foucault. Jednym z bohaterów dokumentu jest także Julian Schnabel. I dla każdego z nich Hiszpan pozostawał artystą na wskroś współczesnym.
Diego Velázquez – mistrz pełnego przepychu baroku, który na obrazach nie bał się pustki, osobisty malarz króla, który portretował lud, artysta zajmujący wysokie stanowiska w królewskiej administracji, autor jednych z najbardziej zagadkowych dzieł w historii sztuki. A przede wszystkim prekursor nowoczesnego malarstwa. Jego dzieła budziły zachwyt Édouarda Maneta, Pabla Picassa, Francisa Bacona czy Salvadora Dalego. Ten ostatni z autoportretów idola pożyczył nawet charakterystyczne wąsy, które stały się jego znakiem rozpoznawczym. „Velázquez i jego tajemnica” dowodzi wpływu, jaki Velázquez wywarł na wiele pokoleń twórców, przybliża pełną ukrytych znaczeń twórczość Hiszpana, próbuje zbliżyć się do tajemnicy jego geniuszu.
Prace tego najważniejszego – obok Caravaggia i Goi – europejskiego malarza znajdują się w najwspanialszych światowych kolekcjach. Wraz z twórcami filmu „Velázquez i jego tajemnica” przemierzamy więc sale Musée d'Orsay, Prado, Metropolitan Museum of Art, a kuratorzy, artyści, konserwatorzy, historycy objaśniają fenomen artysty. W centrum tej opowieści znajdują się słynne „Panny dworskie", obraz, który zachwyca niezwykłą perspektywą, kunsztowną kompozycją, fenomenalną techniką i po dziś dzień wymyka się interpretacjom. Wielu wciąż poszukuje tego, co zobaczył Velázquez – tak o zagadkowym arcydziele mówią twórcy filmu.
Ale „Velázquez i jego tajemnica” to nie tylko dzieła i eksperci, ale także wydobyte z telewizyjnych archiwów unikatowe, zaskakujące nagrania, w których o namiętności do Velázqueza opowiadają m.in. Dali, Bacon czy filozof Michel Foucault. Jednym z bohaterów dokumentu jest także Julian Schnabel. I dla każdego z nich Hiszpan pozostawał artystą na wskroś współczesnym.
Wielki Marty
Oscary 2026 – nominacje:
Najlepszy film - Anthony Katagas, Eli Bush, Josh Safdie, Ronald Bronstein, Timothée Chalamet
Najlepszy aktor pierwszoplanowy - Timothée Chalamet
Najlepszy reżyser - Josh Safdie
Najlepszy scenariusz oryginalny - Josh Safdie, Ronald Bronstein
Najlepsza obsada
Najlepsza scenografia - Adam Willis, Jack Fisk
Najlepsze kostiumy - Miyako Bellizzi
Najlepsze zdjęcia - Darius Khondji
Najlepszy montaż - Josh Safdie, Ronald Bronstein
9 nominacji do Oscara, w tym: za najlepszy film, reżyserię, aktora pierwszoplanowego (Timothée Chalamet)
„Wielki Marty” to opowieść o zawodowym i osobistym życiu Marty’ego Mausera – geniusza tenisa stołowego, którego talent dorównuje tylko jego skomplikowanej osobowości. Chalamet tworzy w filmie kreację balansującą między charyzmą, niepokojem i autodestrukcją.
Marty chce być gwiazdą. Nagnie więc wszystkie reguły, wejdzie w sojusze z ludźmi, od których powinien trzymać się z daleka, gotów będzie uwieść każdą kobietę, byleby tylko zrealizować swoje marzenie o wielkości.
Krytycy podkreślają, że to jedna z jego najlepszych ról, a magazyny branżowe określają film jako „połączenie energii Złap mnie, jeśli potrafisz i intensywności Nieoszlifowanych diamentów”. Recenzje nie pozostawiają wątpliwości, że Timothée – z paletką w ręce czy bez – ma wielkie szanse na bycie Wielkim.
Najlepszy film - Anthony Katagas, Eli Bush, Josh Safdie, Ronald Bronstein, Timothée Chalamet
Najlepszy aktor pierwszoplanowy - Timothée Chalamet
Najlepszy reżyser - Josh Safdie
Najlepszy scenariusz oryginalny - Josh Safdie, Ronald Bronstein
Najlepsza obsada
Najlepsza scenografia - Adam Willis, Jack Fisk
Najlepsze kostiumy - Miyako Bellizzi
Najlepsze zdjęcia - Darius Khondji
Najlepszy montaż - Josh Safdie, Ronald Bronstein
9 nominacji do Oscara, w tym: za najlepszy film, reżyserię, aktora pierwszoplanowego (Timothée Chalamet)
„Wielki Marty” to opowieść o zawodowym i osobistym życiu Marty’ego Mausera – geniusza tenisa stołowego, którego talent dorównuje tylko jego skomplikowanej osobowości. Chalamet tworzy w filmie kreację balansującą między charyzmą, niepokojem i autodestrukcją.
Marty chce być gwiazdą. Nagnie więc wszystkie reguły, wejdzie w sojusze z ludźmi, od których powinien trzymać się z daleka, gotów będzie uwieść każdą kobietę, byleby tylko zrealizować swoje marzenie o wielkości.
Krytycy podkreślają, że to jedna z jego najlepszych ról, a magazyny branżowe określają film jako „połączenie energii Złap mnie, jeśli potrafisz i intensywności Nieoszlifowanych diamentów”. Recenzje nie pozostawiają wątpliwości, że Timothée – z paletką w ręce czy bez – ma wielkie szanse na bycie Wielkim.
Wielkie piękno - PONOWNIE NA WIELKIM EKRANIE
Nagrody:
Oscar – Najlepszy film nieanglojęzyczny (2014)
Złoty Glob – Najlepszy film zagraniczny (2014)
Europejska Nagroda Filmowa – Najlepszy europejski film roku (2013)
Wielkie piękno to wizualnie oszałamiająca, kontemplacyjna podróż przez Rzym i życie głównego bohatera filmu, Jepa Gambardelli, starzejącego się dziennikarza i pisarza, który po latach hedonistycznego życia zaczyna rozliczać się ze swoją przeszłością. Słynący z ironicznego dystansu i bycia stałym bywalcem elitarnych przyjęć, Jep z pozornym spokojem dryfuje przez świat włoskiej wyższej sfery. Jednak pod powierzchnią blichtru, rozmów o sztuce i filozofii kryje się głęboka tęsknota za autentycznym pięknem i duchowym spełnieniem.
Film Paolo Sorrentino jest nie tylko melancholijną medytacją nad przemijaniem i pustką życia towarzyskiego, lecz także listem miłosnym do Rzymu – miasta pełnego kontrastów, historii i ukrytych cudów. Rzym, nostalgiczny i okrutny, staje się równorzędnym bohaterem. Jego zabytki, ulice i życie nocne tworzą kontrast między historycznym pięknem a współczesną dekadencją. Stylowa reżyseria, wyrafinowane zdjęcia i symboliczne obrazy tworzą razem film, który bywa porównywany do dzieł Federica Felliniego, zwłaszcza do Słodkiego życia. Wielkie piękno to jeden z najważniejszych tytułów europejskiego kina XXI wieku, dlatego zdecydowaliśmy się przywrócić go na ekrany kin studyjnych.
Oscar – Najlepszy film nieanglojęzyczny (2014)
Złoty Glob – Najlepszy film zagraniczny (2014)
Europejska Nagroda Filmowa – Najlepszy europejski film roku (2013)
Wielkie piękno to wizualnie oszałamiająca, kontemplacyjna podróż przez Rzym i życie głównego bohatera filmu, Jepa Gambardelli, starzejącego się dziennikarza i pisarza, który po latach hedonistycznego życia zaczyna rozliczać się ze swoją przeszłością. Słynący z ironicznego dystansu i bycia stałym bywalcem elitarnych przyjęć, Jep z pozornym spokojem dryfuje przez świat włoskiej wyższej sfery. Jednak pod powierzchnią blichtru, rozmów o sztuce i filozofii kryje się głęboka tęsknota za autentycznym pięknem i duchowym spełnieniem.
Film Paolo Sorrentino jest nie tylko melancholijną medytacją nad przemijaniem i pustką życia towarzyskiego, lecz także listem miłosnym do Rzymu – miasta pełnego kontrastów, historii i ukrytych cudów. Rzym, nostalgiczny i okrutny, staje się równorzędnym bohaterem. Jego zabytki, ulice i życie nocne tworzą kontrast między historycznym pięknem a współczesną dekadencją. Stylowa reżyseria, wyrafinowane zdjęcia i symboliczne obrazy tworzą razem film, który bywa porównywany do dzieł Federica Felliniego, zwłaszcza do Słodkiego życia. Wielkie piękno to jeden z najważniejszych tytułów europejskiego kina XXI wieku, dlatego zdecydowaliśmy się przywrócić go na ekrany kin studyjnych.
Wpatrując się w słońce - pokaz przedpremierowy
Łączący ulotność i melancholię „Przekleństw niewinności” Sofii Coppoli z monumentalnym i nowatorskim charakterem „Strefy interesów” Jonathana Glazera — poruszający portret kilku pokoleń dziewcząt i kobiet na niemieckiej wsi. Filmowa opowieść, która zdaniem polskich recenzentów, mogłaby być ekranizacją bestsellerowej książki „Chłopki” Joanny Kuciel-Frydryszak. Wizjonerski, epicki, intymny i poruszający do głębi. Okrzyknięty hipnotyzującym, wymykającym się wszelkim definicjom arcydziełem — laureat Nagrody Jury na festiwalu w Cannes.
Na jednej farmie w północnych Niemczech, w różnych momentach XX i XXI wieku, dorastają cztery dziewczyny: Alma, Erica, Angelika i Lenka. Choć dzieli je czas, każda z nich doświadcza podobnych emocji – pierwszej miłości, buntu i rodzinnych napięć. Ich historie splatają się, odsłaniając tajemnice, które przez lata pozostawały w ukryciu. Reżyserką i współautorką scenariusza jest Mascha Schilinski, znana z autorskiego stylu i głęboko emocjonalnych portretów kobiet. Film otrzymał nominacje do Nagród Gotham w dwóch kategoriach: Najlepszy scenariusz oryginalny oraz Najlepszy film międzynarodowy, jest też oficjalnym niemieckim kandydatem do Oscara.
Na jednej farmie w północnych Niemczech, w różnych momentach XX i XXI wieku, dorastają cztery dziewczyny: Alma, Erica, Angelika i Lenka. Choć dzieli je czas, każda z nich doświadcza podobnych emocji – pierwszej miłości, buntu i rodzinnych napięć. Ich historie splatają się, odsłaniając tajemnice, które przez lata pozostawały w ukryciu. Reżyserką i współautorką scenariusza jest Mascha Schilinski, znana z autorskiego stylu i głęboko emocjonalnych portretów kobiet. Film otrzymał nominacje do Nagród Gotham w dwóch kategoriach: Najlepszy scenariusz oryginalny oraz Najlepszy film międzynarodowy, jest też oficjalnym niemieckim kandydatem do Oscara.